La conception graphique est transformée de culture en culture, influencée par les les traditions culturelles, histoire et mode de vie. Tout comme en musique et en art, l'esthétique conception graphique diffère d'une culture à l'autre.

Le graphisme hispanique montre son amour pour les fêtes et les vacances. Les graphistes latinos sont exempts de préjugés lorsqu'il s'agit d'utiliser couleurs vives et éléments contrastés.

Le minimalisme est également utilisé, mais principalement dans la conception de sites Web - et il n'est pas aussi "minimal" que les autres. Le monde a beaucoup à apprendre des Hispaniques ; par exemple, comment ne pas prendre la vie trop au sérieux et s'amuser. Ils nous apprennent à percevoir le design non seulement visuellement, mais avec les six sens.

Chine

La Chine est l'un des civilisations anciennes datant d'au moins 4000 ans. À son apogée, la Chine était l'une des sociétés les plus développées au monde, mais en raison du développement de l'impérialisme et guerre civile son déclin a commencé. Cependant, la Chine a une riche histoire artistique, littéraire et culturelle.

La conception graphique chinoise est assez nouvelle par rapport aux conceptions occidentales. Pas plus tard qu'en 1979, la Chine a rouvert ses portes sur le monde, accueillant de nouvelles idées et dernières technologies... Le pays fait un mouvement lent mais constant vers des vues démocratiques, plus libérales vers de nouvelles idées, en particulier dans l'art et le design.

La Chine a afflué avec une énergie créative et un nationalisme fort (sinon une certaine aversion pour les étrangers), il n'est donc pas surprenant que la conception graphique moderne utilise toujours les mêmes éléments figuratifs trouvés dans l'art traditionnel chinois.

La conception graphique en Chine a été utilisée comme recours efficace expression politique non officielle. C'était un moyen de s'identifier et de s'exprimer.

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Dans le web design chinois, le flash est une passion. Les sites Web chinois sont très interactifs et ludiques. Certains éléments de la conception graphique sont copiés d'autres cultures. V la dernière décennie Le graphisme chinois est fortement influencé par l'Occident, mais conserve toujours sa propre énergie et âme chinoises. Par exemple, la conception utilise des symboles du feng shui, de la calligraphie, des festivals culturels, etc.

Japon

L'art contemporain japonais prend de nombreuses formes : architecture, publicité, jeux vidéo, anime et graphisme. L'influence japonaise dans l'art est immense, apportant beaucoup d'idées dans le design graphique et l'art contemporain en général. Le graphisme japonais est urbain et original. Il présente des couleurs de type néon pour imiter les lumières que nous voyons dans le centre-ville de Tokyo la nuit.

Le graphisme japonais est fortement influencé par l'art traditionnel japonais et les mangas.

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Le graphisme japonais est intéressant car il est fondamentalement différent de ce à quoi nous sommes habitués en occident. Il est très diversifié, avec une touche d'ancien et de nouveau. D'une part, il est épuré, futuriste et très minimaliste. Par contre, super mignon, enfantin et excentrique.

Proche Orient

Le Moyen-Orient est présenté en Occident comme mystérieux, enchanteur et mystique ; c'est une terre de sables, de tapis d'avion et de lampes magiques, une image que la plupart d'entre nous n'avons visitée que dans nos rêves. Le Moyen-Orient est paradoxal - c'est une culture enrichie de l'un des arts visuels les plus anciens et les plus étendus de l'histoire s'étalant sur des milliers d'années.

Cependant, le design graphique au Moyen-Orient est assez jeune. La lutte pour le monde arabe continue : ici un artiste libre n'est pas La meilleure voie gagner sa vie, le gouvernement n'est pas trop favorable et il n'y a que quelques écoles de graphisme dans la région.

Le graphisme du Moyen-Orient est aussi charmant que mystique. Présent Forte influence calligraphie ancienne et écriture arabe, copiant des formes et des motifs.

Le Moyen-Orient s'ouvre peu à peu à la culture occidentale d'une « société de consommation ». Les Arabes aiment leur or - et cette affection se voit clairement dans le design.

Comme le reste du monde, le monde du Moyen-Orient est en proie au virus du minimalisme, mais conserve toujours l'atmosphère moyen-orientale que nous connaissons tous.

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Le design du Moyen-Orient est riche en couleurs et en culture. Comme d'autres pays asiatiques, le Moyen-Orient se délecte de beaux symboles et calligraphies. Dans certaines régions, la région reste conservatrice sur de nombreuses questions.

Par exemple, ils ont besoin de s'ouvrir aux idées de pigistes, aux femmes graphistes, etc. Cependant, cette région est un haut lieu d'idées nouvelles et mixtes. Ils ont adapté de nombreuses idées de design occidentales, mais ont conservé le caractère unique qui les distingue des autres.

