Графичният дизайн се трансформира от култура в култура, повлияна от националното културни традиции, история и начин на живот. Точно както в музиката и изкуството, естетиката графичен дизайнсе различава от култура до култура.

Испанският графичен дизайн показва испаноезичната любов към партитата и празниците. Латинскоамериканските графични дизайнери не са обвързани с предразсъдъци, когато става въпрос за употреба ярки цветовеи контрастни елементи.

Минимализмът също се използва, но най-вече в уеб дизайна - и не е толкова "минималистичен" като другите. Светът има какво да научи от испанците; например как да не приемаме живота много на сериозно и да се забавляваме. Те ни учат да възприемаме дизайна не само визуално, но и с всичките си шест сетива.

Китай

Китай е един от древни цивилизациидатиращи най-малко от 4000 години. По време на своя разцвет Китай беше едно от най-напредналите общества в света, но поради развитието на империализма и граждански войнизапочва неговият упадък. Въпреки това Китай има богата художествена, литературна и културна история.

Китайският графичен дизайн е доста нов в сравнение със западния. През 1979 г. Китай отново отвори вратите си за света, приветствайки нови идеи и най-новите технологии. Страната прави бавно, но стабилно движение към демокрация, като е по-либерална към новите идеи, особено в изкуството и дизайна.

Китай се надигна с творческа енергия и подчертан национализъм (ако не и някаква неприязън към чужденците), така че не е изненадващо, че модерният графичен дизайн все още използва същите изобразителни елементи, открити в традиционното китайско изкуство.

Графичният дизайн в Китай е използван като ефективно средство за защитанеформална политическа воля. Това беше средство за самоидентификация и себеизразяване.

Прекрасен китайски уеб дизайн

Китайският уеб дизайн е пристрастен към флаш. Уебсайтовете от Китай са много интерактивни и игриви. Някои елементи в графичния дизайн са копирани от други култури. AT последното десетилетие, китайският графичен дизайн е силно повлиян от запада, но все още запазва собствената си китайска енергия и душа. Например, дизайнът използва символи на фън шуй, калиграфия, културни фестивали и др.

Япония

Японското съвременно изкуство има много форми: архитектура, реклама, видео игри, аниме и графичен дизайн. Японското влияние в изкуството е огромно, внасяйки много идеи в графичния дизайн и съвременното изкуство като цяло. Японският графичен дизайн е градски и оригинален. Той показва цветове, подобни на неонови, имитиращи светлините, които виждаме през нощта в центъра на Токио.

Японският графичен дизайн е силно повлиян от японското традиционно изкуство и манга.

Брилянтен японски уеб дизайн

Японският графичен дизайн е интересен, защото е коренно различен от това, с което сме свикнали на Запад. Той е много разнообразен, с примеси от старо и ново. От една страна, той е елегантен, футуристичен и много минималистичен. От друга страна, супер сладка, детска и ексцентрична.

Близкия Изток

Близкият изток е представен на Запад като тайнствен, очарователен и мистичен; това е земя на пясъци, летящи килими и вълшебни лампи, образ, който повечето от нас са посещавали само в мечтите си. Близкият изток е парадоксален - тази култура е обогатена с едно от най-старите и обширни визуални изкуства в историята, датиращо от хиляди години.

Графичният дизайн в Близкия изток обаче е доста млад. Борбата за арабския свят продължава: тук няма свободен художник По най-добрия начинза да си изкарват прехраната, правителството не оказва голяма подкрепа и има само няколко училища за графичен дизайн в региона.

Близкоизточният графичен дизайн е колкото очарователен, толкова и мистичен. Настояще силно влияниестара калиграфия и арабско писмо, копиране на форми и модели.

Близкият изток бавно се отваря към културата на западното "консуматорско общество". Арабите обичат своето злато - и тази привързаност може ясно да се види в дизайна.

Подобно на останалата част от света, светът на Близкия изток е ударен от минималистичния вирус, но все още запазва атмосферата на Близкия изток, която всички познаваме.

Луксозен Близкия Изток уеб дизайн

Близкоизточният дизайн е богат на цветове и култура. Подобно на други азиатски страни, Близкият изток се наслаждава на красиви символи и калиграфия. В някои области регионът остава консервативен по много въпроси.

Например, те трябва да се отворят за идеи на свободна практика, жени графични дизайнери и т.н. Този регион обаче е гореща точка за нови и смесени идеи. Те възприеха много западни дизайнерски идеи, но запазиха уникалността, която ги прави различни от другите.

