Grafik tasarım, ulusal etkilerden etkilenerek kültürden kültüre değişir. Kültürel gelenekler, tarih ve yaşam tarzı. Tıpkı müzikte ve sanatta olduğu gibi estetik de grafik Tasarım kültürden kültüre farklılık göstermektedir.

Latin Amerika grafik tasarımı, Latin Amerika'nın partilere ve kutlamalara olan sevgisini gösterir. Latin Amerikalı grafik tasarımcıları, konu kullanım söz konusu olduğunda önyargılara bağlı değildir. parlak renkler ve zıt unsurlar.

Minimalizm de kullanılıyor, ancak esas olarak web tasarımında - ve diğerleriyle aynı "minimalizm" değil. Dünya Latinlerden çok şey öğrenebilir; mesela hayatı fazla ciddiye almamak ve eğlenmek gibi. Tasarımı sadece görsel olarak değil altı duyumuzla algılamayı öğretiyorlar.

Çin

Çin bunlardan biri Antik Uygarlıklar, en az 4000 yıl öncesine dayanıyor. Çin, en parlak döneminde dünyanın en gelişmiş toplumlarından biriydi, ancak emperyalizmin gelişmesi ve Sivil savaşlar düşüş başladı. Ancak Çin'in zengin bir sanatsal, edebi ve kültürel tarihi var.

Çin grafik tasarımı Batılılara göre oldukça yeni. 1979 gibi yakın bir tarihte Çin kapılarını dünyaya yeniden açarak yeni fikirleri memnuniyetle karşıladı ve son teknolojiler. Ülke, demokratik görüşlere doğru yavaş ama istikrarlı bir ilerleme kaydediyor; özellikle sanat ve tasarım alanlarında yeni fikirlere karşı daha liberal davranıyor.

Çin, yaratıcı enerji ve güçlü bir milliyetçilik duygusuyla (yabancılardan hoşlanmama olmasa bile) akın etti, bu nedenle modern grafik tasarımının hala geleneksel Çin sanatında bulunan aynı figüratif unsurları kullanması şaşırtıcı değil.

Çin'de grafik tasarım şu şekilde kullanıldı: etkili çözüm resmi olmayan siyasi irade Bu, kendini tanımlamanın ve kendini ifade etmenin bir aracıydı.

Harika Çin Web tasarımı

Çin web tasarımı flasha meraklıdır. Çin'deki web siteleri oldukça etkileşimli ve eğlencelidir. Grafik tasarımın bazı unsurları diğer kültürlerden kopyalanmıştır. İÇİNDE Son on yılÇin grafik tasarımı Batı'dan büyük ölçüde etkileniyor ancak yine de kendi Çin enerjisini ve ruhunu koruyor. Örneğin tasarımda feng shui, kaligrafi, kültürel festivaller vb. semboller kullanılıyor.

Japonya

Japon çağdaş sanatının birçok biçimi vardır: mimari, reklamcılık, video oyunları, anime ve grafik tasarım. Japonların sanat üzerindeki etkisi muazzamdır; grafik tasarıma ve genel olarak çağdaş sanata pek çok fikir getirmektedir. Japon grafik tasarımı kentsel ve orijinaldir. Geceleri Tokyo şehir merkezinde gördüğümüz ışıkları simüle ederek neona yakın renkler sergiliyor.

Japon grafik tasarımı, Japon geleneksel sanatı ve mangasından büyük ölçüde etkilenmiştir.

parlak japon Web tasarımı

Japon grafik tasarımı ilginçtir çünkü Batı'da alışık olduğumuzdan temelde farklıdır. Eski ve yeninin karışımıyla çok çeşitlidir. Bir yandan şık, fütüristik ve oldukça minimalist. Öte yandan süper sevimli, çocuksu ve eksantrik.

Yakın Doğu

Ortadoğu, Batı'da gizemli, büyüleyici ve mistik olarak tasvir ediliyor; burası kumların, uçan halıların ve sihirli lambalarçoğumuzun yalnızca rüyalarımızda ziyaret ettiği bir görüntü. Orta Doğu paradoksaldır; bu kültür, binlerce yıl öncesine dayanan tarihin en eski ve en kapsamlı görsel sanatlarından biriyle zenginleştirilmiştir.

