Présentation "Architecture moderne" vous présentera les principes de base et les caractéristiques externes du style Art nouveau dans l'art du tournant des XIXe-XXe siècles.

L'architecture Art nouveau

Je conclus la conversation sur le travail des artistes : Cézanne, Gauguin, etc. Les prochaines présentations introduiront le symbolisme et la modernité dans l'art au tournant des XIXe et XXe siècles.

Cela s'est passé il y a plus de vingt ans. De professeur d'école primaire, je suis devenu professeur de culture artistique mondiale. Pendant quatre ans, j'ai eu la chance d'écouter un cours sur l'art de l'inoubliable Vera Vasilievna Alekseeva, critique d'art, auteur du livre et du cours vidéo " Qu'est-ce que l'art"... C'est alors que je suis tombé amoureux de l'art moderne pour le reste de ma vie.

« Le manoir est si laid et ridicule que même les congères honnêtes et les blocs de neige, dont il est entouré et recouvert, n'atténuent pas son dégoût.».

« L'exemple le plus laid du style décadent. Il n'y a pas une seule ligne honnête, pas un seul angle droit. Tout est gâché avec des gribouillis obscènes, des escrocs arrogants médiocres. Escaliers, plafonds, fenêtres - partout cette vulgarité sale. Maintenant peint, verni et donc même sans pudeur."

Korney Chukovski

Cette caractéristique appartient à l'un des plus beaux monuments de l'architecture Art nouveau - le manoir Ryabushinsky, je voudrais dire "créé" par mon architecte préféré Fyodor Osipovich Shekhtel. Comme j'aime ça "Gribouillis obscènes et escrocs impudents incompétents", ce qui a tant indigné le célèbre écrivain.

Le manoir de Ryabushinsky

Présentation "Architecture Moderne"

Le but de ma présentation, créée pour une leçon sur la culture de l'art mondial, était de familiariser les élèves de onzième avec l'architecture de l'Art nouveau et d'essayer d'attirer leur attention sur ces nombreux monuments Art nouveau, par lesquels ils passent généralement indifféremment en se promenant dans le ville.

Ne passez pas à côté !

Les résidents de différentes villes de Russie, d'Europe et d'Amérique peuvent admirer les monuments de l'architecture Art Nouveau. Malgré le fait qu'ils aient été créés par des architectes différents, ils sont unis par des caractéristiques communes caractéristiques de l'Art Nouveau.

Style moderne remplacé éclectisme... « moderne » signifie « nouveau ». La nouveauté consistait dans l'utilisation de nouveaux matériaux de construction et de finition : béton, verre, métal, ainsi que dans la volonté des architectes d'abandonner les angles vifs et les murs plats au profit de lignes naturelles naturelles. Les architectes Art Nouveau se sont efforcés de créer un environnement confortable et certainement magnifique pour l'habitation humaine. Chaque détail de l'intérieur a été pensé : des meubles et lampes aux poignées de porte et volets de fenêtre aux robes de l'hôtesse, qui étaient censées être en harmonie avec l'intérieur.

Le design dans l'architecture moderne

En vous promenant dans les rues de votre ville natale, faites attention au bâtiment, qui se caractérise le plus souvent par un volume asymétrique (les architectes ont planifié la structure de l'intérieur, en fonction de la commodité pour les habitants), la présence de doubles et triples fenêtres ( de plus, les fenêtres et les portes ont souvent des formes ou des extrémités ovales). Baies vitrées, décoration de façade avec des carreaux de céramique émaillée (sanglier) ou du plâtre texturé, des têtes féminines gracieuses avec de longues mèches de cheveux, un ornement floral d'algues, de lianes, d'orchidées, de merveilleuses grilles en fonte de clôtures et de balcons - tous ces éléments sont des signes de l'Art Nouveau architecture. Arrêter! Regarde bien! N'est-ce pas si agréable à l'œil ?!