Pays-Bas

Les Pays-Bas sont un pays néerlandophone situé au nord-ouest de l'Europe, bordé par la Belgique au sud et l'Allemagne à l'est. Les Pays-Bas sont un tout petit pays, mais ils abritent certains des plus grands maîtres de l'histoire : Rembrandt, Van Gogh, Van Eyck, Mondrian et Van Doisberg.

Le graphisme hollandais aspire à l'individualisme, sinon à l'anarchisme. Ils préfèrent les solutions épurées et minimalistes - pourtant c'est ici qu'est né le mouvement De Sale, qui a précédé le minimalisme. Les Néerlandais gravitent vers l'art conceptuel et les thèmes contemporains. La simplicité est appréciée et le « non-design » est la stratégie globale de conception.

Les designers néerlandais peignent souvent de manière conceptuelle. L'un de mes préférés est le jeune graphiste néerlandais Viktor Van Gaasbeck, dont le travail est typiquement hollandais, moderne, mais avec des éléments naturels et naturels.

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Les Pays-Bas et ses pays voisins créent des tendances en matière de graphisme et de conception de sites Web. Leur art est parfait, conceptuel et chic. Cela ne veut pas dire qu'il est carrément sérieux et minimaliste - le design hollandais peut être ludique.

Peut-être en raison du soutien financier important du gouvernement aux arts, ou en raison de l'économie développée du pays, ou peut-être en raison de la soif d'art de la population locale, le graphisme néerlandais est parmi les plus avancés au monde.

Conclusion

Alors comment ça va différentes cultures passé et présent différents, nous avons des expériences, des croyances et des mœurs différentes. Nous voyons le monde sous des angles légèrement différents. Les graphistes du monde entier ont leur propre approche de l'art. Malgré cela, une affirmation reste indiscutable : bon design sera toujours un bon design.

Même si nous ne comprenons pas le sens, les symboles et la calligraphie qui sont utilisés, nous pouvons distinguer un bon design d'un mauvais. La compréhension de l'art existe au-delà des frontières culturelles et géographiques ; et c'est plus que la somme de notre culture et de nos croyances. Comprendre le design est un sentiment international et universel qui est ressenti par tout le monde, quelle que soit la couleur de la peau ou la nationalité.

Dans le cadre de l'amphithéâtre de la Moscow Design Week, Sergey Serov a parlé de 25 noms fondamentaux du design graphique. La conférence "Design Icons" était accompagnée d'illustrations, dans lesquelles le conférencier montrait les principales caractéristiques du style de chaque designer et expliquait comment cela avait influencé la communauté mondiale.

Le Président de la Biennale Internationale de Design Graphique "Golden Bee", professeur à l'Ecole de Design RANEPA a donné une excursion historique sur le développement du design graphique. Le titre de la conférence "Design Icons" fait référence au livre du même nom de John Clifford, que Sergey Serov recommande à tous ceux qui s'intéressent à l'histoire du design. Le conférencier s'est appuyé sur les points de vue de la communauté internationale du design graphique professionnel dans sa sélection des 25 designers les plus influents. Sergei Serov a qualifié la conférence "Design Icons" de généralisation subjective de points de vue objectifs.

L'avant-garde russe est devenue l'une des principales forces motrices qui ont développé le design graphique depuis le début du 20e siècle, ainsi Alexander Rodchenko et El Lissitzky ont pris les premières positions dans la liste, qui sont devenus des icônes et des enseignants pour de nombreux maîtres. Le manifeste de l'avant-garde russe est devenu la base de l'avant-garde européenne et de la célèbre école suisse de design graphique. Dynamiques, diagonales, symboles du XXe siècle, exprimés par l'image d'une machine et de nouvelles vitesses - tout cela a été révélé au monde du graphisme par les artistes d'avant-garde russes Rodchenko et Lissitzky.

Il n'y a pas d'écoles parfaites en design graphique : les artisans apportent de nouvelles technologies et des visions qui entrent dans l'histoire, mais en même temps, certaines parties de l'affiche peuvent « s'affaisser ». Le travail des designers est d'apprendre les meilleures techniques et d'apprendre d'un grand nombre de grands graphistes. L'histoire comprend les noms de ceux qui créent de nouveaux ou améliorent déjà principes existants, suit le manifeste. L'affiche en tant que produit du design graphique s'est formée et est devenue un objet d'art grâce à des personnalités, aux nouvelles technologies, et dans certains cas elle a été influencée par le charisme personnel des designers.

Les 25 meilleurs graphistes :

1. Jules Chéret
2. Alexandre Rodtchenko
3. El Lissitzky
4. Pete Zwart
5. Adolph Muron Cassandre
6. Alexeï Brodovitch
7. Jan Tschichold
8. Joseph Muller-Brockmann
9. Emil Ruder
10. Ex Eicher
11. Henrik Tomaszewski
12. Armoiries Lubalin
13. Vitrier Milton
14. Massimo Vignelli
15. Karel Martens
16. Yusaku Kamekura
17. Koichi Sato
18. Shigeo Fukuda
19. Kenya Hara
20. Alain Fletcher
21. Avril Greyman
22. Ralph Schreifogel
23. Niklaus Troxler
24. David Carson
25. Stefan Sagmeister

La Moscow Design Week est un festival dédié au design sous toutes ses formes, de la mode à l'architecture. L'événement réunira des représentants du marché sur une même scène pour créer et renforcer des liens commerciaux, échanger des idées, démarrer de nouveaux projets réussis et le développement du design en Russie.