Ancak Orta Doğu'da grafik tasarım oldukça genç. Arap dünyası için mücadele devam ediyor: burada özgür bir sanatçı yok En iyi yol geçimini sağlıyor, hükümet pek destek vermiyor ve bölgede sadece birkaç grafik tasarım okulu var.

Orta Doğu grafik tasarımı mistik olduğu kadar büyüleyicidir. Sunmak güçlü etki eski kaligrafi ve Arap alfabesi, kopya formları ve örnekleri.

Ortadoğu yavaş yavaş Batı'nın "tüketim toplumu" kültürüne açılıyor. Araplar altınlarını severler ve bu sevgi tasarımda da açıkça görülmektedir.

Dünyanın geri kalanı gibi Ortadoğu dünyası da minimalizm virüsünden etkileniyor ancak hepimizin aşina olduğu Ortadoğu atmosferini hâlâ koruyor.

Lüks Orta Doğu Web tasarımı

Orta Doğu tasarımı renk ve kültür açısından zengindir. Diğer Asya ülkeleri gibi Orta Doğu da güzel semboller ve kaligrafilerle övünüyor. Bölge bazı bölgelerde pek çok konuda muhafazakar kalmayı sürdürüyor.

Mesela kendilerini serbest çalışan fikirlere, kadın grafik tasarımcılarına vb. açmaları gerekiyor. Ancak bu bölge yeni ve karışık fikirlerin yuvası. Tasarımda pek çok batılı fikri uyarladılar ancak onları diğerlerinden farklı kılan benzersizliğini korudular.

Hollanda

Hollanda, kuzeybatı Avrupa'da bulunan, güneyde Belçika ve doğuda Almanya ile sınırlanan, Hollandaca konuşulan bir ülkedir. Hollanda küçük bir ülke ama tarihin en büyük ustalarından bazılarına ev sahipliği yapıyor: Rembrandt, Van Gogh, Van Eyck, Mondrian ve Van Deusberg.

Hollanda grafik tasarımı anarşizm olmasa da bireycilik için çabalıyor. Temiz, minimalist çözümleri tercih ediyor; sonuçta minimalizmden önce gelen De Seille hareketi burada doğdu. Hollandalılar kavramsal sanata ilgi duyuyorlar ve modern konular. Sadeliğe değer verilir ve "tasarımsızlık" yaygın bir tasarım stratejisidir.

Hollandalı tasarımcılar genellikle kavramsal olarak çizim yapıyorlar. Benim favorilerimden biri, çalışmaları genellikle Hollandalı, modern fakat doğal ve doğal unsurlar kullanan genç Hollandalı grafik tasarımcısı Victor Van Gaasbeek'tir.

Büyük Hollandaca Web tasarımı

Hollanda ve komşu ülkeleri grafik ve web tasarımı konusunda trendleri belirliyor. Sanatları mükemmel, kavramsal ve şık. Bu, tamamen ciddi ve minimalist olduğu anlamına gelmez; Hollanda tasarımı eğlenceli olabilir.

Belki hükümetin sanata verdiği güçlü mali destek, belki de ülkenin güçlü ekonomisi veya yerel halkın sanata olan ilgisi nedeniyle Hollanda grafik tasarımı dünyanın en gelişmişleri arasında yer alıyor.

Çözüm

Peki sen nasılsın farklı kültürler geçmişimiz ve günümüz farklı, deneyimlerimiz, inançlarımız ve ahlakımız farklı. Dünyayı biraz farklı bir açıdan görüyoruz. Dünyanın her yerindeki grafik tasarımcılarının sanata kendi yaklaşımları var. Buna rağmen bir ifade tartışılmaz kalıyor: iyi tasarım her zaman iyi bir tasarım olacaktır.

Kullanılan anlamı, sembolleri ve kaligrafiyi anlamasak bile iyi tasarımı kötüden ayırt edebiliriz. Sanat anlayışı kültürel ve coğrafi sınırların ötesinde var olur; ve kültürümüzün ve inançlarımızın toplamından daha fazlasıdır. Tasarım bilinci, ten rengi, milliyeti ne olursa olsun herkesin hissettiği uluslararası ve evrensel bir duygudur.

Moskova Tasarım Haftası konferansı kapsamında Sergei Serov, grafik tasarımın 25 temel isminden bahsetti. “Tasarım İkonları” dersine, öğretim görevlisinin her tasarımcının tarzının temel özelliklerini gösterdiği ve bunun küresel toplumu nasıl etkilediğini anlattığı illüstrasyonlar eşlik etti.

