Il semblerait que tout le monde sache déjà ce qu'est l'animation. Mais si vous approfondissez ce sujet, vous pouvez trouver beaucoup de choses faits intéressants. Par exemple, en URSS, l’animation s’appelait animation. Il en existe de nombreux types et la première animation est apparue avant le cinéma. Parlons de tout cela plus loin.

Définition

Il convient donc de comprendre que le terme « animation » a plusieurs interprétations. Tout d’abord, c’est ainsi qu’on appelle l’animation en Occident. L’animation, quant à elle, est un type particulier d’art cinématographique. En termes simples, tout cela n’est qu’un dessin animé ordinaire. Du latin, l’animation se traduit par « multiplication ». Autrement dit, le nom lui-même révèle la technique par laquelle une image animée est formée.

Bref historique

Il est intéressant de noter que bien avant que les gens ne le sachent, dans la première moitié du XIXe siècle, les premières tentatives ont été faites pour « activer » une image. Mais le premier personnage animé à part entière fut le dinosaure Gertie, créé par Winsor McCay en 1914.

Après cela, l’animation s’est développée rapidement. Déjà en 1928, Walt Disney présentait Mickey Mouse au monde. En URSS, l'animation se développe activement depuis 1936, date de la création du studio de cinéma Soyuzmultfilm. L'animation se répand ensuite dans le monde entier. Déjà en 1958, l’anime désormais populaire est apparu au Japon. C’est ainsi que l’animation est devenue animation par ordinateur.

Techniques d'animation

Lorsque le monde entier a compris ce qu’était l’animation, différents types ont commencé à apparaître. Au fil du temps, les technologies ont commencé à se développer pour créer de nouveaux dessins animés. Nous pouvons maintenant parler de cinq techniques courantes pour créer une image animée.

La rotoscopie est une technique spéciale qui forme un segment en représentant séquentiellement des images individuelles. Chaque image est sur un vrai film. Le tournage implique des acteurs et des décors. Désormais, cette technique est également utilisée. Mais avant, ils embauchaient un artiste qui dessinait manuellement tout ce qui était nécessaire, mais maintenant tout le processus est informatisé. Si des effets spéciaux sont nécessaires, un « masque errant » est ajouté. Il couvre des parties de l’image réelle.

Une autre technique est la pâte à modeler. Cette animation est familière à beaucoup grâce au dessin animé « La neige de l’année dernière tombait ». La technique consiste à photographier des éléments en pâte à modeler image par image. Dans ce cas, la position des personnages change sous l’effet du mouvement.

L'animation sur sable est moins populaire. Il s’agit de travailler avec du sable fin purifié, du sel ou du café. La poudre se répand couche mince sur le verre et avec les mouvements de la main, il forme une image.

L’animation dessinée à la main était auparavant très populaire. Avant l’avènement des ordinateurs, c’était le plus utilisé. Cette technique consiste à prendre des photographies en accéléré d'objets bidimensionnels dessinés à la main.

Méthode informatique

Il s'agit de la dernière technique d'animation et elle mérite d'être évoquée plus en détail. Qu’est-ce que l’animation par ordinateur ? Il est logique de supposer qu'il est créé à l'aide d'un PC. Bien qu'on la retrouve le plus souvent dans l'art, cette méthode est également utilisée dans la production, la science et les affaires.

Ceux qui sont familiers avec l’infographie savent que l’animation est dérivée. Il peut également être formé de manière vectorielle, raster, fractale ou tridimensionnelle.

Espèces

L'animation par ordinateur peut être réalisée de plusieurs manières. L'une des premières est considérée comme la méthode d'organisation des images clés. L'ordinateur lui-même remplit les trames intermédiaires. Il existe une technique d'enregistrement de mouvement. Sur des capteurs spéciaux, grâce auxquels les ordinateurs reconnaissent leurs mouvements et les transmettent en simulation.

L'animation procédurale est un processus logiciel complexe dans lequel le PC génère lui-même des mouvements limités par des règles et des lois. Les objets peuvent également être animés à l'aide de langages de programmation. Ainsi, JavaScript et ActionScript sont connus.

Si vous ne savez pas réaliser d'animation, vous pouvez vous tourner vers des programmes spéciaux. Parmi eux, il existe des options payantes et gratuites. Des services en ligne sont également disponibles.

Programmes

Si vous souhaitez créer votre propre animation, sachez qu'elle est réelle. Bien sûr, vous devez avoir des compétences en dessin, au moins de base. Mais en général, le programme d'animation lui-même vous aidera. Naturellement, il arrive en tête de la liste complète des logiciels similaires Adobe Photoshop. Ce n’est un secret pour personne qu’il s’agit d’une option payante, même si cela ne constitue pas un obstacle pour les fans de versions piratées.

"Photoshop" est programme universel, ce qui vous permet de faire tout ce qui vous passe par la tête. Il y a quelque chose ici pour ça outils nécessaires et des ajouts. Si tu as besoin choix professionnel ce programme, puis achetez Adobe Flash Professional. Cette plateforme multimédia est spécialement conçue pour fonctionner avec des applications Web et présentations multimédia. Il dispose d'outils de développement tels qu'Adobe Animate dans son arsenal. Le module complémentaire est conçu pour fonctionner avec l'animation par ordinateur.

Si vous avez besoin d'une animation sur un fond transparent, vous pouvez ajouter gratuitement GIMP ou Blender aux applications ci-dessus. La première option est une copie de Photoshop. Idéal pour travailler avec des graphiques raster. La deuxième option est un package complet destiné aux professionnels qui travaille avec le graphisme 3D, la modélisation, l'animation, le rendu, etc.

Services en ligne

Parmi les services en ligne, Moovly est considéré comme populaire. Ici, il est peu probable que vous puissiez travailler avec une animation sur un fond transparent, mais de simples vidéos dessinées à la main ou des présentations publicitaires sont faciles à réaliser ici. Il existe toute une bibliothèque avec des modèles et des objets. Vous pouvez ajouter du texte et de la musique et envoyer immédiatement le produit fini sur YouTube. Le service est un shareware. Vous pouvez créer une vidéo de 10 minutes en résolution 480p. Ce sera largement suffisant pour l'animation.

PowerPoint

Beaucoup de gens se demandent si ce programme peut être utilisé pour créer des dessins animés ? Malheureusement, vous n'en aurez pas besoin, car vous ne pourrez pas y créer d'animation. Ce service est conçu pour créer des présentations. Bien sûr, si vous vous y habituez, vous pouvez essayer de créer une série d'images animées pour que cela ressemble à un dessin animé, mais ce programme n'est pas du tout fait pour ça.

Les principaux outils de PowerPoint sont avant tout les effets spéciaux. Par exemple, chaque cadre peut apparaître d'une manière particulière : avec un assombrissement, un éclaircissement, une rotation, des motifs, etc. La même chose peut être faite avec des objets de présentation. Vous pouvez ajouter un effet visuel au texte ou à l'image. Les blocs peuvent s'envoler, apparaître, disparaître, etc.

Lorsque nous entendons le mot «animation», tout d'abord, nos dessins animés préférés nous viennent à l'esprit et nous ressentons un sentiment de gratitude pour le plaisir que nous avons reçu dans l'enfance (et pas seulement dans l'enfance !) envers les personnes qui les créent. Mais l’animation au sens large du terme ne se limite pas aux dessins animés.