Il est normal de regarder le travail brillant de grands graphistes et de vouloir créer quelque chose de similaire. Ou même envie d'être comme ces maîtres de leur métier. C'est cette inspiration qui a poussé de nombreux professionnels dans le domaine du design graphique. Bien que, bien sûr, cela mène certains à nulle part. Et pourtant, pour d'autres, cela révèle une véritable passion pour le design et met parfois un brillant designer à l'honneur.

Hélas, tout le monde, même le designer le plus talentueux, n'est pas capable de devenir exceptionnel et de mériter d'être reconnu. Il y a un certain nombre de facteurs qui vous aident à atteindre le sommet. Dans cet article, nous allons passer en revue une liste de choses qui vous aideront à atteindre la grandeur et un certain statut dans le monde du design graphique. Ils sont également un bon point de départ pour vous.

THÉORIE

La conception graphique est à bien des égards purement subjective, il est donc peu probable que vous trouviez au moins un travail de conception que tout le monde aimerait. Les gens aiment des choses différentes et ce n'est pas grave ! Il existe cependant des théories généralement acceptées en matière de conception graphique ; des idées qui capturent l'essence d'un travail de conception solide. Ils aident à déterminer quelle conception graphique est bonne et laquelle ne l'est pas. De plus, ces théories élargissent les capacités du concepteur.

Ce que tous les graphistes célèbres ont en commun, c'est que chacun d'eux avait une relation directe avec la formation des théories du design existantes, et cela se voit clairement dans leur travail. Un exemple notable est Josef Müller-Brockmann, auteur de Modular Grids in Graphic Design. Il pose la théorie et les bases de l'utilisation d'une grille modulaire, à laquelle de nombreux concepteurs se référeront pendant de nombreuses années.

COMPÉTENCES TECHNIQUES

Les compétences techniques aident un graphiste à donner vie à ses idées. Et ici, les deux mains et l'esprit sont nécessaires. En termes de mains, fait référence à la capacité d'utiliser des outils tels qu'un crayon ou un trackpad. Quant aux aptitudes mentales, ici ça arriveô opérations mathématiques, des mesures ou des ajustements de couleur.

Tous les graphistes exceptionnels possèdent haut degré excellence technique dans au moins un domaine du design graphique. Et c'est peut-être mieux illustré par Jan Tschichold. Il avait une certaine obsession pour le design et apparence livres en raison de ses prouesses techniques inégalées.

Dans l'image ci-dessus, vous pouvez voir un exemple de ses exigences exactes en matière de rapport d'aspect pour le Penguin Branding Handbook.

INTUITION

C'est peut-être le facteur même que l'on peut qualifier de "spécial". Certains ont de l'intuition, d'autres non. Ce trait vient d'une curiosité débridée pour le design et va au-delà du simple fait de gagner de l'argent ou de construire une carrière. C'est exactement à ce moment que la perception des vérités de la conception dépend en quelque sorte du processus de raisonnement. Les décisions qu'un designer prend sont basées non seulement sur la théorie ou la formalité, mais aussi sur l'inspiration créative avec l'expression de soi.

L'intuition est une qualité que possèdent tous les grands designers et se retrouve toujours dans le travail du graphiste Saul Bass, que vous pouvez voir ci-dessus. Le pouvoir du design est plus intuitif et émotionnel qu'intellectuel. Cependant, maîtriser uniquement la théorie et les compétences techniques ne vous apportera pas un niveau comparable à celui de la basse. Vous devez apprendre à faire confiance à votre intuition et même être prêt à devenir involontairement créatif.

RESSOURCES

Sans Equipement technique en design graphique - nulle part. Dans certaines régions, il comprend divers outils pour l'impression, le papier, les ciseaux, les règles et plus encore. Quant au monde numérique, impossible de se passer d'ordinateurs, de tablettes spéciales, Logiciel, des bibliothèques avec des textures, des polices et des modèles. Sans tout cela, le designer n'est rien de plus qu'un récipient avec un ensemble de pensées, d'idées et de sentiments.

Un excellent exemple de travail avec l'équipement est un projet de David Carson pour Ray Gun, auquel il a trouvé sa propre approche inhabituelle. Il coupait, changeait de couleur, appliquait des lettres et des images en couches, et sa mise en page ressemblait davantage à des toiles peintes. Ce sont ces ressources qui ont aidé Carson à devenir ce qu'il est aujourd'hui : une légende du design graphique.