Холандия

Холандия е нидерландско говоряща държава, разположена в Северозападна Европа, граничеща с Белгия на юг и Германия на изток. Холандия е малка страна, но е дом на най-големите майстори в историята: Рембранд, Ван Гог, Ван Ейк, Мондриан и Ван Дойсберг.

Холандският графичен дизайн клони към индивидуализъм, ако не и към анархизъм. Предпочита изчистени, минималистични решения - все пак именно тук се ражда движението "De Sale", което предхожда минимализма. Холандците гравитират към концептуалното изкуство и съвременните теми. Опростеността се цени, а "недизайнът" е често срещана стратегия за проектиране.

Холандските дизайнери често рисуват концептуално. Един от любимите ми е младият холандски графичен дизайнер Виктор ван Гаасбек, чиято работа е типично холандска, модерна, но с естествени и естествени елементи.

голям холандски уеб дизайн

Холандия и съседните й страни определят тенденциите, когато става въпрос за графики и уеб дизайн. Тяхното изкуство е перфектно, концептуално и шик. Това не означава, че е сериозен и минималистичен докрай – холандският дизайн може да бъде игрив.

Може би поради силната финансова подкрепа за изкуствата от правителството, или поради развитата икономика на страната, или може би поради влечението на местните хора към изкуствата, холандският графичен дизайн е сред най-напредналите в света.

Заключение

Е, как си различни културиразлично минало и настояще, имаме различен опит, вярвания и нрави. Виждаме света от малко по-различен ъгъл. Графичните дизайнери по света имат свои собствени подходи към изкуството. Въпреки това, едно твърдение остава неоспоримо: добър дизайнвинаги ще бъде добър дизайн.

Дори и да не разбираме значението, символите и калиграфията, които се използват, можем да различим добрия дизайн от лошия. Разбирането на изкуството съществува отвъд културните и географски граници; и е нещо повече от сбора на нашата култура и вярвания. Разбирането на дизайна е международно и универсално чувство, което изпитва всеки, независимо от цвета на кожата или националността.

Като част от лекционната зала на Moscow Design Week Сергей Серов говори за 25 основни имена на графичния дизайн. Лекцията „Иконите на дизайна“ беше придружена с илюстрации, в които лекторът показа основните характеристики на стила на всеки дизайнер и разказа как това е повлияло на световната общност.

Президентът на Международното биенале на графичния дизайн „Златна пчела“, професор от Училището по дизайн на RANEPA, направи исторически екскурз за развитието на графичния дизайн. Заглавието на лекцията „Икони на дизайна“ препраща към едноименната книга на Джон Клифърд, която Сергей Серов препоръчва на всеки, който се интересува от историята на дизайна. В селекцията си на 25-те най-влиятелни дизайнери лекторът се опира на вижданията на международната професионална графична дизайнерска общност. Сергей Серов нарече лекцията „Икони на дизайна“ субективно обобщение на обективни възгледи.

Една от основните движещи сили, които развиват графичния дизайн от началото на 20-ти век, е руският авангард, така че Александър Родченко и Ел Лисицки, станали икони и учители за много майстори, заемат първите позиции в списъка. Манифестът на руския авангард стана основата на европейския авангард и известната швейцарска школа по графичен дизайн. Динамика, диагонали, символи на 20-ти век, изразени в образа на машина и нови скорости - всичко това е открито от руските авангардни художници Родченко и Лисицки в света на графичния дизайн.

Няма идеални школи в графичния дизайн: майсторите носят нови технологии и визия, които остават в историята, но в същото време отделни части от плаката могат да „увиснат“. Задачата на дизайнерите е да научат най-добрите техники и да се учат от много страхотни графични художници. Историята включва имената на тези, които създават нови или вече подобряват съществуващи принципи, следва манифеста. Плакатът като продукт на графичния дизайн се формира и става предмет на изкуството благодарение на личности, нови технологии и в някои случаи личната харизма на дизайнерите оказва влияние.