Alors, qu’est-ce que l’animation ? La définition de ce concept est interprétée dans le monde entier comme un « renouveau ». En général, le mot animation est un mot emprunté, il vient du latin « anima », qui traduit de cette langue morte signifie âme, et « animation », respectivement, signifie renaissance, spiritualité, inspiration. C'est ça l'animation, le sens du mot, ou plutôt.

Animation = dessin animé ?

Personne ne contestera que l’animation est une forme d’art, la représentation du mouvement dans des dessins animés ou en infographie en affichant une série d’images changeant à une certaine fréquence, offrant une perception visuelle holistique. Autrement dit, l’animation est une illusion qui crée l’impression que quelque chose qui ne peut pas bouger tout seul est en mouvement. Cette impression est obtenue en montrant successivement de nombreux dessins indépendants.

C’est là que l’animation diffère de la vidéo, où un mouvement véritablement continu est filmé.

Un synonyme du mot « animation » est « dessin animé ». Il s'agit d'un mot plus familier pour les russophones ; il est dérivé du latin « multi », qui signifie « plusieurs ». Et cela se comprend : pour que le héros « prenne vie », son mouvement doit être répété plusieurs fois. Combien? Au moins 10 images par seconde.

Mais c’est quand même la définition d’« animation » qui reflète le plus fidèlement capacités modernes films d'animation - les maîtres non seulement « font revivre » les héros de leurs créations en dessinant une séquence d'images, mais le font en y mettant un morceau de leur âme.

Les racines des images « revitalisantes » remontent à l’Antiquité…

L'animation - qu'est-ce que c'est et quand ont été faites les premières tentatives d'animation d'un dessin ? De telles tentatives ont été faites par des hommes des cavernes qui ont tenté de capturer le mouvement dans les peintures rupestres du Paléolithique. Ils représentaient des animaux avec un grand nombre jambes qui se chevauchent.

Un récipient en argile a été trouvé en Iran, sur les murs duquel se trouvent 5 dessins d'une chèvre en mouvement. L'âge de ce navire est déterminé à 5 mille ans !

Des dessins similaires datant de 2000 avant JC ont été découverts en Égypte.

Quels ne sont pas les premiers exemples d’animation ?

Mais alors le seul dispositif capable de faire revivre ces dessins, de les montrer en mouvement, était l'imagination des peuples anciens.

De tels dispositifs ont été mentionnés pour la première fois au deuxième siècle après JC. Vers 180 en Chine, Ding Huan inventa à cet effet le zootrope. Au XVIIIe siècle, le phénakistiscope, le cinéographe et le praxinoscope sont inventés. Ce furent les premiers appareils d’animation populaires. De quels types d'appareils s'agit-il ?

Le fonctionnement d'un phénakistoscope repose sur l'utilisation d'un ensemble de fentes rotatives.

L'observateur pouvait voir une séquence d'images grâce à deux disques placés sur le même axe et tournés simultanément. L'un de ces disques avait des emplacements, l'autre contenait des images. Le spectateur regardait le long de cet axe de rotation, et les fentes passaient devant les yeux, grâce auxquelles il pouvait voir successivement les images du deuxième disque.

Mais le praxinoscope utilisait des miroirs rotatifs à l’intérieur d’un grand cylindre pour animer les images. Les images « regardaient » vers les miroirs.
Grâce à ces appareils, un seul spectateur pouvait voir des images animées.

Prototypes d'animations

D'abord histoire célèbre Un exemple d'animation a été enregistré en 1828. Le Français Paul Roget a démontré un disque rotatif, d'un côté duquel était représenté un oiseau et de l'autre une cage pour celui-ci. Lorsque ce disque bougeait, c'était comme si l'oiseau était assis dans une cage.

En 1892, le premier spectacle de « pantomimes lumineuses » a lieu au théâtre optique d'Émile Reynaud, inventeur et artiste français. Reynaud a fabriqué un appareil pour son théâtre basé sur un zootrope, l'améliorant avec un système de miroirs, et l'inventeur a également relié l'appareil à une lanterne. Grâce à sa lumière « magique », l’image était projetée sur l’écran, et de nombreux spectateurs pouvaient déjà la voir en même temps.

La véritable animation est devenue possible avec la création de la caméra et du projecteur par l'inventeur Tom A. Edison.

Histoire de l'animation

De nombreux historiens considèrent l'Anglais James Stewart Blackton comme le premier véritable animateur ; son premier film d'animation, intitulé « The Magic Drawings », est sorti en 1900. L'animateur a créé ses chefs-d'œuvre comme ceci : il a dessiné une image au tableau, puis l'a photographiée, puis l'a effacée. Et ainsi en cercle : j'ai redessiné, photographié, effacé...

Le plus célèbre des animateurs est Walt Disney, qui a non seulement développé la technologie permettant de produire des dessins animés, mais a également créé un empire du dessin animé.

En 1923, Walt Disney sort la série « Alice in Animation Land », qui révolutionne l’animation. Puis, un à un, sont apparus Mickey Mouse, Donald Duck et d'autres personnages de « dessins animés », qui ont gagné l'amour des enfants du monde entier. Le studio Disney a reçu jusqu'à 12 Oscars pour son travail !

Au Japon, les premières expériences d'animation remontent à 1913. Et en 1932, le premier studio d’animation est créé dans ce pays. En 1933, paraît le premier film d’animation sonore.

En 1943, le premier long métrage d’animation, Momotaro, l’aigle de mer, est produit au Japon.

Le fondateur de l'animation volumétrique était le réalisateur russe Vladislav Starevich, qui était également artiste et caméraman.

Nous pouvons parler sans fin de l’histoire de l’animation. Mais il nous est difficile de l’imaginer sans de bons et instructifs dessins animés soviétiques. L’un des plus célèbres est « Eh bien, attendez une minute ! » Ce dessin animé en série a commencé à être tourné en 1969 chez Soyuzmultfilm.

Quand la parole d’une langue morte était « ressuscitée »

La première fois que le terme « animation » a été utilisé en France, c'était au début du XXe siècle, lorsqu'une loi sur la création d'associations a été introduite dans ce pays.

Est-ce à ce moment-là que le terme « animation » est né ? Qu'est-ce que cela signifiait ? Le terme désignait une action ou une activité destinée à accroître un vif intérêt pour créativité artistique et la culture en général.

Déjà dans la seconde moitié de ce siècle, le terme « animation » a commencé à être utilisé dans plusieurs sens. C’est alors que pour la première fois ce concept a commencé à être interprété comme une activité créatrice dans la production de dessins animés.

Et à la fin du XXe siècle, l'animation a commencé à représenter une direction distincte du loisir culturel.

Le lecteur connaît désormais la traduction du mot « animation », la définition du concept, l'histoire de la création des premières « images live ». Il reste à donner des définitions plus précises de ce terme.

Animation - qu'est-ce que...