« Malgré la richesse des idées artistiques et de nombreuses tendances originales, le style Art Nouveau n'a pas été développé davantage. L'influence de l'architecture industrielle sur l'architecture civile a conduit à l'émergence du modernisme, dont l'une des manifestations était le constructivisme. Dans divers mouvements constructivistes, le contenu artistique et imaginatif de l'art a disparu, le contenu humain a disparu et la « connexion des temps » a été interrompue et, comme l'écrivait Nikolaï Berdiaev en 1917, « les frontières séparant un art d'un autre et l'art en général de ce n'est plus l'art ont été brisés." C'est pourquoi l'Art Nouveau est appelé "le dernier grand style artistique" "Emohonova L.G.

Bonne chance!

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Développement de l'Art nouveau en Russie (19-20 siècles) Une étape importante dans la reconnaissance du "nouveau style" a été le IIIe Congrès (1900), qui s'est tenu à l'ère de la croissance industrielle. Lors de l'exposition organisée lors de ce congrès, le nombre d'œuvres exécutées dans le « nouveau style » a augmenté. De nombreux architectes ont résolument suivi la voie de l'utilisation de la décoration typique de l'Art Nouveau. Parmi eux, il faut citer l'architecte de Saint-Pétersbourg A.I. von Gauguin, qui avait auparavant utilisé des formes d'éclectisme dans ses projets. Cette exposition a de nouveau été suivie par Kekushev, Shekhtel et Ivanov-Shits - cette fois avec encore plus d'œuvres et, de plus, dans un "nouveau style". L'interprétation des traditions architecturales dans les projets des architectes moscovites était assez libre. Le développement du style Art nouveau en architecture s'est déroulé sous le signe de la lutte contre la stylisation rétrospective et l'éclectisme. Mais le résultat de cette lutte n'était souvent qu'un nouveau traitement des techniques traditionnelles accumulées au cours des siècles dans l'architecture russe et mondiale en fonction de nouveaux matériaux et structures de construction. Les représentants de l'Art nouveau, rejetant les traditions artistiques séculaires de l'architecture et essayant d'inventer de nouvelles formes, se sont tournés en même temps vers les motifs de styles à moitié oubliés ou peu connus, comme, par exemple, l'architecture gothique et japonaise Les architectes de cette époque s'élevait parfois à une certaine prévoyance de l'avenir de l'architecture. Mais, étant complètement dépendants du client, ils ne pouvaient pas faire grand-chose pour rapprocher cet avenir. Et pourtant, les pousses de l'architecture rationnelle, qui se frayaient un chemin à travers la coque décorative de l'Art nouveau naissant, mûrissaient et se renforçaient.

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Style d'art moderne (fr. Moderne - moderne) en Europe et
Art américain de la fin du XIX - début du XX siècles.
(autre nom de l'art nouveau).
Différents pays ont adopté des noms de style différents
"moderne":
"Art Nouveau" en France, Belgique,
« Jugendstil » (Jugendstil) en Allemagne,
"Sezession" en Autriche,
Liberté en Italie

La carte de visite du style est la broderie d'Herman Obrist "La Frappe du fléau" ("Cyclamen")

Victor Orta

Victor Orta

Victor Horta. La maison de Tassel. 1893. Bruxelles

Caractéristiques Art Nouveau

Grille métallique de style Art Nouveau

Le verre comme l'un des principaux matériaux de décoration

Hector Guimard

Hector Guimard (1867-1942)

Hector Guimard. Le portail de l'hôtel Béranger. 1897-1898

Hector Guimard

Moderne style dans l'art européen et américain de la fin du XIXe - début du XXe siècles (du français moderne- le plus récent, moderne).

Dans différents pays, il a reçu des noms différents: en Russie - "moderne",

en France, Belgique et Angleterre - "Art Nouveau",

en Allemagne - "Art Nouveau",

en Autriche-Hongrie - "sécession",

en Italie - "liberté" etc.

La base idéologique de l'émergence de la modernité était les vues philosophiques et esthétiques de F. Nietzsche, A. Bergenson et d'autres. Selon la pensée de ses théoriciens, la modernité aurait dû devenir un mode de vie d'une nouvelle société, créer un environnement objet-spatial intégral et esthétiquement riche autour d'une personne.