RANEPA Tasarım Okulu profesörü Uluslararası Grafik Tasarım Bienali "Altın Arı" Başkanı, grafik tasarımın gelişimine adanmış tarihi bir gezi verdi. Dersin başlığı olan “Tasarım İkonları”, John Clifford'un Sergei Serov'un tasarım tarihiyle ilgilenen herkese önerdiği aynı isimli kitabına gönderme yapıyor. Konuşmacı, en etkili 25 tasarımcıyı seçerken uluslararası profesyonel grafik tasarım camiasının görüşlerine dayandı. Sergey Serov, "Tasarım İkonları" dersini nesnel görüşlerin öznel bir genellemesi olarak nitelendirdi.

Analardan biri itici güçler 20. yüzyılın başlarından itibaren grafik tasarım geliştiren Rus avangard oldu, böylece listede ilk sıraları birçok ustanın ikonu ve öğretmeni haline gelen Alexander Rodchenko ve El Lissitzky aldı. Rus avangardının manifestosu, Avrupa avangardının ve ünlü İsviçre grafik tasarım okulunun temeli oldu. Bir araba görüntüsünde ifade edilen 20. yüzyılın dinamikleri, köşegenleri ve sembolleri ve yeni hızlar - tüm bunlar Rus avangard sanatçılar Rodchenko ve Lissitzky tarafından grafik tasarım dünyasına açıklandı.

Grafik tasarımda ideal bir okul yoktur: ustalar tarihe geçecek yeni teknolojiler ve vizyonlar getirir, ancak aynı zamanda posterin bazı bölümleri "sarkabilir". Tasarımcıların önündeki zorluk, en iyi uygulamaları öğrenmek ve pek çok harika grafik sanatçısından bir şeyler öğrenmektir. Tarih, yenilerini yaratanların ya da mevcutları iyileştirenlerin isimlerini içerir. mevcut ilkeler, manifestoyu takip ediyor. Bir grafik tasarım ürünü olan afiş, kişilikler, yeni teknolojiler ve bazı durumlarda tasarımcıların kişisel karizması sayesinde şekillenmiş ve bir sanat nesnesi haline gelmiştir.

En İyi 25 Grafik Tasarımcısı:

1. Jules Çeret
2. Alexander Rodçenko
3. El Lissitzky
4. Piet Zwart
5. Adolphe Muron Cassander
6. Alexey Brodovich
7. Jan Tschichold
8. Joseph Müller-Brockmann
9. Emil Ruder
10. Extl Aicher
11. Henryk Tomaszewski
12. Lubalin arması
13. Milton Glaser
14. Massimo Vignelli
15. Karel Martens
16. Yusaku Kamekura
17. Koichi Sato
18. Şigeo Fukuda
19. Kenya Hara'sı
20. Alan Fletcher
21. Nisan Greiman
22. Ralph Schreivogel
23. Niklaus Troxler
24. David Carson
25. Stefan Sagmeister

Moskova Tasarım Haftası, modadan mimariye kadar tüm tezahürleriyle tasarıma adanmış bir festivaldir. Etkinlik, iş bağlantılarını oluşturmak ve güçlendirmek, fikir alışverişinde bulunmak ve yeni başlangıçlar yapmak üzere pazar temsilcilerini tek bir platformda bir araya getirecek. başarılı projeler Rusya'da tasarımın gelişimi ve gelişimi.

Harika grafik tasarımcılarının harika çalışmalarına bakıp benzer bir şey yaratmak istemeniz normaldir. Hatta bu zanaatların ustaları gibi olmak bile istiyorsunuz. Birçok profesyoneli grafik tasarım alanına gönderen de bu ilhamdı. Her ne kadar elbette bazıları için hiçbir yere varmıyor. Ancak bazıları için bu, tasarıma yönelik gerçek bir tutkuyu ortaya çıkarır ve bazen parlak bir tasarımcının ön plana çıkmasına olanak tanır.

Ne yazık ki, herkes, en yetenekli tasarımcı bile, olağanüstü olma ve tanınma kazanma yeteneğine sahip değil. Zirveye ulaşmanıza yardımcı olacak birçok faktör vardır. Bu yazıda grafik tasarım dünyasında büyüklüğe ve belli bir statüye ulaşmanıza yardımcı olacak şeylerin bir listesine bakacağız. Bunlar aynı zamanda sizin için iyi bir başlangıç ​​noktası olacaktır.