Топ 25 графични дизайнери:

1. Жул Шере
2. Александър Родченко
3. Ел Лисицки
4. Пийт Цварт
5. Адолф Мурон Касандър
6. Алексей Бродович
7. Ян Чихолд
8. Йозеф Мюлер-Брокман
9. Емил Рудер
10. Страхотен Айхер
11. Хенрик Томашевски
12. Герб на Любалин
13. Милтън Глейзър
14. Масимо Винели
15. Карел Мартенс
16. Юсаку Камекура
17. Коичи Сато
18. Шигео Фукуда
19. Кения Хара
20. Алън Флетчър
21. Ейприл Грейман
22. Ралф Шрайфогел
23. Никлаус Трокслер
24. Дейвид Карсън
25. Стефан Загмайстер

Moscow Design Week е фестивал, посветен на дизайна във всичките му проявления от мода до архитектура. Събитието ще събере представители на пазара на една сцена за създаване и укрепване на бизнес връзки, обмен на идеи, стартиране на нови успешни проектии развитие на дизайна в Русия.

Нормално е да гледате брилянтната работа на велики графични дизайнери и да искате да създадете нещо подобно. Или дори искат да бъдат като тези майстори на занаята си. Именно това вдъхновение изпрати много професионалисти в областта на графичния дизайн. Въпреки че, разбира се, някои от тях не водят до никъде. И все пак за други то разкрива истинска страст към дизайна и понякога поставя брилянтен дизайнер в светлината на прожекторите.

Уви, не всеки, дори и най-талантливият дизайнер, е в състояние да стане изключителен и да заслужи признание. Има редица фактори, които ви помагат да стигнете до върха. В тази статия ще разгледаме списък с неща, които ще ви помогнат да постигнете величие и определен статус в света на графичния дизайн. Освен това те ще бъдат добра отправна точка за вас.

ТЕОРИЯ

Графичният дизайн в много отношения е чисто субективен, така че е малко вероятно да намерите поне една дизайнерска работа, която абсолютно всеки би харесал. Хората обичат различни неща и това е добре! Има обаче общоприети теории в графичния дизайн; идеи, които артикулират същността на силната дизайнерска работа. Те помагат да се определи кое е добър графичен дизайн и кое не. Освен това тези теории разширяват възможностите на дизайнера.

Това, което обединява всички известни графични дизайнери, е, че всеки от тях е участвал пряко във формирането на съществуващи теории за дизайн и това ясно се вижда в работата им. Един забележителен пример е Йозеф Мюлер-Брокман, автор на публикацията Modular Grids in Graphic Design. Той осигурява теорията и основата за използване на модулната решетка, която много дизайнери ще използват за години напред.

ТЕХНИЧЕСКИ УМЕНИЯ

Техническите умения помагат на графичния дизайнер да реализира идеите си. И тук трябват и ръце, и ум. По отношение на ръцете, това се отнася до способността да използвате инструменти като молив или тракпад. Що се отнася до умствените умения, тогава тук говорим сиотносно математически операции, измервания или корекции на цветовете.

Всички изключителни графични дизайнери имат висока степентехнически умения в поне една област на графичния дизайн. И това е може би най-добре илюстрирано от Ян Чихолд. Имаше известна мания за декорацията и външен видкниги, поради неговата несравнима техническа мощ.

На изображението по-горе можете да видите пример за изискванията му за точните пропорции за Наръчника за брандиране на Penguin.

ИНТУИЦИЯ

Може би това е самият фактор, който може да се нарече "специален". Някои хора имат интуиция, а други не. Тази функция идва от необузданото любопитство в дизайна и надхвърля просто правенето на пари, както и изграждането на кариера. Това е точно когато възприемането на истините на дизайна по някакъв начин зависи от процеса на разсъждение. Решенията, които дизайнерът взема, се основават не само на теория или формалност, но и на творческо вдъхновение със себеизразяване.

Интуицията е качество, което притежават всички велики дизайнери и винаги може да се види в работата на графичния дизайнер Саул Бас, който можете да видите по-горе. Силата на дизайна при тях е повече интуитивна и емоционална, отколкото интелектуална. Въпреки това, овладяването само на теорията и техническите умения няма да може да ви доведе до същото ниво с Bass. Необходимо е да се научите да се доверявате на интуицията си и дори да сте готови да станете творчески спонтанни.

РЕСУРСИ

Без техническо оборудванев графичния дизайн - никъде. В някои области включва различни инструментиза печат, хартия, ножици, линийки и др. Що се отнася до дигиталния свят, няма как да се мине без компютри, специални таблети, софтуер, библиотеки с текстури, шрифтове и модели. Без всичко това дизайнерът не е нищо повече от съд с колекция от мисли, идеи и чувства.

Чудесен пример за работа с оборудване е проектът на Дейвид Карсън за Ray Gun, към който той намери свой необичаен подход. Режеше, променяше цвета, нанасяше букви и изображения на слоеве, а оформлението му приличаше повече на платно за рисуване. Именно наличието на ресурси помогна на Карсън да стане това, което е днес – легенда на графичния дизайн.