Dans les années 1860-1870, le style éclectique domine en Europe, qui consistait à citer et à répéter des styles artistiques antérieurs. Mais déjà dans années 1880 dans les œuvres d'un certain nombre de maîtres, un nouveau style a commencé à se développer, qui oppose l'éclectisme aux nouvelles techniques artistiques. William Morris (1834-1869) a créé des meubles inspirés de motifs floraux et Arthur McMurdo (1851-1942) a utilisé des motifs élégants et ondulés dans les graphiques de livres. La caractéristique la plus notable de l'Art Nouveau était le rejet des angles droits et des lignes au profit de lignes courbes plus douces. Souvent, les artistes ont pris des ornements du monde végétal comme base de leurs dessins. "Carte de visite" ce style était la broderie d'Herman Obrist « Frappe du fléau. C'est ainsi que l'origine du style "moderne ». Modern aspirait à devenir un style synthétique unique, dans lequel tous les éléments de l'environnement humain étaient fabriqués dans une seule clé.

Cercle d'idées moderne souvent emprunté, symbolisme. mais L'Art nouveau était remarquable par sa contradiction interne : il était axé sur un goût raffiné et raffiné, soutenait les principes de « l'art pour l'art » et s'efforçait en même temps de servir et « éduquer » le consommateur de masse.

Valeur exceptionnelle dans la modernité avait principes particuliers façonner . Ils consistaient en assimilation aux formes et structures naturelles et organiques . Lieu important dans la pratique artistique Art nouveau occupé ornement, surtout légume.

Jeu de couleurs moderne - principalement tons froids et délavés .

Pour la peinture art nouveau typiquement début décoratif accentué, coloration et rôle exclusif des lignes et contours fluides.

Marque de fabrique de l'époque Art Nouveau était programmatique universalisme des artistes engagés dans une grande variété d'activités artistiques... Cela s'est particulièrement clairement manifesté dans le travail des maîtres de l'association "World of Art" et du cercle d'Abramtsevo près de Moscou, dont beaucoup étaient à la fois peintres, livres

graphistes, décorateurs,

créateurs de mode, etc.

Avec la peinture art nouveau liés P. Gauguin, M. Denis,

P. Bonnard en France, G. Klimt en Autriche, E. Munch

en Norvège, M. Vroubel, V. Vasnetsov, A. Benois,

L. Bakst, A. Golovin, K. Somov en Russie.

Fin des années 1880 en France P. Gauguin et un groupe de ses disciples, appelant à suivre les "mystérieuses profondeurs de la pensée", s'est rapproché du symbolisme. Dans les années 1890 et en France (le groupe "Nabis"), et dans d'autres pays, le symbolisme a trouvé une base stylistique assez large dans "moderne", devenant un élément indissoluble, souvent définissant de ses programmes artistiques, structure imaginative et significative, poétique. P. Gauguin est le père fondateur du Symbolisme.

Avec le "Christ vert", la création du "Christ jaune" est considérée comme l'une des œuvres clés de Gauguin dans la symbolique

Maurice Denis - Peintre symboliste français. À partir de 1887, Maurice Denis étudie à Paris à l'Académie Julian et à l'École des Beaux-Arts. Influencé par Paul Gauguin. Avec Pierre Bonnard, Paul Sérusier et Edouard Vuillard Maurice Denis a fondé un groupe d'art "Nabi" et est considéré comme son théoricien le plus éminent. Conformément aux idées de cette direction de la peinture, Maurice Denis a écrit des peintures qui se distinguaient par la simplicité des formes, des lignes douces et des couleurs pâles. Au cours de ces années, Denis a reçu le surnom de « Nabis des belles icônes », qui lui a été donné en raison du caractère simplifié et légèrement archaïque de sa peinture. En 1919, Maurice Denis participe à la création des « Ateliers d'art religieux », est à la tête de la « néo-traditionaliste

À vingt ans, Denis a fait la déclaration suivante, qui est souvent considérée comme la clé pour comprendre la peinture moderne : "Rappelez-vous que l'image - avant d'imaginer un cheval de guerre, ou une femme nue, ou n'importe quelle anecdote - est plate surface recouverte de peintures dans un ordre précis. Cette perception de l'art a finalement conduit la peinture à l'abstraction.