TEORİ

Grafik tasarım büyük ölçüde özneldir, dolayısıyla kesinlikle herkesin beğeneceği tek bir tasarım işi bulmanız pek mümkün değildir. İnsanlar farklı şeyleri sever ve bu sorun değil! Ancak grafik tasarımda genel kabul görmüş teoriler vardır; Güçlü tasarım çalışmasının özünü yakalayan fikirler. Hangi grafik tasarımların iyi, hangilerinin kötü olduğunu belirlemeye yardımcı olurlar. Üstelik bu teoriler tasarımcının yeteneklerini de geliştiriyor.

Tüm ünlü grafik tasarımcılarının ortak noktası, her birinin mevcut tasarım teorilerinin oluşumunda doğrudan rol oynamasıdır ve bu, çalışmalarında açıkça görülmektedir. Çarpıcı bir örnek, “Grafik Tasarımda Modüler Izgaralar” yayınının yazarı Joseph Müller-Brockmann'dır. Birçok tasarımcının gelecek yıllarda başvuracağı modüler ızgaraların kullanımına ilişkin teoriyi ve temeli ortaya koyuyor.

TEKNİK BECERİLER

Teknik beceriler bir grafik tasarımcısının fikirlerini hayata geçirmesine yardımcı olur. Ve burada hem ellere hem de akla ihtiyaç var. Eller, kalem veya izleme dörtgeni gibi araçları kullanma yeteneğini ifade eder. Zihinsel becerilere gelince, burada Hakkında konuşuyoruzÖ matematiksel işlemler, ölçümler veya renk ayarlamaları.

Tüm harika grafik tasarımcılarının sahip olduğu yüksek derece Grafik tasarımın en az bir alanında teknik yeterlilik. Ve bu belki de en iyi şekilde Jan Tschichold tarafından örneklendirilmiştir. Dekorasyona karşı belli bir takıntısı vardı ve dış görünüş Eşsiz teknik becerisi nedeniyle kitaplar.

Yukarıdaki resimde Penguen Marka El Kitabı için gerekli olan kesin orantı gereksinimlerinin bir örneğini görebilirsiniz.

SEZGİ

Belki de “özel” denilebilecek unsur tam da budur. Bazı insanların sezgileri vardır, bazılarının yoktur. Bu özellik, tasarım konusundaki dizginsiz meraktan kaynaklanır ve sadece para kazanmanın ve kariyer yapmanın ötesine geçer. Tasarım gerçeklerinin algılanmasının bir şekilde akıl yürütme sürecine bağlı olduğu yer burasıdır. Bir tasarımcının verdiği kararlar yalnızca teoriye veya formaliteye değil, aynı zamanda kendini ifade etme yoluyla yaratıcı ilhama da dayanır.

Sezgi, tüm büyük tasarımcıların sahip olduğu bir niteliktir ve yukarıda gördüğünüz grafik tasarımcı Saul Bass'ın çalışmalarında her zaman görülebilir. İçlerindeki tasarımın gücü entelektüel olmaktan çok sezgisel ve duygusaldır. Ancak teoride ustalık ve teknik beceriler tek başına sizi Bass ile aynı seviyeye getirmeyecektir. Sezginize güvenmeyi öğrenmeli ve hatta yaratıcı bir şekilde spontane olmaya hazır olmalısınız.

KAYNAKLAR

Olmadan teknik ekipman grafik tasarımda - hiçbir yerde. Bazı bölgelerde şunları içerir: çeşitli aletler baskı, kağıt, makas, cetvel vb. için Dijital dünyaya gelince; bilgisayarsız, özel tabletsiz, yazılım, dokular, yazı tipleri ve şablonlar içeren kitaplıklar. Bütün bunlar olmadan tasarımcı, düşüncelerin, fikirlerin ve duyguların toplandığı bir kaptan başka bir şey değildir.

Ekipmanla çalışmanın mükemmel bir örneği, David Carson'un kendi alışılmadık yaklaşımını bulduğu Ray Gun yayını için yaptığı projedir. Kesti, renkleri değiştirdi, harfleri ve görüntüleri katmanlar halinde uyguladı ve düzeni daha çok resimsel tuvalleri andırıyordu. Carson'un bugünkü haline gelmesine, yani bir grafik tasarım efsanesine dönüşmesine yardımcı olan şey, kaynakların kullanılabilirliğiydi.