PERSONNALITÉ

Dans le monde du graphisme, il n'y a que quelques artistes dont le travail est si individuel qu'il y en a des milliers à reconnaître. Puisque les gens recherchent l'individualité, le caractère et la vitalité, la reconnaissance d'un designer est principalement due au fait que sa personnalité se reflète dans son travail.

La personnalité de Paul Rand et ses projets ont toujours été une chose. Le sien palettes de couleurs, enjoué, mais en même temps sérieux, des formes sensibles et imparfaites parlaient de ce qu'il était en tant que personne. C'est probablement ce qui a joué un rôle important dans le fait qu'il était aimé non seulement des gens du cercle des designers, mais aussi de ceux qui en étaient extérieurs.

RÉVOLUTIONNAIRE

Quand une personne demande : qu'est-ce qui est normal ? change ce qui semblait familier et invente de nouveaux concepts - il attire l'attention de la société. Convenez que regarder une personne détruire et créer quelque chose en même temps peut être un processus très fascinant.

Probablement, tous les grands designers qui ont existé et vivent aujourd'hui étaient des révolutionnaires à leur manière qui n'ont pas respecté les règles. L'un d'eux est Bradbury Thompson. À l'époque où le CMJN faisait strictement partie de la production d'impression, il l'utilisait dans le cadre du processus créatif. Refusant d'utiliser ces couleurs pour reproduire fidèlement des images ou des nuances d'une couleur particulière, il les considérait comme quatre certaines couleurs sur la palette. Son ouverture est d'actualité à ce jour, et de nombreux designers l'utilisent avec succès.

EN GARDE À VUE…

Bien sûr, un trait nécessaire pour tout grand graphiste est le talent. Mais la gloire est-elle ainsi un élément important grandeur? Il est fort possible qu'il ne s'agisse que de votre propre ego, qui existe séparément de l'essence même du design. Peut-être qu'être un graphiste talentueux suffit aujourd'hui ?

Milton Glazer en 1974. Photo : © Cosmos Sarchiapone

Malgré son âge avancé, Milton Glaser continue d'être créatif. C'est lui qui a donné au monde New York Magazine, la célèbre affiche psychédélique à l'effigie de Bob Dylan, l'identité visuelle de la Brooklyn Brewery et, bien sûr, le symbole permanent de New York - le logo I love New York.

Milton Glazer a maintenant 80 ans, il vit à Manhattan et, bien que beaucoup prennent leur retraite à cet âge, il dirige son propre studio de design, qui bat son plein. Comme il l'a fait il y a de nombreuses années, il continue de peindre des affiches, de créer des logos et de développer l'identité de l'entreprise. En plus de la pratique, Glazer est également engagé dans la théorie : il donne des conférences dans les universités, écrit des essais et des discussions théoriques sur la relation entre le design et l'art et leur influence mutuelle, sur la profession de design et les complexités du processus créatif.

Le logo a été créé en 1977.

Enfance et apprentissage

Milton Glaser est né le 26 juin 1929 à New York dans une famille juive d'origine hongroise. Lorsque Milton avait cinq ans, son cousin a dessiné un cheval devant lui - c'est alors que Glazer a réalisé toute la puissance de l'art graphique. Il a vu pour la première fois comment quelqu'un peignait quelque chose qui existait vraiment. Il pensait qu'il pourrait créer un monde entier mouvement simple crayon. Ce sentiment enthousiaste ne le quitte pas toute sa vie.

À l'âge de dix-sept ans, Glazer a établi le désir de devenir un artiste. C'est alors qu'il s'est rendu compte que le véritable but de l'art est de nous rendre conscients ; l'art nous aide à survivre. Dans une interview avec Smashing Magazine, Glazer a déclaré qu'il était assis derrière table de cuisine et a soudainement décidé de dessiner un portrait de sa mère. A ce moment, il réalisa qu'il ne savait pas à quoi elle ressemblait. Ce n'est que lorsqu'il a décidé de dessiner sa mère qu'il s'est intéressé à son apparence.

Glazer a étudié à la High School of Music and Art de Manhattan, puis est diplômé du New York College of Cooper Union (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art) en 1951. un autre pays, à savoir en Italie. Après avoir obtenu son diplôme universitaire, Glazer est entré à l'Accademia di Belle Arti di Bologna (Accademia di Belle Arti di Bologna) grâce à la bourse Fulbright : il y a étudié dans la classe du peintre italien Giorgio Morandi.

Studios de punaises

En 1954, Glazer a fondé Push Pin Studios avec des amis d'université Reyonld Ruffins, Seymour Chwast et Edward Sorel. Sorel et Chvast ont eu l'idée de créer leur propre entreprise après avoir été licenciés du magazine Esquire le même jour. Avec leur dernier argent, ils ont loué une chambre sombre et humide sur East 17th Street à Manhattan. Quelques mois plus tard, Glazer revient d'Italie et rejoint le studio. Depuis vingt ans, Glazer et Seymour dirigent un atelier qui a eu un impact énorme sur le développement du design graphique à travers le monde.