Comment expliquer ce terme aujourd’hui ? « Animation » - que se cache-t-il derrière ce mot ? Il existe plusieurs définitions dans lesquelles le même terme signifie différents types activités. Ainsi, l'animation est :

• Une technologie qui crée l'illusion du mouvement d'objets inanimés stationnaires. La forme la plus connue de cette technologie est l’animation. Elle obtient cet effet grâce à une série d’images dessinées à la main.

• Organisation de loisirs lors de divers événements, notamment fêtes d'enfants, camps de santé pour enfants et hôtels. Un loisir qui implique la participation directe des vacanciers eux-mêmes à des événements publics. L'action commune avec les organisateurs consiste à accroître la vitalité et l'inspiration des personnes qui y participent.

L'importance de l'animation ne peut être surestimée. À la fois synonyme d’animation et forme d’organisation du temps libre, l’animation est conçue pour donner de la joie aux gens et les revitaliser spirituellement.

L'animation est le nom occidental de l'animation. Ce mot vient de l'anglais animation, qui se traduit par « revival, animation ».

Auparavant, l'animation était créée manuellement - avec un crayon et de l'encre sur du papier calque. Puis ils ont commencé à utiliser des ordinateurs. Au début, on utilisait de gros ordinateurs, appelés mainframes. Ensuite, les créateurs de dessins animés se sont tournés vers de puissantes stations graphiques.

Et à notre époque, pour créer un simple film d'animation, la puissance d'un ordinateur personnel ordinaire suffit.

Animation(de l'animation française - renaissance, animation) - un type de cinématographie dans lequel un film est créé en filmant image par image des dessins ou des scènes de marionnettes. L'animateur, comme un acteur, joue son rôle, insufflant la vie à un personnage immobile, une âme, le dotant de caractère et d'habitudes, expérimentant avec lui chaque fraction de seconde de vie dans la scène.

L'animation a sa propre histoire ; E. Reynaud est considéré comme le créateur de la technologie permettant de réaliser des dessins animés image par image. Mais l’animation est devenue plus répandue à l’époque de Walt Disney. Les principes d'animation qu'il a utilisés sont devenus si efficaces qu'ils sont toujours considérés comme la base de l'animateur. Il existe plusieurs types d'animation : Traditionnelle, Stop-frame, Informatique. Ordinateur et Traditionnel sont essentiellement la même chose, seul Traditionnel est dessiné à la main sur papier et Ordinateur est dessiné sur une tablette dans un programme. L'animation est un processus complexe qui prend beaucoup de temps. L’animation traditionnelle est considérée comme la plus exigeante en main-d’œuvre à réaliser, elle est donc désormais très rarement utilisée. En animation par ordinateur, tout est beaucoup plus simple.

Animation par ordinateur - un type d'animation créé à l'aide d'un ordinateur. Contrairement au concept plus général de « graphiques CGI », qui fait référence à la fois aux images fixes et animées, l'animation par ordinateur se réfère uniquement aux images animées. Aujourd'hui, il est largement utilisé aussi bien dans le domaine du divertissement que dans les domaines industriel, scientifique et commercial. Étant un dérivé de l'infographie, l'animation hérite des mêmes méthodes de création d'images : graphiques vectoriels, graphiques raster, graphiques fractals, graphiques tridimensionnels (3D).

L'animation par ordinateur peut également être divisée en types : animation Flash, image par image classique, animation 3D.

Animations flash

L'animation Flash est basée sur le principe de l'animation par images clés . Le placement des images clés est effectué par l'animateur. Les images intermédiaires sont générées par un programme spécial. Cette méthode est la plus proche de l’animation traditionnelle dessinée à la main, seul le rôle du phaseur est assumé par un ordinateur plutôt que par une personne.

Le processus de création de dessins animés comprend plusieurs étapes :

La première étape est l'idée et le scénario ;

Le second est le storyboard ;

Troisièmement - Création d'un animatique (une mise en page approximative du dessin animé. Déjà sur la base de l'animatique, on peut juger de l'action qui se déroule. L'animatique contient déjà une animation, mais les mouvements des personnages peuvent être modifiés à l'étape suivante),

Le quatrième et le plus long est l'animation ;

Cinquièmement - aperçu final ;

La sixième consiste à monter et assembler le film.

Contenu de l'article

ANIMATION, une sorte d'art synthétique. Technologiquement, son essence se résume au fait qu'une série successive d'images fixes est enregistrée sur film selon la méthode image par image, et la projection de ces images sur l'écran à une vitesse de 24 images (à l'époque du silence films - 16 images) par seconde crée l'illusion du mouvement. Le mot « animation » lui-même signifie « animation » ; dans notre pays, ce terme est apparu dans les années 1980, remplaçant la précédente définition d'« animation » (du latin signifiant « multiplication »). Et, si l'ancienne définition était basée sur principe technologique, alors la nouveauté révèle le vrai sens de ce qui se passe : sous nos yeux, une image inanimée prend vie. Le cinéma d’animation, jusqu’alors qualifié de « genre cinématographique », a commencé à juste titre à être considéré comme un art cinématographique indépendant.

Pour qu'un personnage dessiné ou tridimensionnel prenne vie à l'écran, son mouvement est divisé en phases distinctes puis filmé. Si vous regardez attentivement les images du film, vous pouvez voir que dans chaque image, la position du personnage est légèrement différente des images précédentes et suivantes, cela crée une illusion de mouvement lorsqu'il est projeté sur l'écran, en fonction de la capacité de la rétine. de l'œil humain de conserver une image pendant un certain temps, sans qu'elle chevauche l'image suivante.

Ce phénomène, décrit en détail déjà dans les travaux du mathématicien et physicien grec Ptolémée 150 ans avant JC, les gens l'ont remarqué et ont commencé à l'utiliser il y a très longtemps ; De nombreux chercheurs modernes estiment l’âge de l’animation non pas en siècles, mais en millénaires. Certainement, nous parlons de il ne s'agit pas de films, mais d'images fixes qui « prennent vie » lorsqu'une personne bouge ou simplement regarde l'une l'autre. De tels prototypes de cinéma d'animation comprennent des peintures rupestres de la grotte de Lascaux en France et de la grotte d'Altamira en Espagne (par exemple, un taureau à six pattes et deux queues, peint sur un mur il y a dix mille ans), ainsi que des reliefs et des peintures égyptiens antiques. sur les vases grecs. Notre pays avait aussi sa propre «animation ancienne» - sur les rives Lac Onéga des pierres ont été trouvées sur lesquelles étaient gravées des images d'un chasseur et d'une grenouille, qui « prenaient vie » lorsque les rayons du soleil couchant tombaient sur elles. Le théâtre d’ombres, très répandu dans les pays de l’Est, est considéré comme l’un des ancêtres de l’animation.