KİŞİLİK

Grafik tasarım dünyasında çalışmaları binlerce arasından tanınabilecek kadar bireysel olan çok az usta vardır. İnsanlar bireysellik, karakter ve canlılık aradığından, bir tasarımcının tanınması esas olarak kişiliğinin eserine yansımasından kaynaklanmaktadır.

Paul Rand'ın kişiliği ve projeleri her zaman tek bir şey olmuştur. Onun renk paletleri, şakacı ama aynı zamanda ciddi, hassas ve kusurlu formlar onun bir insan olarak kim olduğunu anlatıyordu. Muhtemelen sadece tasarımcılar çemberindeki insanlar tarafından değil, aynı zamanda onun dışındakiler tarafından da sevilmesinde önemli rol oynayan şey buydu.

DEVRİMCİ

İnsan şunu sorduğunda: Normal olan nedir; tanıdık görünen şeyleri değiştirir ve yeni kavramlar icat eder; halkın dikkatini çeker. Bir kişinin aynı anda bir şeyi yok etmesini ve yaratmasını izlemenin çok büyüleyici bir süreç olabileceğini kabul edin.

Muhtemelen var olan ve bugün hayatta olan tüm büyük tasarımcılar, kurallara uymayan kendi başlarına devrimcilerdi. Bunlardan biri Bradbury Thompson'dur. CMYK'nin kesinlikle baskı üretiminin bir parçası olduğu günlerde, onu yaratıcı sürecin bir parçası olarak kullanıyordu. Belirli bir rengin görüntülerini veya tonlarını doğru bir şekilde yeniden üretmek için bu renkleri kullanmayı reddederek, bunları dört renk olarak gördü. belirli renkler palet üzerinde. Keşfi bugün hala geçerliliğini koruyor ve birçok tasarımcı bunu başarıyla kullanıyor.

GÖZALTINDA…

Elbette her büyük grafik tasarımcının temel özelliği yetenektir. Ama şöhret öyle mi önemli bir bileşen büyüklük? Bunun, tasarımın özünden ayrı olarak var olan kişinin kendi egosu olması oldukça mümkündür. Belki bugün sadece yetenekli bir grafik tasarımcı olmak yeterlidir?

1974 yılında Milton Glaser. Fotoğraf: © Cosmos Sarchiapone

Milton Glaser ilerlemiş yaşına rağmen hâlâ yaratıcı olmaya devam ediyor. Dünyaya New York Magazine'i, Bob Dylan'ı tasvir eden ünlü saykodelik posteri, Brooklyn Bira Fabrikası'nın kurumsal kimliğini ve elbette New York'un kalıcı sembolü olan New York'u seviyorum logosunu veren oydu.

Şimdi seksenli yaşlarında olan Milton Glaser, Manhattan'da yaşıyor ve bu yaştaki pek çok kişi zaten emekli olsa da, tüm hızıyla çalışan kendi tasarım stüdyosunu işletiyor. Yıllar önce olduğu gibi poster çizmeye, logo oluşturmaya ve kurumsal tarzlar geliştirmeye devam ediyor. Pratiğin yanı sıra, Glazer teoriyle de ilgileniyor: üniversitelerde dersler veriyor, tasarım ve sanat arasındaki bağlantı ve bunların birbirleri üzerindeki etkileri, tasarımcı mesleği ve yaratıcı sürecin karmaşıklıkları hakkında makaleler ve teorik tartışmalar yazıyor.

Logo 1977'de oluşturuldu.

Çocukluk ve eğitim

Milton Glaser, 26 Haziran 1929'da New York'ta Macar kökenli Yahudi bir ailenin çocuğu olarak dünyaya geldi. Milton beş yaşındayken kuzeni önüne bir at çizdi; işte o zaman Glaser grafik sanatının gücünü fark etti. İlk kez birinin gerçekten var olan bir şeyi çizdiğini görüyordu. Koca bir dünya yaratabileceğini düşündü basit hareket kalem. Bu coşkulu duygu onu hayatı boyunca terk etmez.

Glaser, on yedi yaşındayken sanatçı olma arzusunu doğruladı. İşte o zaman sanatın asıl amacının bizi dikkatli kılmak olduğunu anladı; sanat hayatta kalmamıza yardımcı olur. Smashing Magazine'e verdiği röportajda Glazer, geride oturduğunu söyledi. Mutfak masa ve aniden annesinin bir portresini çizmeye karar verdi. O anda onun neye benzediğini bilmediğini fark etti. Ancak annesinin resmini çizmeye karar verdiğinde onun görünüşüyle ​​ilgilenmeye başladı.