Le moment culminant de Push Pin Studios fut l'exposition The Push Pin Style au Louvre : en 1970-1972, outre Paris, elle visita d'autres villes d'Europe, du Brésil et du Japon.

Push Pin Studios existe toujours, seulement maintenant son seul directeur est Seymour Chwast.

En 1967, Milton Glaser, alors qu'il travaillait aux Push Pin Studios, a créé un portrait psychédélique de Bob Dylan, qui a ensuite été utilisé pour la conception de la plus grande collection de tubes du chanteur.

Magazine new-yorkais

En 1968, Glazer a cofondé le New York Magazine avec Clay Felker. Glazer a été président et directeur du design jusqu'en 1977. Initialement, le magazine a été créé comme une sorte d'alternative au The New Yorker déjà existant. Il s'est avéré impétueux et direct et est devenu membre du soi-disant nouveau journalisme, une tendance du journalisme américain des années 1960 et 1970. Cette édition est devenue une icône du magazine de la ville et a engendré toute une série d'imitations.

Pendant six ou sept ans, Glazer s'est associé à Jerome Snyder pour écrire The Underground Gourmet, un guide des restaurants bon marché de New York. C'était à l'origine juste une chronique du New York Magazine. Tout le monde s'intéressait aux endroits où manger à moindre coût et délicieusement, alors la chronique est devenue si populaire qu'un livre entier a dû être publié.

Walter Bernard et Milton Glazer

WBMG

En 1983, Glazer a co-fondé WBMG avec Walter Bernard. C'était une petite maison d'édition. Au cours de leur existence, ils ont réalisé des dessins pour plus d'une cinquantaine de magazines, journaux et autres. périodiquesà travers le monde, et a également mis à jour le design de journaux aussi célèbres que l'américain The Washington Post, le catalan La Vanguardia et le brésilien O Globo.

Milton Glaser, Inc. L'art est un travail

En 1974, Glaser a fondé son propre studio, Milton Glaser, Inc., à Manhattan. , qui fonctionne à ce jour. En plus de Glazer lui-même, deux autres designers travaillent dans le studio : Sue Walsh et Jee-eun Lee. Les activités de l'entreprise couvrent presque tous les domaines du design - de la création de logos à la décoration d'intérieur. Dans la sphère graphiques imprimés studio se développe identité d'entreprise qui comprend des logos, des en-têtes, des brochures, des panneaux et des rapports annuels. Dans le domaine du design intérieur et environnemental, ils développent des concepts et dirigent la création de divers produits, intérieurs et extérieurs pour restaurants, centres commerciaux, hôtels et autres espaces de vente au détail et commerciaux.

© Milton Glazer
Logo de la brasserie Brookly. © Milton Glazer
Logo du magazine new-yorkais. © Milton Glazer
Logo de l'entreprise de semences. © Milton Glazer
Logo de disques de tomate. © Milton Glazer, 1978
Logo des anges en Amérique. © Milton Glazer
Logo de DC Comics. © Milton Glazer, 1977
Logo du théâtre de l'École des arts visuels. © Milton Glazer
© Milton Glazer
© Milton Glazer
© Milton Glazer

« Créer un logo est l'un des travaux les plus ennuyeux pour un designer. Il y a des tonnes de choses plus intéressantes." Milton Glazer a été salué comme le créateur de logo le plus prolifique au monde. En effet, très peu de personnes ont réussi à dessiner autant de signes mémorables. « Parler de logos est très ennuyeux », déclare l'Américain dans une interview avec Smashing Magazine. « Vous savez pourquoi tout le monde parle d'eux : ils rapportent de l'argent.

Le logo le plus copié au monde

Le logo de loin le plus célèbre de Glazer est I love New York, qu'il a créé au milieu des années 1970 pour campagne publicitaire pour le développement du tourisme à New York. Le logo se compose d'un I majuscule, d'un symbole de cœur rouge et de lettres majuscules NY, l'abréviation de New York. Les lettres sont dans un empattement américain de machine à écrire.

Logo de contour original

En 1977, le Département du commerce de l'État de New York a approché Wells Rich Greene pour lui demander de développer une campagne de marketing pour l'État de New York. Milton Glazer a également été amené à travailler sur le projet. Fait intéressant, Glazer a dessiné I love NY sur une base volontaire (c'est-à-dire gratuite), pensant que la campagne ne durerait que quelques mois et disparaîtrait sans laisser de trace. Mais cet emblème est devenu si populaire qu'il a commencé à être utilisé partout, et beaucoup de gens appellent I love NY le logo le plus réussi de l'histoire du design graphique.

Le logo a acquis une importance particulière après les événements du 11 septembre, faisant naître un esprit d'unité et d'entraide entre les habitants de la ville. De nombreux visiteurs de la ville portaient des T-shirts I love New York pour exprimer leur soutien à toutes les victimes de l'attaque terroriste.