ЛИЧНОСТ

В света на графичния дизайн има само няколко художници, чиято работа е толкова индивидуална, че може да бъде разпозната от хиляди. Тъй като хората търсят индивидуалност, характер и жизненост, признанието за един дизайнер се дължи главно на факта, че неговата личност е отразена в работата му.

Личността на Пол Ранд и неговите проекти винаги са били едно нещо. Неговата цветни палитри, игриви, но в същото време сериозни, чувствителни и несъвършени форми говореха за това какъв е той като човек. Вероятно това изигра важна роля за това, че той беше обичан не само от хора от кръга на дизайнерите, но и от тези, които бяха извън него.

РЕВОЛЮЦИОНЕР

Когато човек пита: какво е нормално; променя това, което изглежда познато и измисля нови концепции - той привлича вниманието на обществото. Съгласете се, че да гледате как човек унищожава и създава нещо едновременно може да бъде много завладяващ процес.

Вероятно всички велики дизайнери, които са съществували и са живи днес, са били някакви революционери, които не са играли по правилата. Един от тях е Бредбъри Томпсън. Когато CMYK беше строго част от печатните материали, той го използваше като част от творческия процес. Отказвайки да използва тези цветове за точно възпроизвеждане на изображения или нюанси на определен цвят, той ги видя като четири определени цветовевърху палитрата. Неговото откритие е актуално и до днес и много дизайнери го използват успешно.

В ЗАДЪРЖАНЕТО...

Разбира се, необходима черта на всеки голям графичен дизайнер е талантът. Но дали славата е такава важен компонентвеличие? Напълно възможно е това да е просто вашето собствено его, съществуващо отделно от самата същност на дизайна. Може би днес е достатъчно да си просто талантлив графичен дизайнер?

Милтън Глейзър през 1974 г. Снимка: © Cosmos Sarchiapone

Въпреки напредналата си възраст, Милтън Глейзър продължава да се занимава с творчество. Именно той даде на света New York Magazine, известния психеделичен плакат с изображението на Боб Дилън, корпоративната идентичност на Brooklyn Brewery и, разбира се, постоянния символ на Ню Йорк - логото I love New York.

Вече надхвърлил осемдесет години, Милтън Глейзър живее в Манхатън и въпреки че мнозина вече са пенсионирани на тази възраст, той управлява своето дизайнерско студио, което е в разгара си. Както преди много години, той продължава да рисува плакати, да създава лога и да разработва корпоративни идентичности. В допълнение към практиката Глейзър се занимава и с теория: той чете лекции в университети, пише есета и теоретични дискусии за връзката между дизайна и изкуството и тяхното влияние едно върху друго, за професията на дизайнера и сложността на творческия процес.

Логото е създадено през 1977 г.

Детство и учене

Милтън Глейзър е роден на 26 юни 1929 г. в Ню Йорк в еврейско семейство с унгарски корени. Когато Милтън бил на пет години, братовчед му нарисувал кон пред него - тогава Глейзър осъзнал пълната сила на графичното изкуство. За първи път видя някой да рисува нещо наистина съществуващо. Мислеше, че може да създаде цял свят с просто движениемолив. Това ентусиазирано чувство не го напуска през целия му живот.

На седемнадесет години Глейзър се утвърждава в желанието си да стане художник. Тогава той осъзна, че истинската цел на изкуството е да ни направи внимателни; изкуството ни помага да оцелеем. В интервю за списание Smashing Глейзър разкри, че по това време е бил в затвора. кухненска масаи изведнъж реши да нарисува портрет на майка си. В този момент той осъзна, че не знае как изглежда тя. Едва когато решил да нарисува майка си, се заинтересувал от външния й вид.

Глейзър учи в гимназията за музика и изкуство в Манхатън, след което през 1951 г. завършва частния нюйоркски Cooper Union College (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art).Огромно влияние върху неговото образование и по-нататъшно творчество има възможността да живеят в друга страна, а именно в Италия. След като завършва колеж, Глейзър влиза в Академията за изящни изкуства в град Болоня (Accademia di Belle Arti di Bologna) по програмата за стипендии на Фулбрайт: там той учи в класа на италианския художник Джорджо Моранди.