Pierre Bonnard- Peintre, dessinateur, lithographe français. Peintre - néo-impressionniste, symboliste. Dans sa jeunesse, il a étudié le droit. La gravure japonaise classique, ainsi que les œuvres du célèbre peintre Paul Gauguin, ont grandement influencé son travail. Pendant quelque temps, Bonnard fait partie d'un groupe de jeunes peintres, organisé par Gauguin lui-même et fortement influencé par les œuvres symboliques et synthétiques de son fondateur. Ils ont dit à son sujet: "Il sait comment décorer les côtés de notre vie avec des motifs pleins d'esprit et arc-en-ciel de son imagination." La beauté sensuelle et festive de ses toiles était donnée par la combinaison habile du rythme souple des lignes avec de subtils contrastes de couleurs. Bonnard était dans l'artistique groupe "Nabis", lutter pour l'image en simplifiant la couleur, le dessin et l'intrigue, ce qui se reflète pleinement dans ses œuvres, non seulement picturales, mais aussi lithographiques. Parlant couramment le langage des couleurs et des lignes, il a transféré la principale charge sémantique de ses œuvres sur la voie de l'expression de soi. Couleur chaude, enveloppante, confort pittoresque, contemplation de l'auteur remplissent toutes les œuvres de Bonnard. Le nom de cet artiste est étroitement associé au concept d'"école parisienne", qui a répandu dans le monde entier la vision du monde particulière des jeunes artistes français.

Gustav Klimt(1862-1918), le plus célèbre des peintres autrichiens. Un des plus représentants brillants du style Art Nouveau. Né à la périphérie de Vienne dans la famille d'un artiste graveur. Diplômé de l'École des Arts Décoratifs de Vienne. Ses premiers travaux consistaient principalement en de grandes peintures murales de théâtre et ont été peints dans un style naturaliste. Les peintures de Klimt combinent deux forces opposées ; avec une des soirées- c'est la soif de liberté absolue dans la représentation des objets, qui conduit au jeu des formes ornementales. Ces œuvres sont en fait symboliques et doivent être considérées dans le contexte du symbolisme comme l'expression d'un monde inaccessible se tenant au-dessus du temps et de la réalité. Avec un autre des soirées- c'est le pouvoir de perception de la nature, dont l'influence adoucit la splendeur de l'ornementation dans ses tableaux.

Baiser 1908 .

Frise Beethoven 1902 .

Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel était aux origines du symbolisme russe en Russie. Il s'est tourné vers le symbole pour tenter de représenter le non représenté, de comprendre l'inconnu, de voir l'invisible. Le véritable élément des peintures de Vrubel est le silence, le silence qui semble être entendu. Son monde est plongé dans le silence. Il dépeint des moments d'indicibles, des sentiments qui ne rentrent pas dans les mots. Le duel silencieux des cœurs, des vues, une méditation profonde, une communication spirituelle silencieuse s'exprime dans le symbolisme que l'on peut voir dans ses peintures. Au tournant du siècle, la direction des goûts a changé, maintenant le public lisait Ibsen, les Symbolistes et fréquentait le Théâtre d'Art. Et il y a eu une confession de Vroubel. Sur fond de nouvelles tendances, la saleté émotionnelle de son art, son symbolisme, son culte sont devenus de plus en plus intelligibles et acceptables beauté et secrets.

Rêves de princesse 1895.

Fille sur le fond d'un tapis persan

Ange avec encensoir et bougie, tête de démon sur fond de montagnes, démon assis, démon volant, démon vaincu,

Portrait d'un fils, Lamentation funéraire, Vierge à l'Enfant, Pieta, Rose dans un verre,

Vasnetsov Viktor Mikhaïlovitch (1848-1926) grand artiste russe, l'un des fondateurs de l'Art nouveau russe dans sa version nationale-romantique. Vasnetsov - le fondateur d'un "style russe" spécial dans le symbolisme et la modernité européens communs.Le peintre Vasnetsov a transformé le genre historique russe, combinant les motifs du Moyen Âge avec l'atmosphère passionnante d'une légende poétique ou d'un conte de fées; cependant, les contes de fées eux-mêmes deviennent souvent pour lui le sujet de grandes toiles.