Mais même si l'on ne cherche pas si loin, l'animation s'avère déjà plus ancienne que le cinéma : on considère généralement que sa date de naissance est 1892, lorsque le premier spectacle de « pantomimes lumineuses » a eu lieu au théâtre optique de l'inventeur et artiste français Emile Reynaud (1844-1918). Certes, divers jouets optiques ont été inventés encore plus tôt, à l'aide desquels il était possible d'animer des images fixes. Par exemple, un phénakistiscope est un cercle, le long duquel se trouve une série de dessins représentant des phases successives du mouvement d'un même personnage ; ils l'ont fait pivoter, regardant les dessins à travers la fente. Un autre appareil - un zootrope - est un tambour rotatif avec des fentes, à l'intérieur duquel se trouve un ruban avec la même série de motifs ; dans ce cas, les phases finale et initiale du mouvement doivent coïncider, puis les images prennent vie : un cheval galope, une fille saute par-dessus une corde. Mais ces jouets optiques et d’autres, comme un carnet avec des phases de mouvement dessinées sur chaque page, étaient destinés à un seul spectateur. Reynaud a conçu son appareil sur la base du zootrope, l'améliorant, le dotant d'un système de miroirs et le reliant à une lanterne magique. L’image apparaissait alors à l’écran et de nombreux spectateurs pouvaient la voir en même temps. Il leur montra des programmes de plusieurs histoires, la séance durait quinze à vingt minutes. Reynaud dessinait, peignait et montait lui-même tous ses « films », mettant l'image sur de longues bandes ; chaque intrigue était composée de plusieurs centaines d'images. Il fut le premier à utiliser certaines techniques qui devinrent plus tard la base de la technologie d'animation, notamment le dessin séparé des personnages et des décors. En 1893-1894, il crée son chef-d'œuvre - Autour de la cabine (Autour d'une cabine), mais déjà en 1895, la naissance du cinéma lui porta un coup dur : les films réalisés à la main par Raynaud ne pouvaient rivaliser avec des films plus rapides à produire et moins chers. L'inventeur désespéré brisa son appareil et le noya dans la Seine avec les rubans ; seuls deux d'entre eux survécurent ; Pauvre Pierrot (Pauvre Pierrot) Et Autour de la cabine. Et quelques jours plus tard, le magnat du cinéma Léon Gomon l'a approché : il voulait acheter son appareil photo et des « films » pour le musée. Il est difficile de surestimer les services rendus par Reynaud à l'animation, et pourtant on ne peut pas le qualifier de créateur du premier film d'animation de l'histoire, puisqu'il n'a pas utilisé le cinéma comme support d'image.

Les historiens du cinéma ne sont toujours pas parvenus à un accord sur l’auteur du premier véritable film d’animation. Certains prétendent que le premier film dessiné à la main dans l'histoire de l'humanité est Fantasmagorie (Fantasmagorie, 1908) le Français Emile Cohl ( vrai nom Kurte, 1857-1938). Kohl n'était pas familier avec la dernière invention américaine, le celluloïd transparent, et dessinait donc ses personnages, « fantasmes », sur papier et ne pouvait pas créer un arrière-plan séparé ou dessiner uniquement les détails qui changeaient de position d'une image à l'autre. Il devait répéter chaque image, les personnages ne pouvaient donc être que très conventionnels. Mais il avait une formidable capacité de travail et même dans ces circonstances, il a réalisé des dizaines de films. Par la suite, Kohl a commencé à utiliser des méthodes plus avancées moyens techniques et a commencé à travailler plus vite ; sa filmographie comprend plus de trois cents titres ; malheureusement, de nombreux films sont irrémédiablement perdus. D’autres historiens du cinéma pensent, non sans raison, que le premier animateur au monde fut l’Anglais James Stewart Blackton (1875-1941), émigré aux États-Unis et dont la première expérience en animation, le film Dessins magiques(Les dessins enchantés), remonte à 1900 (même s'il n'y a pas encore eu de phases intermédiaires dans ce film). En tout cas, une chose est sûre : les prédécesseurs immédiats des premiers films dessinés à la main étaient les illustrations de magazines, les dessins animés et les bandes dessinées. Le premier film de l’animateur américain Winsor McCay (1869-1934) est né d’une bande dessinée de journal. Petit Némo (Petit Némo, 1911). Le film a été réalisé sur la base d'un pari avec trois collègues qui admiraient l'incroyable rapidité avec laquelle McKay dessine, parmi lesquels partie intégrante au numéro de music-hall, avec lequel McKay se produisait à partir de 1906 : il dessina deux profils sur le tableau, un homme et une femme, et, en changeant seulement quelques lignes, il changea l'âge des personnages - de l'enfance à la vieillesse. Plus tard, il s'est produit sur scène lors de la première d'un autre de ses films, Gertie le dinosaure (Gertie le dinosaure, 1914) : il s'est tourné vers un personnage de dessin animé, persuadant Gertie de répéter un de ses tours, par exemple jouer avec un ballon, et elle a accédé à la demande. McKay a été le premier à utiliser la technologie des boucles dans l'animation, en utilisant le même jeu de feuilles de celluloïd pour les mouvements répétés : cela éliminait le besoin de dessiner à nouveau les mouvements à chaque fois et raccourcissait considérablement le processus de production du film.

De nombreuses personnes peuvent être qualifiées de pionniers dans le domaine de l'animation : par exemple, Raoul Barr a été le premier à utiliser du celluloïd perforé ; son invention a permis de fixer une feuille avec un motif à l'aide d'épingles. Et Pat Sullivan a fait une percée d'un genre différent : il possédait le premier personnage d'animation indépendant non emprunté à la bande dessinée - Félix le chat (1917) ; Félix deviendra plus tard le premier personnage animé à apparaître sur les pages de bandes dessinées. Les films de Felix étaient en noir et blanc et muets.

Mais le plus célèbre parmi les pionniers de l'animation était Walt Disney : il a non seulement développé la technologie de production de dessins animés, qui s'appelle Disney (d'une autre manière - classique, ce qui en dit aussi beaucoup), mais a également créé un véritable empire du dessin animé. Il possédait également le premier dessin animé sonore Bateau à vapeur Willie (Bateau à vapeur Willie, 1928), et le premier dessin animé musical Danse du squelette (La danse des squelettes, 1929), et le premier long métrage d'animation dessiné à la main Blanche Neige et les Sept Nains (Blanc comme neige et le Sept Nains, 1938). Il était si célèbre qu'un jour sa fille Diana, âgée de six ans, lui a demandé s'il était vraiment le même Walt Disney, puis a demandé son autographe à son père. Les films Disney ont marqué le début de l'animation commerciale ; son objectif était de produire autant de films que possible que le public apprécierait, tout en consacrant le moins de temps et d'efforts possible au travail. C’est ainsi qu’apparaissent les personnages « de marque » Disney, dont la célèbre souris – Mickey Mouse. Ses proportions enfantines soigneusement calculées (grande tête par rapport à son corps) ont touché le public et son design réfléchi convenait aux artistes qui devaient le représenter sous une grande variété d'angles. Stephen Bosustov, qui a travaillé au studio Disney dans sa jeunesse, a déclaré que, fatigué des personnages aux contours arrondis, il rêvait de dessiner quelqu'un de triangulaire ou de carré. En fin de compte, avec un groupe de personnes partageant les mêmes idées, il a quitté Disney et a créé son propre studio ainsi que son propre style et méthode de travail.