Push Pin Studios

През 1954 г. Глейзър основава Push Pin Studios с приятели от колежа Рейнолд Ръфинс, Сиймур Чваст и Едуард Сорел. Сорел и Чваст излязоха с идеята да създадат собствена компания, след като бяха уволнени от списание Esquire в същия ден. С последните си пари те наемат тъмна и влажна стая на Източна 17-та улица в Манхатън. Няколко месеца по-късно Глейзър се завръща от Италия и се присъединява към студиото. В продължение на двадесет години Глейзър и Сиймор ръководят работилница, която има огромно влияние върху развитието на графичния дизайн по света.

Кулминационният момент за Push Pin Studios е изложбата The Push Pin Style в Лувъра: през 1970-1972 г., освен в Париж, тя пътува до други градове в Европа, Бразилия и Япония.

Push Pin Studios съществува и днес, само че сега негов единствен директор е Сиймор Чваст.

През 1967 г. Милтън Глейзър, работещ в Push Pin Studios, създава психеделичен портрет на Боб Дилън, който по-късно е използван за дизайна на колекцията от най-големи хитове на певеца.

списание Ню Йорк

През 1968 г. Глейзър съосновава New York Magazine с Клей Фелкър. Глейзър е президент на компанията и директор по дизайна до 1977 г. Първоначално списанието е създадено като своеобразна алтернатива на вече съществуващия The New Yorker. Той се оказва нахален и прям и става част от т. нар. Нова журналистика – течение в американската журналистика през 60-те и 70-те години на миналия век. Това издание се превърна в икона на градското списание и породи цяла поредица от имитации.

В продължение на шест или седем години Глейзър и Джеръм Снайдер написаха The Underground Gourmet, пътеводител за евтини ресторанти в Ню Йорк. Първоначално беше само колона в списание New York. Всички бяха любопитни къде да хапнат евтино и вкусно, затова рубриката стана толкова популярна, че се наложи да бъде издадена цяла книга.

Уолтър Бърнард и Милтън Глейзър

WBMG

През 1983 г. Glaser основава WBMG с Walter Bernard. Беше малка дизайнерска и издателска фирма. По време на своето съществуване те са проектирали повече от петдесет списания, вестници и др периодични изданияпо целия свят, както и актуализира дизайна на такива известни вестници като американския The Washington Post, каталунския La Vanguardia и бразилския O Globo.

Milton Glaser Inc. Изкуството е работа

През 1974 г. Глейзър основава свое собствено студио, Milton Glaser, Inc., в Манхатън. който е в експлоатация и до днес. В допълнение към самия Глейзър, студиото има още двама дизайнери: Сю Уолш и Джи-юн Лий. Дейностите на компанията засягат почти всички области на дизайна – от създаване на лога до интериорен дизайн. В областта печатни графикистудиото се развива Корпоративна идентичност, което включва лога, бланки, брошури, табели и годишни отчети. В областта на дизайна на интериора и околната среда те разработват концепции и ръководят създаването на различни продукти, интериори и екстериори на ресторанти, търговски центрове, хотели и други търговски и търговски площи.

© Милтън Глейзър
Лого на Brooklys Brewery. © Милтън Глейзър
Лого на списание New York. © Милтън Глейзър
Лого на фирма за семена. © Милтън Глейзър
Лого на Tomato Records. © 1978 Милтън Глейзър
Лого на ангелите в Америка. © Милтън Глейзър
Лого на DC Comics. © 1977 Милтън Глейзър
Театрално лого на Училището по визуални изкуства. © Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър
© Милтън Глейзър

„Създаването на лого е една от най-скучните задачи за един дизайнер. Има още много интересни неща“.Милтън Глейзър е наричан най-продуктивният дизайнер на лого в света. Всъщност малко хора успяха да нарисуват толкова много запомнящи се герои. „Говоренето за лога е много скучно“, казва американецът в интервю за списание Smashing. „Знаете защо всички говорят за тях: носят пари.“

Най-копираното лого в света

Досега най-известното лого на Глейзър е I love New York, което той създава в средата на 70-те години за рекламна кампанияразвитие на туризма в Ню Йорк. Логото се състои от главно I, символ на червено сърце и главни букви NY, съкращението на Ню Йорк. Буквите са без серифи American Typewriter.

Оригинална скица на лого

През 1977 г. Министерството на търговията на щата Ню Йорк поиска от рекламната агенция Wells Rich Greene да разработи маркетингова кампания за щата Ню Йорк. Милтън Глейзър също беше привлечен да работи по проекта. Интересното е, че Глейзър нарисува I love NY на доброволни начала (т.е. безплатно), мислейки, че кампанията ще продължи само няколко месеца и ще изчезне безследно. Но емблемата стана толкова популярна, че стана повсеместна, като мнозина наричат ​​I love NY най-успешното лого в историята на графичния дизайн.