Quelques jours après les événements du 11 septembre, Glazer s'est réveillé et a réalisé que son logo n'était plus ce dont les habitants de la ville avaient besoin. Ses sentiments pour la ville ont changé et le logo a dû changer aussi. C'est ainsi qu'une nouvelle version du logo avec les mots I love NY More Than Ever ( "J'aime New York plus que jamais.") avec une petite tache noire sur le coeur rouge. La position de cette zone noircie n'est pas fortuite : elle marque l'emplacement sur la carte de New York où se trouvait le World Trade Center.

Glazer a demandé de l'aide pour créer nouvelle version logo à l'École des arts visuels. Il a appelé son ami Silas Rhodes et lui a dit qu'il avait une idée : il voulait imprimer des affiches et les mettre dans le métro. En conséquence, 5 000 affiches ont été imprimées, que les étudiants ont affichées dans toute la ville. Ainsi, cette affiche était visible depuis presque toutes les fenêtres de la ville, ce qui unissait encore plus les habitants.

Le logo est devenu une icône de la culture pop et est toujours utilisé dans tout, des tasses et t-shirts new-yorkais aux bannières surdimensionnées. New York essaie de conserver les droits d'auteur du logo, mais selon les données de 2005, environ trois mille cas d'imitation ont été enregistrés.

Glazer explique comment il a esquissé le logo sur siège arrière Taxi new-yorkais : « J'étais excité. Il y avait un sentiment d'inévitabilité dans mon idée. La forme et le contenu étaient si unis qu'il était impossible de les séparer l'un de l'autre. » Glazer ne comprend toujours pas pourquoi ce logo est devenu si populaire non seulement à New York, mais dans le monde entier.

Le design comme art

Le travail de Milton Glaser a été présenté dans de nombreuses expositions à travers le monde, dont des expositions personnelles au Museum of Modern Art de New York en 1975 et au Centre Georges Pompidou à Paris en 1977. Milton Glazer a exposé de nombreuses fois en Italie. En 1991, le gouvernement italien l'a invité à organiser une exposition en l'honneur du 500e anniversaire de l'artiste italien Piero della Francesca. L'exposition a ouvert ses portes à Arezzo et un an plus tard, grâce au parrainage de Campari, s'est déplacée à Milan. En 1994, Glazer a organisé une exposition dans sa ville natale de Cooper Union College. En 1997, une rétrospective du travail de Push Pin Studios a été présentée au Japon, qui comprend des travaux personnels de Milton Glazer et d'autres artistes de studio. Cependant, une grande rétrospective de son travail a été ouverte en février 2000 à Venise, à la Fondazione Bevilacqua La Masa.

uvres graphiques de Milton Glazer.
uvres graphiques de Milton Glazer. uvres graphiques de Milton Glazer.
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uvres graphiques de Milton Glazer.
uvres graphiques de Milton Glazer.
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Contribution à la culture

Milton Glazer a reçu de nombreux prix tout au long de sa carrière, notamment le prix 2004 pour une contribution significative au développement. Design moderne du National Design Museum (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

La contribution de Glazer au développement du design graphique est énorme : pour beaucoup, il est l'incarnation vivante du design graphique américain, un exemple rare qui combine une réflexion intellectuelle profonde avec une incroyable richesse de langage visuel.

Les 10 règles de Milton Glazer

Ne travaillez qu'avec des personnes que vous aimez

Il m'a fallu beaucoup de temps pour formuler cette règle pour moi-même. Quand j'ai commencé, je pensais au contraire que le professionnalisme c'est la capacité de travailler avec n'importe quel client. Mais au fil des ans, il est devenu clair que le design le plus significatif et le plus bon a été inventé pour les clients qui sont devenus plus tard mes amis. Il semble que la sympathie dans notre travail est beaucoup plus importante que le professionnalisme.

Si vous avez le choix, ne trouvez pas de travail.

Une fois, j'ai entendu à la radio une interview du merveilleux compositeur et philosophe John Milton Cage Jr. Il avait alors soixante-quinze ans. Le présentateur a demandé : « Comment se préparer à la vieillesse ? Je me suis toujours souvenu de la réponse de Cage : « J'ai un conseil. Ne jamais aller travailler. Si vous allez au bureau tous les jours tout au long de votre vie, un jour, vous serez mis à la porte et à la retraite. Et puis vous ne serez certainement pas prêt pour la vieillesse - cela vous surprendra. Regardez-moi. Depuis que j'ai douze ans, je fais la même chose tous les jours : je me réveille et je réfléchis à la façon de gagner mon propre pain. La vie n'a pas changé depuis que je suis devenu un vieil homme."

Éviter les gens désagréables

C'est une continuation de la première règle. Dans les années 1960, il a travaillé comme gestalt-thérapeute nommé Fritz Perls. Il a suggéré qu'à tous égards, les gens s'empoisonnent mutuellement ou la nourrissent. De plus, tout ne dépend pas de la personne, mais de la relation. Vous savez, il existe un moyen simple de tester comment vous êtes affecté en communiquant avec quelqu'un. Passez du temps avec cette personne : dînez, promenez-vous ou prenez un verre, prenez un verre. Et faites attention à ce que vous ressentirez après cette réunion - excité ou fatigué. Et tout deviendra clair.