Glaser, Manhattan Müzik ve Sanat Lisesi'nde okudu, ardından 1951'de New York'taki özel Cooper Union College'dan (Bilim ve Sanatın İlerlemesi için Cooper Birliği) mezun oldu. Muazzam etki Eğitimi ve yaratıcılığının artması, bu fırsattan etkilendi. Glaser, üniversiteden mezun olduktan sonra Fulbright Bursu ile Bologna Güzel Sanatlar Akademisi'ne (Accademia di Belle Arti di Bologna) girdi ve orada İtalyan ressam Giorgio Morandi'nin sınıfını okudu.

İtme Pimi Stüdyoları

1954'te Glaser, üniversiteden arkadaşları Reynold Ruffins, Seymour Chwast ve Edward Sorel ile Push Pin Studios'u kurdu. Kendi şirketlerini kurma fikri, aynı gün Esquire dergisinden kovulduktan sonra Sorel ve Chwast'a geldi. Son paralarıyla Manhattan'ın Doğu 17. Caddesi'nde karanlık ve nemli bir oda kiraladılar. Birkaç ay sonra Glaser İtalya'dan döndü ve stüdyoya katıldı. Yirmi yıl boyunca Glaser ve Seymour, grafik tasarımın dünya çapındaki gelişimi üzerinde derin bir etkiye sahip olacak bir atölye çalışması yürüttüler.

Push Pin Studios'un öne çıkan özelliği Louvre'daki The Push Pin Style sergisiydi: 1970-1972'de Paris'in yanı sıra Avrupa, Brezilya ve Japonya'daki diğer şehirleri de ziyaret etti.

Push Pin Studios hala varlığını sürdürüyor, ancak artık tek yöneticisi Seymour Chwast'tır.

1967'de Push Pin Stüdyolarında çalışan Milton Glaser, Bob Dylan'ın psikedelik bir portresini yarattı ve bu portre daha sonra şarkıcının en büyük hitlerinden oluşan bir koleksiyon tasarlamak için kullanıldı.

New York Dergisi

1968'de Glaser, Clay Felker ile birlikte New York Magazine'i yarattı. Glaser, 1977 yılına kadar şirketin başkanı ve tasarım direktörüydü. Başlangıçta dergi, halihazırda mevcut olan The New Yorker'a bir tür alternatif olarak yaratıldı. Küstah ve açık sözlü olduğu ortaya çıktı ve 1960'larda ve 1970'lerde Amerikan gazeteciliğinde bir hareket olan Yeni Gazetecilik olarak adlandırılan hareketin bir parçası oldu. Bu yayın şehir dergisinin simgesi haline geldi ve bir dizi taklit ortaya çıktı.

Altı ya da yedi yıl boyunca Glaser ve Jerome Snyder, ucuz New York City restoranları rehberi olan The Underground Gourmet'i yazdılar. Başlangıçta New York Magazine'de sadece bir köşe yazısıydı. Herkes nerede ucuz ve lezzetli yemek yiyebileceğiyle ilgileniyordu, bu yüzden köşe o kadar popüler oldu ki bütün bir kitabın basılması gerekti.

Walter Bernard ve Milton Glaser

WBMG

1983 yılında Glaser, Walter Bernard ile birlikte WBMG'yi kurdu. Yayıncılıkla uğraşan küçük bir tasarım firmasıydı. Varlıkları boyunca elliden fazla dergi, gazete ve diğerleri için tasarım yaptılar. süreli yayınlar dünya çapında ve aynı zamanda Amerikan The Washington Post, Catalan La Vanguardia ve Brezilyalı O Globo gibi ünlü gazetelerin tasarımlarını da güncelledi.

Milton Glaser, Inc. Sanat iştir

1974 yılında Glaser, Manhattan'da kendi stüdyosu Milton Glaser, Inc.'i kurdu. Bugün hala faaliyette olan. Stüdyoda Glaser'ın yanı sıra iki tasarımcı daha çalışıyor: Sue Walsh ve Jee-eun Lee. Şirketin faaliyetleri, logoların oluşturulmasından iç tasarıma kadar tasarımın neredeyse tüm alanlarını kapsamaktadır. Alan içerisinde basılı grafikler stüdyo gelişiyor kurumsal kimlik logoları, antetli kağıtları, broşürleri, tabelaları ve yıllık raporları içerir. İç ve çevre tasarımı alanında konseptler geliştirir ve çeşitli ürünlerin, restoran iç ve dış mekanlarının oluşturulmasını denetlerler, alışveriş merkezleri, oteller ve diğer perakende ve ticari alanlar.