Логото придоби особено значение след събитията от 11 септември, породили дух на единство и взаимопомощ сред жителите на града. Много посетители на града носеха тениски I love New York, за да изразят подкрепата си за всички жертви на терористичната атака.

Няколко дни след събитията от 11 септември Глейзър се събужда и разбира, че неговото лого вече не е това, от което се нуждаят жителите на града. Чувствата му към града се бяха променили и логото също трябваше да се промени. Така че имаше нова версия на логото с думите I love NY More Than Ever ( „Обичам Ню Йорк повече от всякога“) с малко черно петно ​​върху червено сърце. Позицията на тази черна зона не е случайна: тя маркира мястото на картата на Ню Йорк, където се е намирал Световният търговски център.

Глейзър поиска помощ при създаването нова версиялого на Училището по визуални изкуства. Той се обадил на своя приятел Сайлъс Роудс и казал, че има идея: искал да отпечата плакати и да ги разлепи в метрото. В резултат на това бяха отпечатани пет хиляди плаката, които учениците разлепиха из целия град. Така този плакат можеше да се види от почти всеки прозорец в града, което още повече сплоти жителите.

Логото се превърна в икона на поп културата и все още се използва навсякъде - от чаши и тениски с тематика на Ню Йорк до големи банери. Ню Йорк се опитва да запази авторските права върху логото, но към 2005 г. са регистрирани около три хиляди факта на имитация.

Глейзър разказва как е скицирал логото задна седалкаНю Йорк Такси: „Бях развълнуван. В моята идея имаше усещане за неизбежност. Формата и съдържанието бяха толкова обединени, че беше невъзможно да се отделят едното от другото. Глейзър все още не разбира защо това лого стана толкова популярно не само в Ню Йорк, но и по целия свят.

Дизайнът като изкуство

Работата на Милтън Глейзър е била представена в множество изложби по целия свят, включително самостоятелни изложби в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк през 1975 г. и в Центъра Помпиду в Париж (Centre Georges Pompidou) през 1977 г. Милтън Глейзър е излагал многократно в Италия. През 1991 г. италианското правителство го кани да курира изложба в чест на 500-годишнината на италианския художник Пиеро дела Франческа (Piero della Francesca). Изложбата беше открита в Арецо и година по-късно, благодарение на спонсорството на Campari, се премести в Милано. През 1994 г. Глейзър прави изложба в родния си Cooper Union College. През 1997 г. ретроспективата на Push Pin Studios беше представена в Япония, която включва лична работа на Милтън Глейзър и други студийни артисти. Основната ретроспекция на творчеството му обаче беше открита през февруари 2000 г. във Венеция, във фондация Бевилакуа Ла Маса (Fondazione Bevilacqua La Masa).

Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър.
Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър. Графична работа на Милтън Глейзър.

Принос към културата

През цялата си кариера Милтън Глейзър е получавал много награди, включително през 2004 г. той получава награда за значителен принос в развитието модерен дизайнот Националния музей на дизайна (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Приносът на Глейзър за развитието на графичния дизайн е огромен: за мнозина той е живото въплъщение на американския графичен дизайн, рядък пример, който съчетава дълбоко интелектуално мислене с невероятно богатство на визуален език.

10-те правила на Милтън Глейзър

Работете само с хора, които харесвате

Отне ми много време да формулирам това правило за себе си. Когато започнах, мислех обратното, че професионализмът е умението да работиш с всякакви клиенти. Но с годините стана ясно, че най-смисленият и добър дизайн е измислен за тези клиенти, които по-късно станаха мои приятели. Като че ли симпатията в нашата работа е много по-важна от професионализма.

Ако имате избор, не приемайте работа

Един ден чух интервю по радиото с прекрасния композитор и философ Джон Кейдж (John Milton Cage Jr.). Тогава той беше на седемдесет и пет години. Домакинът попита: "Как да се подготвим за старостта?" Завинаги ще помня отговора на Кейдж: „Имам един съвет. Никога не ходете на работа. Ако ходите в офиса всеки ден от живота си, един ден ще бъдете изритан от вратата и пенсиониран. И тогава със сигурност няма да сте готови за старостта - тя ще ви изненада. Погледни ме. От дванадесетгодишна възраст всеки ден правя едно и също нещо: събуждам се и мисля как да си изкарвам хляба. Животът не се е променил, откакто остарях."