S'il y a encore un débat sur l'auteur du premier film dessiné à la main, le nom du fondateur de l'animation volumétrique ne fait aucun doute : il s'agit du réalisateur, artiste et caméraman russe Vladislav Starevich (1882-1965). Considéré comme le premier film de marionnettes de l'histoire La belle Lyukanida, ou la guerre sanglante des cornes et des barbillons(1912). Même plus tôt, Starevich avait tenté de réaliser un documentaire sur la bataille de deux coléoptères, mais les coléoptères se sont figés dès qu'il a allumé la lumière. Puis il se souvint de la façon dont il avait autrefois fait revivre des dessins dans les marges de ses cahiers et avait trouvé un moyen de « faire revivre » les coléoptères morts. Il passa un mince fil dans leurs jambes, le colla à la coquille avec de la cire, fixa les jambes dans une base en pâte à modeler et commença à les retirer, divisant le mouvement en phases. Dans les prochains films de Starevich - La vengeance du cinéaste (1912), Libellule et fourmi(1913) - les insectes ont également agi. Les poupées étaient si finement réalisées et bougeaient si naturellement que le public pensait qu'il avait réussi à dresser de vrais insectes. Son œuvre la plus célèbre est le long métrage Reinecke-Lis (Le roman de Renart, 1939), sur lequel le réalisateur a travaillé pendant une dizaine d'années (à cette époque il était déjà installé en France). Il a écrit lui-même le scénario, était lui-même artiste, caméraman et animateur, et seule sa fille l'a aidé dans son travail. Starevich n'a jamais voulu révéler ses secrets à personne, et on ne sait toujours pas de quoi exactement il a fabriqué les poupées : c'était très matière plastique, et les visages des personnages étaient étonnamment mobiles et expressifs.

Dans les années où l'empire Disney se créait en Amérique, des studios d'animation commencèrent également à apparaître en URSS. Comme Emil Kohl le faisait autrefois, les animateurs soviétiques ne connaissaient pas le celluloïd et se contentaient du papier. Contrairement aux occidentaux, le premier dessins animés soviétiques n'étaient pas dessinés : ils étaient actionnés par des marionnettes en papier plates fixées sur des articulations, rappelant les marionnettes du théâtre d'ombres. Mais ces marionnettes avaient des capacités de mouvement très limitées et les animateurs ont rapidement imaginé des transferts en papier découpé. Dans ce cas, chaque phase du mouvement a été dessinée séparément, découpée le long du contour et fixée au fond. Ici, il y avait plus de liberté, mais il était difficile de fixer avec précision la position du transfert. Parfois, l'arrière-plan, ainsi que la phase de mouvement, étaient dessinés pour chaque image sur des feuilles de papier séparées épinglées ensemble (méthode du paysage) ; ils ont parfois utilisé une technique combinant la méthode du paysage et le transfert de découpe. Cette technologie, transfert découpé sur épingles (les phases étaient découpées et placées sur le fond, les reliant aux épingles avec une fine bande de papier pour les fixer avec précision dans le cadre) donnait la liberté maximale possible lorsqu'on travaillait avec du papier, presque la même chose que lors de l’utilisation de celluloïd. C'est alors, dans les années vingt, que commencent à travailler ceux que l'on appellera plus tard les classiques : I. Ivanov-Vano (1900-1987), M. Tsekhanovsky (1889-1965). L'animation nationale a suivi son propre chemin, le long duquel de nombreuses réalisations et découvertes ont eu lieu. L'un des meilleurs films de la première période était Mail(1929) de Tsekhanovsky, le premier film sonore mis en scène réalisé en techniques mixtes : une marionnette articulée combinée à un réarrangement. Plusieurs années plus tard, Ivanov-Vano écrira que le spectateur moderne Mail surprend par sa perfection, l'étonnante nature organique de tous les composants expressifs, l'habileté de la mise en scène, la pureté de la forme graphique, l'expressivité des mouvements des personnages, conception sonore, qualifiera le film de modèle que de nombreux artistes admirent depuis longtemps.

Presque simultanément, au début des années 1930, des expériences intéressantes furent menées dans le domaine du « son dessiné » ; cela a été fait par un groupe dirigé par le musicien théoricien et mathématicien A. Avraamov. Les dessins réalisés directement sur le film, puis passés dans une photocellule, étaient censés être convertis en son de la même manière qu'ils sont reproduits à partir de la courbe du phonogramme obtenue par l'enregistrement des sons ordinaires. On a supposé que nouvelle technologie ouvrira des perspectives sans précédent pour le développement de l'animation, permettant de transformer en douceur la parole humaine en musique ou la musique en sons de la nature. Déjà en 1930, l'un des employés d'Avramov, N. Voinov, obtenait les premiers résultats et, un an plus tard, il réalisait un dessin animé avec un son dessiné à la main - Corbeau dansant. Cependant, cette méthode n’est pas largement utilisée. Plus tard, d’autres ont profité des réalisations des chercheurs soviétiques ; N. McLaren a travaillé avec succès avec des sons dessinés à la main, et parfois on lui attribue même la priorité dans le domaine de la création de sons dessinés à la main. Cependant, McLaren lui-même n'a jamais caché le fait qu'il connaissait le travail des animateurs soviétiques qui expérimentaient le son dessiné à la main.

Personne ne sait comment l'animation russe se serait développée davantage sans un seul événement, le depuis de nombreuses années a déterminé son destin : en 1933, des films de Walt Disney ont été projetés à Moscou. Ils ont fait une impression stupéfiante ; Les animateurs furent immédiatement invités à créer « leur propre Mickey Mouse soviétique » et trois ans plus tard, en 1936, le studio Soyuzmultfilm, créé selon le modèle américain, apparut à Moscou. Les animateurs soviétiques ont adopté non seulement la technologie, mais aussi l’esthétique de Disney. Pendant plusieurs décennies, une seule voie de développement leur était possible, et une seule chose leur était demandée : créer des films pour enfants avec des personnages extrêmement réalistes. Les animateurs eux-mêmes tombèrent sous le charme des films Disney et cherchèrent à l'imiter. L'animation, qui était à l'origine un art sérieux et indépendant, s'est transformée en divertissement. Certes, on ne peut pas dire que pendant les années d'existence « sous l'hypnose de Disney », comme Ivanov-Vano a défini cette période, rien de digne n'a été créé : rappelez-vous simplement Col gris(1948) L. Amalrik et V. Polkovnikova, Reine des Neiges (1957) L. Atamanova.

Dans les années 1940 et 1950, la technique préférée de la plupart des animateurs soviétiques était « l’éclair » : ils filmaient d’abord des acteurs vivants sur pellicule, puis redessinaient leurs personnages et leurs mouvements sur papier et celluloïd. Cette technique, initialement considérée comme auxiliaire, s'est progressivement répandue, définissant non seulement la technologie, mais aussi l'esthétique des films. Dans la première moitié des années 1950, presque tous les personnages humains des films étaient réalisés à l'aide de l'éclair, et les succès furent au rendez-vous. C'est ainsi que le film a été réalisé, par exemple antilope dorée(1954) de L. Atamanova, devenu un classique de l'animation soviétique.

En 1953, une deuxième association de marionnettes est ouverte à Soyuzmultfilm. Jusqu’alors, peu de films de marionnettes étaient réalisés dans notre pays, et il s’agissait pour la plupart d’adaptations cinématographiques de spectacles de marionnettes. L'événement le plus marquant dans ce domaine a été le film combiné de A. Ptouchko Nouveau Gulliver(1935). Mais à la fin des années 1930, Ptouchko se lance enfin dans le long métrage, le studio de marionnettes qu'il dirigeait cesse d'exister, et maintenant les animateurs doivent tout recommencer, sans aucune expérience professionnelle.