L'expérience ne suffit pas ou pourquoi est un bon ennemi d'un exceptionnel

J'ai déjà dit que dans ma jeunesse j'étais obsédé par le professionnalisme. En fait, l'expérience est une autre limitation. Si vous avez besoin d'un chirurgien, vous vous référerez probablement à quelqu'un qui a fait cette opération particulière à plusieurs reprises. Vous n'avez pas besoin d'une personne qui a l'intention d'inventer nouvelle façon utiliser un scalpel. Non, non, pas d'expériences, s'il vous plaît, faites tout comme vous l'avez toujours fait et comme vous l'avez fait avant vous. Dans notre travail, l'inverse est vrai : celui qui ne répète pas après lui-même et après les autres est bon. Bon concepteur veut utiliser le scalpel d'une nouvelle manière à chaque fois, ou décide d'utiliser un arrosoir de jardin au lieu du scalpel.

Moins n'est pas toujours mieux

Nous avons tous entendu l'expression "moins c'est plus". Ce n'est pas tout à fait vrai. Un beau matin, je me suis réveillé et j'ai réalisé que c'était probablement un non-sens complet. Cela peut paraître bien, mais dans notre domaine, ce paradoxe n'a pas de sens. Souvenez-vous des tapis persans, « moins » serait-il mieux dans leur cas ? La même chose peut être dite pour le travail de Gaudí, le style Art Nouveau et plus encore. Par conséquent, je me suis formulé une nouvelle règle : c'est mieux quand tout est exactement autant que nécessaire.

Ne faites pas confiance aux styles

Je suis sûr que vous avez tous vu les illustrations de Picasso pour le Chef-d'œuvre inconnu de Balzac. Il a dépeint un taureau à douze différents styles: de la manière naturaliste à l'abstraction en un seul trait. V dans ce cas le style est un concept non pertinent. Il est insensé de s'abandonner à un seul style, car aucun d'entre eux ne vous mérite entièrement. Pour les designers de la vieille école, cela a toujours été difficile, car au fil des ans, l'écriture manuscrite et le vocabulaire visuel se développent. Mais la mode des styles est médiatisée par des indicateurs économiques, c'est-à-dire pratiquement par les mathématiques - vous ne pouvez pas discuter avec elle. Marx a écrit à ce sujet. Par conséquent, tous les dix ans, le paradigme stylistique change et les choses commencent à être différentes. Il en va de même pour les polices et les graphiques. Si vous prévoyez d'exister dans la profession pendant plus d'une décennie, je vous recommande fortement d'être prêt pour ce changement.

Le style de vie change votre façon de penser

Le cerveau est l'organe le plus sensible de notre corps. Il est le plus susceptible au changement et à la régénération. Il y a plusieurs années, une curieuse histoire a déferlé dans les journaux sur la recherche du pitch parfait. Comme vous le savez, une telle rumeur est rare même parmi les musiciens. Je ne sais pas comment, mais les scientifiques ont découvert que les personnes avec un pitch parfait ont une structure cérébrale différente : certains lobes sont en quelque sorte déformés. Cela en soi est intéressant. Mais ensuite, ils ont découvert quelque chose d'encore plus surprenant : si des enfants de quatre ou cinq ans apprennent à jouer du violon, il y a de fortes chances que l'un d'entre eux commence à modifier la structure du cortex cérébral et développe une tonalité parfaite. Je suis sûr que le dessin affecte le cerveau autant que la musique. Mais au lieu d'entendre, nous développons l'attention. La personne qui dessine fait attention à ce qui se passe autour de lui - et ce n'est pas aussi facile qu'il n'y paraît.

Le doute vaut mieux que la confiance

Tout le monde dit qu'il est très important d'avoir confiance en ce que vous faites. Mon professeur de yoga m'a dit un jour : « Si vous pensez avoir atteint l'illumination, vous venez de courir dans votre propre boîte. Cela est vrai non seulement dans la pratique spirituelle, mais aussi dans le travail. Pour moi, toutes les positions idéologiques formées sont douteuses, car la perfection est un développement sans fin. Je deviens nerveux quand quelqu'un croit catégoriquement en quelque chose. Il faut tout remettre en question. Pour les designers, ce problème apparaît même en école d'art, où l'on enseigne la théorie de l'avant-garde et que la personnalité peut changer le monde. D'une certaine manière, c'est vrai, mais le plus souvent, cela se termine par des difficultés d'estime de soi créative. Coopération commerciale avec quelqu'un - c'est toujours un compromis, et il ne faut en aucun cas y résister. Vous devez toujours admettre la possibilité que votre adversaire ait raison. Il y a quelques années, j'ai lu Iris Murdoch meilleure définition amour : "l'amour est une réalisation extrêmement difficile que quelqu'un d'autre que nous est réel." C'est génial et décrit absolument toute coexistence de deux personnes.