Избягвайте неприятните хора

Това е продължение на първото правило. През 60-те години на миналия век имаше гещалт терапевт на име Фриц Пърлс. Той предположи, че във всички отношения хората или си тровят живота, или ги подхранват. В този случай всичко зависи не от човека, а от връзката. Знаете ли, има лесен начин да тествате как ви влияе общуването с някого. Прекарайте известно време с този човек: вечеряйте, разходете се или пийнете нещо, изпийте нещо. И обърнете внимание как ще се чувствате след тази среща – вдъхновени или уморени. И всичко ще стане ясно.

Опитът не е достатъчен или защо доброто е враг на отличното

Вече казах, че на младини бях обсебен от професионализма. Всъщност опитът е друго ограничение. Ако имате нужда от хирург, най-вероятно ще отидете при някой, който е правил тази конкретна операция много пъти. Нямате нужда от човек, който има намерение да изобретява нов начинизползвайте скалпел. Не, не, без експерименти, моля, правете всичко както винаги сте го правили и както сте го правили преди вас. В нашата работа е обратното: добър е този, който не повтаря след себе си и след другите. добър дизайнериска да използва скалпела по нов начин всеки път или решава да използва градинска лейка вместо скалпел.

По-малкото не винаги е по-добро

Всички сме чували израза „по-малкото е повече“. Това не е съвсем вярно. Една хубава сутрин се събудих и разбрах, че това най-вероятно е пълна глупост. Може да звучи добре, но в нашата сфера този парадокс няма смисъл. Спомнете си персийските килими, дали „по-малко“ би било по-добре в техния случай? Същото може да се каже и за работата на Гауди, стила Арт Нуво и много други. Затова формулирах ново правило за себе си: по-добре е, когато има точно толкова, колкото ви трябва.

Не се доверявайте на стилове

Сигурен съм, че всички сте виждали илюстрациите на Пикасо за Неизвестния шедьовър на Балзак. Той изобразява бик на дванадесет различни стилове: от натуралистичен маниер до абстракция в един ред. AT този случайстилът е неуместно понятие. Глупаво е да се отдадете на който и да е стил, защото никой от тях не ви заслужава напълно. За дизайнерите от старата школа това винаги е било трудно, защото почеркът и визуалният речник се развиват с годините. Но модата за стилове се медиира от икономически показатели, тоест практически от математика - не можете да спорите с това. Маркс е писал за това. Следователно на всеки десет години стилистичната парадигма се променя и нещата започват да изглеждат различно. Същото се случва и с шрифтове и графики. Ако планирате да съществувате в професията повече от едно десетилетие, горещо ви препоръчвам да сте подготвени за тази промяна.

Начинът на живот променя начина, по който мислите

Мозъкът е най-чувствителният орган в нашето тяло. Той е най-подложен на промяна и регенерация. Преди няколко години във вестниците се появи любопитна история за търсенето на абсолютен терен. Както знаете, подобен слух е рядкост дори сред музикантите. Не знам как, но учените са открили, че хората с перфектен тон имат различна структура на мозъка: някои лобове са някак си деформирани. Това само по себе си е интересно. Но след това открили нещо още по-стряскащо: ако четири или петгодишни деца се учат да свирят на цигулка, има шанс някои от тях да започнат да променят структурата на мозъчната кора и да развият абсолютна височина. Сигурен съм, че рисуването влияе на мозъка не по-малко от свиренето на музика. Но вместо слух ние развиваме внимание. Човек, който рисува, обръща внимание на случващото се около него - и това не е толкова просто, колкото изглежда.

Съмнението е по-добро от сигурността

Всички казват, че увереността в това, което правиш, е много важна. Моят учител по йога веднъж каза: „Ако чувстваш, че си достигнал просветление, ти просто се сблъскваш със собствените си граници.“ Това е вярно не само в духовната практика, но и в работата. За мен всички формирани идеологически позиции са съмнителни, защото съвършенството е безкрайно развитие. Изнервям се, когато някой безапелационно вярва в нещо. Всичко трябва да се постави под въпрос. За дизайнерите този проблем се появява дори в художественото училище, където ни учат на теорията на авангарда и факта, че човек може да промени света. В известен смисъл това е вярно, но най-често завършва с трудности с творческото самочувствие. Търговско сътрудничествос някого - винаги е компромис и това никога не трябва да се съпротивлява. Винаги трябва да допускате възможността опонентът ви да е прав. Преди няколко години четох Айрис Мърдок най-доброто определениелюбов: "Любовта е изключително сложното осъзнаване, че някой друг освен нас е истински." Това е брилянтно и описва абсолютно всяко съжителство на двама души.