Dans le domaine de l’animation dessinée à la main, au début des années 1960, des changements ont commencé à se produire. Les tentatives visant à s'éloigner de la tradition établie ont commencé dès la fin des années 1950, mais l'événement le plus marquant a été la sortie du film Gros problème(1961) des sœurs Broomberg, stylisé comme un dessin d'enfant. Et peu de temps après, il fait ses débuts en tant que réalisateur et son premier film L'histoire d'un crime(1962) a fait une impression stupéfiante. Tout était nouveau ici : la solution satirique au thème, la forme du récit et la solution visuelle (l'artiste S. Alimov, pour qui cette image était aussi ses débuts) : une combinaison audacieuse d'animation dessinée à la main avec photo découpée -les sorties et la pose à plat, l'utilisation d'un écran partagé. Les prochaines œuvres de Khitruk sont : Toptyjka (1964), Vacances Boniface (1965), Homme encadré (1966), Film, film, film !(1968), devenus des classiques du cinéma d'animation, ont largement déterminé son développement ultérieur. Depuis cette époque, une variété de styles et de genres ont émergé dans le domaine de l’animation. Dans le film de 1966 Il était une fois Kozyavin a fait ses débuts, l'un des réalisateurs les plus intéressants de l'animation actuelle et peut-être le dernier représentant de la génération des « vieux maîtres » qui continue de réaliser. Depuis la seconde moitié des années 1960, des œuvres lumineuses sont apparues dans l'association des marionnettes, par exemple : Mon crocodile vert(1965) V. Kurchevsky, Mitaine R. Kachanova (1967), Indice(1968) N. Serebryakova. Et puis - progressivement ; C'est au cours de ces années, à la fin des années 1960 et au début des années 1970, que des héros populaires et actuellement populaires apparaissent sur les écrans : Winnie l'ourson, Crocodile Gena et Cheburashka, Baby et Carlson.

Le prochain événement important non seulement dans l'animation russe ou soviétique, mais aussi dans le monde de l'animation fut celui des films des années 1970. Renard et lièvre (1973), Héron et Grue (1974), Hérisson dans le brouillard(1975) et Conte de contes(1979), reconnu quelques années plus tard par la critique et les experts du cinéma comme « le meilleur dessin animé de tous les temps ». Norshtein n'est pas seulement un réalisateur talentueux qui, avec l'artiste F. Yarbusova, a créé une nouvelle esthétique pour le film d'animation, mais aussi un inventeur exceptionnel. Parlant de Norshtein, on ne peut manquer de mentionner le caméraman qui a travaillé sur plusieurs de ses films, A. Zhukovsky, qui avant même de rencontrer Norshtein a mis au point un équipement de tournage unique, et leur union créative s’est avéré extrêmement fructueux.

Au tournant des années 1970-1980, de nombreux autres films talentueux et innovants ont été réalisés ; il suffit de mentionner la trilogie Pouchkine de A. Khrjanovsky ( Je vole vers toi avec des souvenirs, 1977; Et je suis à nouveau avec toi, 1981; Automne, 1982), où les dessins de Pouchkine prennent vie et se combinent organiquement avec des images documentaires ; Il était une fois un chien(1982) et Le voyage de la fourmi(1983) E. Nazarova; Séparé(1980) de N. Serebryakov, et le film de I. Garanina est particulièrement remarquable Balagan(1981), dont l'équivalent n'existe pas dans l'animation volumétrique : une expérience unique en son genre de transformation d'une marionnette de théâtre en marionnette de cinéma, changeant le système des conventions sous les yeux du spectateur.

À la fin des années 1980, une nouvelle génération de réalisateurs se lance dans l'animation, dont les figures les plus marquantes sont Ivan Maksimov ( Boléro, 5/4 ,Vent le long de la côte), Alexandre Petrov ( Vache,Le vieil homme et la mer), Irina Evteeva ( Élixir,Saint-Pétersbourg). Si Petrov et Evteeva sont connus principalement grâce à technologies inhabituelles, qu'ils utilisent dans leur travail, alors Maksimov fait partie de ces rares réalisateurs qui ont réussi à créer leur propre monde à l'écran ; on ne peut s'empêcher de reconnaître ses personnages au premier coup d'œil, dans toute leur diversité.

De retour Temps soviétique chaque république avait sa propre école d'animation, il y avait ses propres maîtres exceptionnels, comme E. Sivokon (Ukraine), R. Raamat (Estonie), R. Sahakyants (Arménie) ; ils continuent tous à travailler.

Au cours de l'existence de l'animation, de nombreux noms brillants et plusieurs grandes écoles sont apparus dans le monde entier, comme par exemple la célèbre école de Zagreb en Yougoslavie, dont le directeur D. Vukotic est devenu célèbre pour le film Substitut (Surogat, 1961), premier dessin animé étranger à recevoir un Oscar. Dans d'autres pays d'Europe de l'Est - Pologne, Bulgarie, Roumanie, Hongrie - l'animation était également une forme d'art populaire et partout il y avait des maîtres célèbres. L'animation tchèque se démarque particulièrement ; ici, nous pouvons citer les noms des créateurs de l'école nationale du film de marionnettes G. Tyrlova, K. Zeman et I. Trnka, dont le film Main (Ruka, 1965) se classe quatrième dans la liste des meilleurs dessins animés de tous les temps. C'est l'histoire tragique d'un artiste transformé en marionnette et détruit par les autorités. Il est intéressant de noter que le rôle « humain » ici est attribué à une poupée et que le pouvoir inhumain est incarné par une main humaine vivante.

Sur différents continents, dans différents pays, dans des moments différents Des réalisateurs et artistes d'animation talentueux sont apparus. L. Reiniger, connue pour ses films de silhouettes, réalisés dans un style proche du théâtre d'ombres, a commencé à travailler en Allemagne dès 1919. En France, que l'on peut qualifier de patrie ancestrale de l'animation, il existe des réalisateurs aussi marquants que P. Grimaud, J. Lagioni ; en Angleterre, le réalisateur le plus célèbre était D. Halas, mais en dernières années il a été éclipsé par N. Park ; R. Servais en Belgique, B. Bozzetto, G. Giannini et E. Luzzatti en Italie, P. Driessen aux Pays-Bas ; les films d'animation des réalisateurs scandinaves sont moins connus, mais méritent sans aucun doute l'attention. Certes, plus on avance, plus il devient difficile de déterminer la nationalité d'un film ; les réalisateurs travaillent là où le destin les mène ou là où ils ont l'occasion de tourner. Par exemple, Z. Rybchinsky a commencé sa carrière en Pologne et l'a poursuivie en Amérique. Le réalisateur russe V. Starevich, également polonais de nationalité, a travaillé en France pendant de nombreuses années ; le créateur de l'écran à aiguilles, A. Alekseev, est considéré comme un réalisateur français. Et le film oscarisé du réalisateur russe Alexander Petrov Le vieil homme et la mer a été tourné au Canada, un pays qui offre traditionnellement les conditions les plus favorables à l'animation.