Cela n'a pas d'importance

Le dernier anniversaire, j'ai reçu un livre de Roger Rosenblatt, Rules for Aging. Je n'ai pas aimé le titre, mais le contenu m'a intéressé. La toute première règle suggérée par l'auteur s'est avérée être la meilleure. On dirait "ça n'a pas d'importance". Peu importe ce que vous pensez - suivez cette règle et cela ajoutera des décennies à votre vie. Peu importe si vous êtes en retard ou arrivez à l'heure, vous êtes ici ou là, vous n'avez rien dit ou dit quelque chose, vous êtes intelligent ou stupide. Peu importe votre coiffure ou la façon dont vos connaissances vous regardent. Que vous soyez promu au travail, que vous achetiez une nouvelle maison, que vous obteniez un prix Nobel, cela n'a pas d'importance. C'est la sagesse !

Dis la vérité

Parfois, il me semble que le design n'est pas le meilleur endroit pour rechercher la vérité. Bien sûr, il y a une certaine éthique dans notre communauté, qui semble même s'inscrire quelque part. Mais il n'y a pas un mot sur la relation du designer avec la société. Ils disent qu'en URSS sous Staline, tout ce qui était vendu avec l'étiquette "veau" était en fait du poulet. Depuis lors, j'ai été tourmenté par la question, qu'est-ce qui était alors vendu sous le couvert de poulet? Les créateurs n'ont pas moins de responsabilité que les bouchers, ils doivent donc faire attention à ce qu'ils vendent aux gens sous couvert de veau. Les médecins ont prêté serment : « Ne faites pas de mal. Je crois que les designers devraient aussi avoir un serment : "Dites la vérité."

Ne soyez pas paresseux et félicitez les graphistes que vous connaissez pour la fête professionnelle du 9 septembre. D'ailleurs, cette année ils ont un petit anniversaire : depuis dix ans maintenant, ils fêtent leur Fête ! Qui sont-ils et pourquoi ils célèbrent au début de l'automne - dans notre matériel.

Le design graphique n'est pas du tout une spécialité étroitement ciblée, comme on pourrait le penser. Les résultats du travail des graphistes nous accompagnent absolument partout : la conception de livres et de magazines, de banderoles et affiches publicitaires, de panneaux de signalisation et de navigation dans les aéroports. Même si vous devez créer une police, un logo ou un emballage, vous devez vous y référer.

Le design graphique est le résultat de la fusion de l'art commercial (affiches, affiches, bannières) et moderne arts visuels le tournant des XIX-XX siècles. Certains des graphistes les plus célèbres et les plus réussis : Alan Fletcher - le créateur du logo Reuters et du Victoria and Albert Museum, Jim Parkinson est connu pour son travail avec Newsweek, les Rolling Stones, le Washington Post, Milton Glaser et son "I Love New York", le suisse Armin Hofmann et affiche publicitaire pour le ballet "Giselle", etc.

La Journée du graphiste en Russie et dans les pays de la CEI a été instituée en 2005 le jour du 50e anniversaire du célèbre graphiste russe VB Chaika (9 septembre). Vladimir Borisovich est un maître reconnu au niveau international, le premier à avoir reçu le Prix RF dans le domaine de l'art et de la littérature. Il est membre de l'Union des designers de Russie, de l'Union des artistes de Russie, associations internationales Biennale de Brno et AGI (Alliance Graphigue Internationale). Ses œuvres sont apparues à plusieurs reprises comme les meilleures dans diverses expositions et festivals (à Helsinki, Moscou, Brno, Varsovie, Zagreb, Kharkov). Seagull est surtout connu pour ses affiches. Chaque année, dans de nombreux pays, des expositions de ses œuvres sont organisées, et certaines font même partie des collections de divers musées.

Malgré le fait que le niveau des universités nationales est inférieur à celui des universités étrangères, nous avons un grand nombre de designers qui maîtrisent indépendamment la profession et travaillent maintenant avec succès non seulement en Russie. Il est tout à fait possible d'y parvenir avec un grand désir et un grand nombre de ressources sur Internet dédiées à la conception et à la facilitation du travail des spécialistes. Par exemple, il existe des plateformes spéciales où vous pouvez chercher de l'inspiration et partager des expériences (Dribble, Behance, Marvel) ; sites avec sélection de couleurs et de polices (Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja); des forums et des cours (Dzhurka, Design Mama) et, bien sûr, des banques de photos, où les designers peuvent non seulement vendre leurs œuvres, mais aussi en acheter d'autres pour créer de nouveaux projets (PressFoto).

L'équipe PressFoto félicite les graphistes pour leurs vacances professionnelles et souhaite plus de luminosité et idées intéressantes, de nouveaux projets prometteurs !