© Milton Glaser
Brooklyn Bira Fabrikası logosu. © Milton Glaser
New York dergisi logosu. © Milton Glaser
Tohum şirketi logosu. © Milton Glaser
Plak şirketi Tomato Records'un logosu. © Milton Glaser, 1978
Amerika'daki melekler logosu. © Milton Glaser
DC Comics logosu. © Milton Glaser 1977
Görsel Sanatlar Okulu tiyatro logosu. © Milton Glaser
© Milton Glaser
© Milton Glaser
© Milton Glaser

“Logo oluşturmak bir tasarımcı için en sıkıcı işlerden biridir. Daha birçok ilginç şey var." Milton Glaser en üretken logo tasarımcısı olarak adlandırılıyor. Aslında çok az kişi bu kadar çok sayıda unutulmaz işaret çizmeyi başarmıştır. Amerikalı, Smashing Magazine ile yaptığı röportajda "Logolar hakkında konuşmak çok sıkıcı" diyor. "Neden herkesin onlardan bahsettiğini biliyorsun: para getiriyorlar."

Dünyanın en çok kopyalanan logosu

Elbette Glaser'in en ünlü logosu, 1970'lerin ortalarında New York'u seviyorum logosudur. reklam kampanyası New York'ta turizmin gelişimi için. Logo, büyük I harfi, kırmızı kalp sembolü ve New York City'nin kısaltması olan büyük NY harflerinden oluşur. Harfler Amerikan Daktilo sans serif yazı tipinde ayarlanmıştır.

Orijinal logo taslağı

1977'de New York Eyaleti Ticaret Bakanlığı, reklam ajansı Wells Rich Greene'den New York Eyaleti için bir pazarlama kampanyası geliştirmesini istedi. Milton Glaser da projede çalışmak üzere getirildi. İlginç bir şekilde Glaser, kampanyanın yalnızca birkaç ay süreceğini ve hiçbir iz bırakmadan kaybolacağını düşünerek NY'yi seviyorum'u gönüllü olarak (yani ücretsiz olarak) boyadı. Ancak bu logo o kadar popüler oldu ki her yerde kullanılmaya başlandı ve birçok kişi I Love NY'yi grafik tasarım tarihinin en başarılı logosu olarak adlandırıyor.

Logo, 11 Eylül olaylarından sonra özel bir önem kazandı ve şehir sakinleri arasında birlik ve karşılıklı yardımlaşma ruhunu doğurdu. Şehre gelen pek çok ziyaretçi, terör saldırısından etkilenen herkese desteklerini ifade etmek amacıyla New York'u Seviyorum tişörtleri giydi.

11 Eylül olaylarından birkaç gün sonra Glaser uyandı ve logosunun artık şehir sakinlerinin ihtiyaç duyduğu şey olmadığını fark etti. Şehre karşı hisleri değişti ve logonun da değişmesi gerekiyordu. Logonun yeni versiyonu, NY'yi Her Zamankinden Daha Çok Seviyorum sözleriyle bu şekilde ortaya çıktı ( "New York'u her zamankinden daha çok seviyorum") kırmızı bir kalp üzerinde küçük siyah bir nokta ile. Bu karartılmış alanın konumu tesadüf değil: New York haritasında Dünya Ticaret Merkezi'nin bulunduğu yeri işaret ediyor.

Glaser yaratma konusunda yardım istedi Yeni sürüm Görsel Sanatlar Okulu'nun logosu. Arkadaşı Silas Rhodes'u aradı ve bir fikri olduğunu söyledi: posterler bastırıp metroya asmak istiyordu. Sonuç olarak, öğrencilerin şehrin her yerine astığı beş bin poster basıldı. Böylece kent sakinlerini daha da birleştiren bu poster şehrin hemen hemen her penceresinden görülebiliyordu.