Le réalisateur canadien le plus remarquable, célèbre dans le monde entier pour ses films, est l'Écossais Norman McLaren (1914-1987), qui travaille au Canada depuis 1941. Il est connu comme l'auteur de la méthode de tournage sans caméra, mais sa contribution à l'animation mondiale le cinéma est loin de se limiter à cela. Chacun de ses films était une expérience audacieuse qui conduisait invariablement à des solutions réussies ; différentes techniques, le plus différents styles. Dans le film Muguet (Le Merle, 1958), filmé manière traditionnelle sur une machine de dessin animé, un personnage fait de bâtons, accompagné d'une chanson joyeuse, s'effondre en ses éléments constitutifs et est reconstitué ; plusieurs films - le meilleur d'entre eux est considéré Poule grise (La poulette grise, 1947) – réalisé selon la technique du pastel, que McLaren utilisait pour dessiner directement sous l'appareil photo sur la table de prise de vue ; Le réalisateur s'est tourné plus d'une fois vers la méthode de tournage en accéléré d'acteurs vivants. La gamme la plus large - des fantasmes abstraits Du vide chatoyant (Vide de clignement, 1954) avant de multiples expositions dans Pas de deux (Pas de deux, 1967), qui n'est pas un film d'animation au sens strict du terme. McLaren a créé un département d'animation au Centre national du film du Canada à Montréal, où D. Dunning, l'auteur du célèbre Sous-marin jaune (Sous-marin jaune, 1968) et Caroline Liv débutent leur carrière, travaillant alternativement dans deux des techniques les plus difficiles et capricieuses, la peinture sur verre et la poudre, et prenant une honorable deuxième place dans la liste des meilleurs dessins animés, juste après Norshtein, avec son film Rue (La rue, 1976). Un autre réalisateur canadien célèbre est F. Buck, l'un de ses films figure également parmi les dix meilleurs au monde.

Parmi les pays de l’Est, dans le domaine de l’animation, aucun ne peut se comparer au Japon. Le fait n'est pas seulement que le Japon est depuis longtemps devenu l'un des plus grands fournisseurs de produits d'animation ; au Japon, l'animation et les bandes dessinées - anime et manga (ce n'est pas un hasard s'ils ont des noms spéciaux) - occupent une place très particulière et sont l'objet d'une étude distincte. De plus, au Japon, comme dans d'autres pays, il existe non seulement des animations commerciales produites en grande quantité, mais aussi des animations originales. L'un des réalisateurs japonais les plus célèbres est Kihachiro Kawamoto. Créer vos propres films ( Diable, 1973;Maison en feu, 1979), Kawamoto s'est appuyé sur la tradition art japonais. L'apogée de l'animation nationale au Japon s'est produite dans les années 1960 et 1970, époque à laquelle un groupe de jeunes cinéastes s'est élevé contre les stéréotypes développés dans les films d'animation. La plupart un représentant éminent Cette direction était Yoji Kuri, artiste, écrivain et réalisateur. Il a travaillé dans diverses techniques, combinant parfois des dessins, des photographies et des coupures de journaux en un seul film. De plus, il a introduit dans l’animation des motifs auparavant inhabituels de mélancolie, de déception, d’incertitude et de solitude.

Plus on avance, plus la divergence entre animation originale et commerciale apparaît clairement, alors que les deux dépendent de moins en moins des frontières géographiques. L'animation commerciale dans les différents pays devient de plus en plus monotone ; l'œuvre de l'auteur devient de plus en plus libre et indépendante, et il est de moins en moins possible d'y retracer les traits de la culture nationale. Mais, comme l’a dit un jour Dusan Vukotic, l’animation est « un art dont les frontières coïncident avec celles de la fantaisie », ce qui signifie qu’elle ne connaît pas de frontières.

TECHNOLOGIES D'ANIMATION

Animation dessinée à la main.

Le plus souvent, lorsqu'on parle de films dessinés à la main, on entend ceux réalisés selon la méthode classique ou, comme on l'appelle aussi, la méthode Disney, c'est-à-dire en utilisant la technologie autrefois développée au studio Disney. De tels films sont réalisés par une grande équipe. Bien entendu, comme pour toute technologie, le film est créé par un scénariste, un réalisateur, un décorateur, un caméraman et un compositeur. Et en plus, il y a des animateurs qui développent les mouvements des personnages ; des phaseurs qui effectuent des phases intermédiaires de mouvements ; rédacteurs, dont les responsabilités incluent le dessin des détails des personnages. Tout ce travail préliminaire est réalisé au crayon sur du papier calque. Ensuite, les dessinateurs transfèrent le dessin sur du celluloïd et les remplisseurs le peignent avec des peintures spéciales. Le celluloïd étant généralement un fond transparent, les parties fixes et mobiles des personnages sont dessinées sur des feuilles séparées. Les feuilles ont des fentes qui s'ajustent sur les broches, de sorte qu'une fois appliquées, les parties du motif correspondent. La dernière étape du travail est la photographie accélérée. Au studio Disney, il y avait aussi des gagmen qui inventaient des gags - des trucs amusants. Lors du premier visionnage, le chronométreur surveillait si le public riait assez souvent. S'il y a eu un silence pendant dix secondes, cela signifie qu'une des scènes a échoué et aurait dû être refaite.

La plupart des films dessinés à la main dans les studios du monde entier sont réalisés de cette façon. Cependant, c’est loin d’être la seule manière de réaliser des films dessinés à la main. A l'animation commerciale s'ajoute l'animation originale, et de nos jours un film est souvent réalisé par une seule personne, le plus souvent à l'aide d'un ordinateur, parfois avec une petite équipe. La technique peut être très diverse : ils dessinent au simple crayon sur papier calque, aquarelles sur papier peint, crayons de couleur, peintures à l'huile sur celluloïd, en un mot, une totale liberté de choix. La seule chose que toutes ces options ont en commun est la présence de dessins préparés, qui restent inchangés après la prise de vue.

Animation volumétrique.

On parle souvent à tort de marionnettes, même si les poupées elles-mêmes ne sont pas toujours utilisées dans les films. Bien sûr, ici aussi, comme dans l'animation dessinée à la main, il existe une technologie classique : une fois le personnage inventé par l'artiste, les artisans fabriquent la poupée, en commençant par le cadre et en terminant par les vêtements. Parfois, pour le même personnage, plusieurs têtes sont réalisées avec des expressions faciales différentes, parfois pendant le processus de prise de vue, seuls les yeux ou la partie inférieure du visage sont modifiés pour que la poupée puisse parler. Il arrive que des détails individuels doivent être répétés à une échelle différente : par exemple, I. Garanina a utilisé, en plus des poupées, des masques plus grands dans ses films. Les poupées finies sont placées dans le décor et la photographie accélérée commence. Le travail d'un animateur en animation volumétrique est très proche du travail d'un acteur - à la différence qu'il doit généralement jouer non pas un, mais plusieurs rôles, changeant à peine sensiblement la pose de chaque personnage. Le travail du caméraman est ici également très important : il ne dépend pas moins de lui que dans les longs métrages.