Des principes " à la russe " Le maître s'est également développé dans le domaine de l'architecture et du design : selon les croquis de Vasnetsov, stylisant l'antiquité russe antique, l'église du Sauveur non faite de mains (1881-1882) et la cabane sur cuisses de poulet (1883) ont été érigées à Abramtsevo, et à Moscou - une croix commémorative sur le site du meurtre du grand-duc Sergueï Alexandrovitch au Kremlin (1905, détruite sous le régime soviétique, recréée sur le territoire du monastère Novospassky de Moscou) et la façade de la galerie Tretiakov (1906).

Bogatyrs, Alyonushka, Ivan Tsarevich sur un loup gris, Princesse - grenouille, Trois princesses du royaume des ténèbres, Sirin et Alkonost, Chevalier à la croisée des chemins, Tapis-avion, Tsar Ivan le Terrible, Après la bataille d'Igor Svyatoslavovich avec les Polovtsy, Le combat de Dobrynya Nikitich avec un dragon à trois têtes

Benois Alexandre Nikolaïevitch (1870-1960) graphiste, peintre, artiste de théâtre, éditeur, écrivain, l'un des auteurs de l'image moderne du livre. Représentant de l'Art nouveau russe. Ils ont parlé de lui comme d'un critique d'art talentueux qui a transformé les idées établies sur le développement de l'art russe. Benois est devenu l'un des organisateurs et idéologues de l'association artistique "World of Art", a fondé le magazine du même nom.

Tout au long de sa vie, Alexandre Nikolaïevitch Benois a dirigé la partie artistique de l'entreprise de Diaghilev, où il a souvent participé à ses Saisons russes. Il a également réussi à travailler en tant que directeur et artiste du Théâtre d'art de Moscou. Dans l'œuvre de Benoit l'artiste, l'histoire domine de manière décisive. Deux thèmes attiraient invariablement son attention : « Pétersbourg au XVIIIe - début du XIXe siècle ». et "La France de Louis XIV". La place principale dans l'œuvre d'A. Benois est occupée par les paysages. Sur ses toiles, l'artiste a exprimé l'idée de l'éternité de la nature et des créations créées par les mains des hommes, et s'est concentré sur la fugacité et la fugacité de la vie humaine. C'était le paysage qui reflétait pleinement la vision du monde de l'artiste. Benoit dépeint la vie de cour, où il met l'accent sur les conventions, oppose sa beauté artificielle à la prose de la vie réelle. Le paysage de Benoit rappelle le paysage historique, stylisé comme l'art de l'ère de l'absolutisme. La coloration de Benoit manque d'un sens vif de la couleur.

The King's Walk, Paul Ier Parade, Comédie italienne, Apollon et Daphné, Pierre Ier marchant dans le jardin d'été, Pavillon chinois, Graphiques de livres, Croquis de paysages

Lev Samoïlovitch Bakst (1866-1924) n'est pas venu immédiatement à son système de pensée artistique, sa manière créative originale. Au tout début du siècle, ses recherches créatives s'orientent vers le genre du portrait. Il crée portraits psychologiques aigus d'un grand philosophe religieux et écrivain russe V. V. Rozanova ; organisateur des saisons russes S.P.Dyagilev. Dans ses portraits graphiques des poètes symbolistes Zinaida Gippius et Andrei Bely, l'artiste n'est pas inférieur en niveau de compétence aux œuvres de Serov et Somov. Le style Art Nouveau est le plus systématiquement mis en œuvre par Bakst dans le tableau "Supper". L'artiste a représenté une dame à une table avec des oranges. Son regard est dirigé vers le spectateur, la ligne de la figure est courbe. L'expressivité des lignes et des taches triomphe ici. Des esquisses tardives de costumes et de décors théâtraux de Bakst font écho à cette image avec leur harmonie et leur dynamique énergiques. La passion pour l'antiquité et un voyage en Grèce avec Serov en 1907 deviennent pour Bakst une source de stylisation dans l'esprit de l'archaïque grec. Cet intérêt pour l'antiquité culmine dans le grand panneau décoratif Ancient Horror. L'artiste a dépeint la mort de la civilisation sous l'influence des éléments : la mer est prête à engloutir les temples antiques, les colonnes antiques, les rochers côtiers s'effondrent. Et au premier plan, dos à tout, est représentée Aphrodite au sourire figé, comme si elle ne s'apercevait pas du désastre. L'image a l'air assez relative. L'idée de Bakst dans ce panel était, évidemment, que l'art ne peut pas périr. Le point culminant du développement du talent de Bakst a été son travail de conception, de théâtre et de décoration pendant les saisons russes Diaghilev à Paris à la fin de la première décennie du 20e siècle.