Няма значение

За последния ми рожден ден ми подариха книга от Роджър Розенблат „Правила за стареене“. Заглавието не ми хареса, но съдържанието ме заинтригува. Първото правило, предложено от автора, се оказа най-доброто. Звучи така: „няма значение“. Без значение какво мислите – следвайте това правило и то ще добави десетилетия към живота ви. Няма значение дали закъсняваш или пристигаш навреме, тук си или там, дали не си казал нищо или си казал нещо, дали си умен или глупав. Няма значение каква прическа имате и как ви гледат приятелите ви. Дали ще получите повишение в работата, дали ще си купите нова къща, дали ще спечелите Нобелова награда, няма значение. Това е мъдрост!

говори истината

Понякога чувствам, че дизайнът не е най-доброто място за търсене на истината. Разбира се, има определена етика в нашата общност, която сякаш е записана някъде. Но няма и дума за връзката на дизайнера с обществото. Казват, че в СССР при Сталин всичко, което се е продавало с етикет „телешко“, всъщност е било пилешко. Оттогава ме измъчва въпросът какво тогава се продаваше под прикритието на пиле? Дизайнерите носят не по-малка отговорност от месарите, затова трябва да внимават какво продават на хората под прикритието на телешко. Лекарите имат клетва: „Не вреди“. Вярвам, че дизайнерите също трябва да имат клетва: „Казвайте истината“.

Не бъдете мързеливи и поздравете професионалния празник на графичните дизайнери, които познавате на 9 септември. Освен това тази година те имат малък юбилей: вече десет години празнуват своя ден! Кои са те и защо празнуват в началото на есента - в нашия материал.

Графичният дизайн изобщо не е тясно фокусирана специалност, както може да се мисли. Резултатите от работата на графичните дизайнери ни придружават абсолютно навсякъде: дизайн на книги и списания, рекламни банери и плакати, табели по улиците и навигация на летищата. Дори ако трябва да измислите шрифт, лого или опаковка, трябва да се обърнете към тях.

Графичният дизайн е резултат от сливането на търговско изкуство (плакати, плакати, банери) и модерно визуални изкуствакрая на 19-20 век Някои от най-известните и успешни графични дизайнери: Алън Флетчър – създателят на логото на Ройтерс и музея на Виктория и Албърт, Джим Паркинсън е известен с работата си с Newsweek, Rolling Stones, Washington Post, Милтън Глейзър и неговия „I Love New York“ “, швейцарецът Армин Хофман и рекламен плакат на балета „Жизел“ и др.

Денят на графичния дизайнер в Русия и страните от ОНД е създаден през 2005 г. на 50-годишнината на известния руски графичен дизайнер В. Б. Чайка (9 септември). Владимир Борисович е признат майстор на международно ниво, той е първият, удостоен с руската награда в областта на изкуството и литературата. Той е член на Съюза на дизайнерите на Русия, Съюза на художниците на Русия, международни асоциацииБиенале в Бърно и AGI (Alliance Graphigue Internationale). Неговите творби многократно се оказват най-добрите на различни изложби и фестивали (в Хелзинки, Москва, Бърно, Варшава, Загреб, Харков). Чайката е най-известен със своите плакати. Всяка година в много страни се провеждат изложби на негови творби, а някои дори са в колекциите на различни музеи.

Въпреки факта, че местните университети са по-ниски по ниво от чуждестранните, имаме голям брой дизайнери, които самостоятелно са усвоили професията и сега успешно работят не само в Русия. Това е напълно възможно да се постигне с голямо желание и огромно количество ресурси в Интернет, посветени на дизайна и улесняване на работата на специалистите. Например, има специални платформи, където можете да търсите вдъхновение и да споделяте опит (Dribble, Behance, Marvel); сайтове с избор на цветове и шрифтове (Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja); форуми и уроци (Dezhurka, Design Mama) и, разбира се, фотобанки, където дизайнерите могат не само да продават работата си, но и да купуват други, за да създават нови проекти (PressFoto).

Екипът на PressFoto поздравява професионалния празник на графичните дизайнери и им пожелава повече ярки и ярки интересни идеи, нови обещаващи проекти!