Parfois, les réalisateurs travaillant dans l'animation volumétrique prennent des objets réels au lieu de poupées spécialement fabriquées, et peuvent alors utiliser les propriétés des matériaux à partir desquels ces objets sont fabriqués : par exemple, dans le film de G. Bardin Conflit Les matchs s'épuisent vraiment. Et dans le célèbre film du réalisateur tchèque I. Trnka Main Le partenaire de la marionnette de cinéma traditionnelle était une main humaine ordinaire.

L'animation en pâte à modeler peut également être classée comme animation tridimensionnelle. Chaque réalisateur travaille la pâte à modeler à sa manière. Si pour Nick Park il s’agit simplement d’un matériau très malléable, proche de celui utilisé par Starevich à son époque, alors dans les films de A. Tatarsky, tant les personnages que les personnages environnement, et les boxeurs du film de G. Bardin Brack, prenant vie, ne perdent pas leur essence de pâte à modeler : lorsqu'un trou est percé dans le corps de l'un d'eux, il le recouvre immédiatement d'un morceau de la même pâte à modeler.

Traduction.

Initialement, cette technologie est née, comme on dit, de la pauvreté. Il est beaucoup plus facile de découper des parties individuelles d'une figure et de les déplacer sous la caméra que de réaliser un film dessiné à la main. Cependant, au fil du temps, il est devenu évident que le relais offrait une multitude de possibilités. En 1964, F. Khitruk, réalisant un film Toptyjka, a utilisé une technique de transfert pour rendre les personnages moelleux. Mais Yu. Norshtein a atteint la véritable perfection dans ce domaine. Non seulement il divise la silhouette du personnage en grandes parties (tête, torse, bras, jambes ou pattes), mais il l'écrase parfois à l'infini en utilisant divers matériaux; il gratte et trace des lignes sur des morceaux de papier d'aluminium et de celluloïd, puis dispose ces morceaux sur des niveaux de verre horizontaux situés à différentes distances de la caméra, le personnage devient alors tridimensionnel.

Peinture sur verre.

C'est probablement le plus technologie à forte intensité de main d'œuvre, nécessitant une compétence particulière. Il n’y a pas de personnages ni de décors pré-préparés qu’il suffit de filmer. L'artiste, qui est également animateur, peint à chaque fois un tableau avec de la peinture à l'huile directement sous la caméra, en ajoutant progressivement de nouveaux traits. Le réalisateur canadien K. Liv et le réalisateur russe Alexander Petrov, devenu célèbre grâce au film, travaillent selon cette technique Le vieil homme et la mer(1999), pour lequel il a reçu un Oscar.

Technique des poudres.

Divers matériaux en vrac peuvent être utilisés ici - sable, marc de café, sel ; Habituellement, les films fabriqués à l'aide de la technologie des poudres sont monochromes, mais vous pouvez utiliser, par exemple, des épices multicolores pour créer un film couleur. Ici, comme lorsque l'on travaille la peinture à l'huile sur verre, des personnages et des décors naissent sous la caméra lors du tournage. Il s'agit d'une technologie peu coûteuse, mais très complexe, car la poudre est un matériau capricieux et toute erreur oblige à tout recommencer.

Écran à aiguille.

L'une des technologies d'animation les plus rares. Le tamis à aiguilles a été inventé au début des années 1930 par A. Alekseev. Il s'agit d'un plan vertical à travers lequel passent de longues aiguilles fines uniformément réparties. Ces aiguilles – il peut y en avoir plusieurs milliers – peuvent se déplacer perpendiculairement au plan de l’écran. Les aiguilles pointent vers la lentille et restent donc invisibles, mais si elles sont inégalement déployées, elles projettent une ombre. En déplaçant la source lumineuse, vous pouvez modifier la longueur des ombres et obtenir une nouvelle image à chaque fois, sans même changer la position des aiguilles. Par exemple, un film a été réalisé avec cette technique Nuit sur la Montagne Chauve (1933).

Animation sans chambre à air.

Comme son nom l’indique, les films ici sont réalisés sans caméra. L'absence de caméra a conduit le créateur de la méthode, N. McLaren, à l'idée de dessiner directement sur pellicule, dans un premier temps sans observer les divisions des images. Par la suite, McLaren a créé une machine spéciale pour dessiner sur film. La machine se compose d'un cadre de serrage doté d'un mécanisme d'engrenage qui assure la position exacte du cadre et d'un système optique spécial qui reflète la dernière image tirée sur l'image suivante du film, encore vierge.

Pixillation.

Il s'agit d'un type particulier d'animation : de véritables figures humaines sont utilisées comme sujet de photographie en accéléré. L'homme ici n'est pas tant un acteur que du matériel pour un animateur.

Animation par ordinateur.

Cette définition correspond diverses technologies. L'animation par ordinateur peut être bidimensionnelle ou tridimensionnelle, et il existe également une animation par ordinateur. Au début, les animateurs percevaient l'ordinateur simplement comme un assistant qui leur éviterait le travail le plus difficile et le plus ennuyeux, mais au fil du temps, il est devenu évident que ses capacités étaient beaucoup plus riches : il permet d'imiter n'importe quelle technique, n'importe quel matériau, n'importe quel style. Cependant, même l’ordinateur le plus avancé ne reste qu’un outil. Beaucoup de gens pensent que l’avenir réside dans la technologie informatique, mais le résultat du film ne dépend que de la personne assise devant l’ordinateur.

Bien sûr, seules les technologies d'animation plus ou moins courantes sont répertoriées ici, mais en fait elles sont bien plus nombreuses, et elles sont utilisées dans une grande variété de combinaisons : animation dessinée à la main avec traduction, animation dessinée à la main avec animation de marionnettes, participation d'acteurs vivants à un film d'animation. Tout comme il existe de nombreuses façons d'utiliser la pâte à modeler, ce qui rend le concept d'« animation de pâte à modeler » très vague, il existe également de nombreuses options pour travailler, par exemple, avec du papier, et les films de dentelle blanche de M. Oselo ne ressemblent pas du tout à les expériences plastiques de V. Kurchevsky dans le film Prolétaire volant(réalisé par I. Ivanov-Vano et I. Boyarsky, 1962). G. Bardin a utilisé dans presque tous ses films nouveau matériel, et, en essayant de créer une classification complète, nous devrions proposer spécialement pour cela, par exemple, « animation de corde », « animation de fil ». I. Evteeva a créé propre technologie, dont elle révèle volontiers les secrets, mais personne ne s'engage à répéter son expérience : elle filme des acteurs en direct, puis peint chaque image à la main.

Alexandra Vasilkova

Littérature:

Karanovitch A.G. Mes amies poupées. M., 1971
Ivanov-Vano I.P. Image par image. M., 1980
La sagesse de la fiction. M., 1980
Faire le film. M., 1990

La signification du mot ANIMATION dans le Grand Dictionnaire explicatif moderne de la langue russe

ANIMATION

Filmage de phases successives de mouvement de figures dessinées ou tridimensionnelles, grâce auxquelles, lorsqu'elles sont affichées à l'écran, l'illusion de leur mouvement est créée pour le spectateur ; animation.

Le sujet d'une telle prise de vue.

Grand moderne dictionnaire explicatif Langue russe. 2012

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• ANIMATION dans le dictionnaire orthographique :
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