Golovine Alexandre Iakovlevitch (1899 - 1969)- Artiste russe, scénographe, représentant du Symbolisme et de l'Art Nouveau. Il était membre de l'association World of Art.A la fin du 19ème siècle, il s'est engagé dans la conception d'intérieurs, de meubles et d'ustensiles, a participé à la conception du pavillon russe à l'Exposition universelle de Paris (avec son ami KA Korovine; 1900) et la création de la frise en majolique du Métropol" (1900-1903).

Au début du siècle, il reçoit une invitation au théâtre. Le premier succès dans le nouveau domaine lui a valu de travailler au Théâtre Bolchoï (les opéras Ice House d'A.N. Koreshchenko, 1900 ; et la femme pskovite N.A. Rimsky-Korsakov, 1901). pour le poste d'artiste en chef des théâtres impériaux (Carmen J Bizet, 1908, et Orphée et Eurydice KV Gluck, 1911, au Mariinsky ; AN Ostrovsky's Thunderstorm, 1916, et M.Yu. Lermontov's Masquerade, 1917, à l'Alexandrinsky Golovin a également travaillé pour l'entreprise de SP Diaghilev à Paris (Firebird par IF Stravinsky, 1910). Les peintures de chevalet du maître, généralement peintes à la détrempe et aux pastels, constituaient une section créative originale. - portraits, paysages et natures mortes décoratives en couleurs, dans lesquelles Art nouveau et expressionnisme sont également organiquement combinés (Pavlovsk, 1910; Porcelaine et fleurs, 1915; les deux tableaux sont à la galerie Tretiakov, Moscou. Ses portraits théâtraux sont devenus des documents d'art classiques.

Constantin Andreïevitch Somov (1869-1939), – peintre et gra-

fick, maître du portrait, représentant de la Russie Symbolisme et modernité. L'un des fondateurs

magazine "World of Art", membre de l'association du même nom.

La manière de Konstantin Somov correspondait à l'esthétique du "monde de l'art", combinant l'harmonie des rêves avec la réalité, se distinguait par la poésie des images combinée avec la sophistication et la spiritualité. Rétrospectivisme, élégance, raffinement sont inhérents à son travail.

Le but de la leçon : création de conditions pour la divulgation des particularités de l'Art Nouveau en peinture et en architecture à travers le potentiel analytique et créatif des lycéens.

Tâches:

• réalisation de travaux indépendants par des lycéens en groupe (analyse d'œuvres d'art) ;
• présenter aux étudiants une variété d'approches créatives grâce à du matériel de démonstration visuelle;
• effectuer un travail créatif pour créer un motif ornemental dans le style moderne;
• démonstration de la perception subjective des problèmes moraux du style artistique par les élèves du gymnase.

Matériel de cours :

• présentation informatique (ordinateur, projecteur, écran);
• ordinateurs avec accès Internet;
• cahiers, crayons de couleur.

Planification schématique détaillée de la leçon :

PENDANT LES COURS

J'accueille

Annonces du travail créatif à venir pour créer un dessin dans un nouveau style. Démonstration de trois œuvres dans un style nouveau (inexploré) : "Le Baiser" de G. Klimt, "Le Démon" de M. Vrubel, "Maison de Mila" de A. Gaudi ( Annexe 1 , diapositive 1)

II. Prof:

- Rappelons-nous ce que nous avons décrit dans la dernière leçon (Deux pommes, l'une dans l'esprit de l'impressionnisme et l'autre dans le post-impressionnisme).

- En quoi ces deux pommes sont-elles différentes ? (Les moyens d'expressivité et l'idée qui sont incrustés dans cette image sont notés, ce qui y sera significatif pour les impressionnistes et post-impressionnistes)
- Qu'en pensez-vous, quels moyens d'expressivité de l'impressionnisme ou du post-impressionnisme sont utilisés dans les œuvres présentées ? (Par le biais de l'expressivité, ces œuvres seront proches du post-impressionnisme, grâce au dessin linéaire, à la netteté de la silhouette)
Sortir: L'essentiel c'est les images symbole

Association des Artistes "Monde de l'Art" "Sécession" (diapositive 10).
Moderne se concentre sur les traditions opposées à l'Antiquité et à la Renaissance, sur l'art pré-Renaissance, sur le Moyen Âge russe et occidental (diapositive 11).
La modernité se caractérise par une soif d'images « hybrides » - sirènes, centaures, sphinx (diapositives 12-16).
Des symboles étranges de l'obscurité et de la nuit sont utilisés. La palette de couleurs moderne donne au spectateur le sentiment d'être dans le royaume sous-marin, dans le monde des symboles ambigus (diapositives 17-19).
Les rêves de la belle, l'extraterrestre sont caractéristiques (diapositives 20-21).
Il y a une adhésion aux images de la nature et surtout à l'élément eau. Il cherche à restaurer le lien entre l'homme et la nature, qui se manifeste par la large pénétration des motifs « végétaux » (diapositives 22-29).
Le design moderne s'ouvre. Unité de style et d'ensemble (diapositives 30-31).
Un objet, un motif est signe d'un contenu différent, universel et éternel. Externe et interne, visible et invisible sont inséparables.
Le moderne est sujet à la stylisation (diapositive 33).

Exercer: Parmi les mots proposés, sélectionnez uniquement ceux qui seront caractéristiques du style moderne.
Mots : beauté, vide, spiritualité, réalisme, symbole, splendeur, décoratif, harmonie, frivolité, primitivité, euphémisme, narration, nationalité, orientalisme, canonicité., Expression de soi.

Exercer: Supposons et décrivez ce qui suit :

• Forces du style (beauté, synthèse des arts, expression de soi, etc.)
• Faiblesses du style (incompréhensibilité des symboles, éloignement de la réalité)
• Possibilités de style ("La beauté sauvera le monde", large application dans la conception)
• Risques (coût élevé du projet, en raison de la liberté d'expression, entrer dans le chaos - modernisme))

Vi. Travail créatif

Image d'une fleur dans le style Art Nouveau. 34, 35 diapositives sont présentées avant le travail créatif Annexes 1 , où les élèves du gymnase choisissent parmi les emblèmes proposés de différents arts réalisés dans le style Art Nouveau.
Au tableau, l'enseignant représente une fleur ordinaire de forme simple. Les lycéens sont invités à représenter cette fleur dans l'esprit de l'Art Nouveau, en compliquant sa forme, en ajoutant un motif ornemental.

Un exemple de travail créatif effectué

V. Parmi les aphorismes proposés, les citations, les déclarations des élèves, il est proposé de choisir le plus reflétant le sujet de la leçon.

• « L'art nouveau a été prétentieux et narcissique dès le début. Cela conduisait inévitablement à toutes sortes d'exagérations, d'incongruités et d'extravagances..."
• « Quiconque entreprend de dépeindre une personne, il joue toujours en même temps lui-même » ( M. Montaigne b)
• "La peinture est quelque chose de semblable entre la pensée et la chose" ( S. Coleridge)
• "La présence personnelle nuit à la célébrité" ( F. Pétrarque)
• "Une grande partie de ce qui s'appelle l'art contemporain babille sur ce qui a déjà été clairement dit par l'art ancien."
• « Une maison doit aller à son propriétaire comme une robe impeccablement taillée » architecte ( V. Orta)
• "C'est la quatrième fois que je regarde ce film et je dois vous dire qu'aujourd'hui les acteurs ont joué comme jamais auparavant" ( F. Ranevskaïa)