Logo bir popüler kültür ikonu haline geldi ve hâlâ New York kupalarından tişörtlere, devasa pankartlara kadar her yerde kullanılıyor. New York logonun telif hakkını korumaya çalışıyor, ancak 2005 verilerine göre yaklaşık üç bin taklit vakası kaydedildi.

Glaser logoyu nasıl çizdiğini anlatıyor arka koltuk New York taksisi: “Heyecanlandım. Fikrimde bir kaçınılmazlık hissi vardı. Biçim ve içerik o kadar bütünleşmişti ki, birini diğerinden ayırmak imkânsızdı.” Glaser, bu logonun neden sadece New York'ta değil, tüm dünyada bu kadar popüler hale geldiğini hâlâ anlayamıyor.

Sanat olarak tasarım

Milton Glaser'in çalışmaları, 1975'te New York Modern Sanat Müzesi'nde ve 1977'de Paris'teki Centre Georges Pompidou'da düzenlenen kişisel sergiler de dahil olmak üzere dünya çapında çok sayıda sergide yer aldı. Milton Glaser İtalya'da birçok kez sergilendi. 1991 yılında İtalyan hükümeti onu, İtalyan sanatçı Piero della Francesca'nın yüzüncü yılı onuruna bir serginin küratörlüğünü yapmaya davet etti. Sergi Arezzo'da açıldı ve bir yıl sonra Campari'nin sponsorluğu sayesinde Milano'ya taşındı. 1994 yılında Glaser, memleketi Cooper Union College'da bir sergi açtı. 1997 yılında Japonya'da, Milton Glaser ve diğer stüdyo sanatçılarının kişisel çalışmalarını içeren Push Pin Studios çalışmalarının retrospektifi sunuldu. Ancak çalışmalarının ana retrospektifi Şubat 2000'de Venedik'te Fondazione Bevilacqua La Masa'da açıldı.

Milton Glaser'ın grafik çalışmaları.
Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları.
Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları.
Milton Glaser'ın grafik çalışmaları.
Milton Glaser'ın grafik çalışmaları.
Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları. Milton Glaser'ın grafik çalışmaları.

Kültüre katkı

Kariyeri boyunca Milton Glaser birçok ödül aldı; 2004'te sektörün gelişimine yaptığı önemli katkılardan dolayı aldığı ödül de dahil. modern dizayn Ulusal Tasarım Müzesi'nden (Smithsonian Cooper-Hewitt, Ulusal Tasarım Müzesi).

Glaser'ın grafik tasarımın gelişimine katkısı muazzamdır: Birçokları için o, Amerikan grafik tasarımının canlı vücut bulmuş halidir; derin entelektüel düşünceyi görsel dilin inanılmaz zenginliğiyle birleştiren ender bir örnektir.

Milton Glaser'ın 10 Kuralı

Yalnızca beğendiğiniz kişilerle çalışın

Bu kuralı kendim için formüle etmem uzun zaman aldı. Başladığımda tam tersini düşündüm, profesyonellik herhangi bir müşteriyle çalışma yeteneğidir. Ancak yıllar geçtikçe en anlamlı ve güzel tasarımın daha sonra arkadaşım olacak müşteriler için icat edildiği ortaya çıktı. İşimizde sempatinin profesyonellikten çok daha önemli olduğu görülüyor.

Seçme şansınız varsa işi kabul etmeyin.

Bir gün radyoda harika besteci ve filozof John Cage Jr. ile bir röportaj duydum. O zaman yetmiş beş yaşındaydı. Sunucu şunu sordu: "Yaşlılığa nasıl hazırlanılır?" Cage'in cevabını her zaman hatırlıyorum: "Bir tavsiyem var. Asla işe gitmeyin. Hayatınız boyunca her gün ofise giderseniz, bir gün kapıdan atılıp emekliliğe gönderilirsiniz. Ve o zaman kesinlikle yaşlılığa hazır olmayacaksınız - bu sizi şaşırtacak. Bana bak. On iki yaşımdan beri her gün aynı şeyi yapıyorum: Uyanıyorum ve bir parça ekmeği nasıl kazanacağımı düşünüyorum. Yaşlı bir adam olduğumdan beri hayat değişmedi."

Hoş olmayan insanlardan kaçının

Bu ilk kuralın devamıdır. 1960'lı yıllarda Fritz Perls adında bir Gestalt terapisti vardı. Tüm ilişkilerde insanların ya birbirlerinin hayatlarını zehirlediğini ya da birbirlerinin hayatlarını körüklediğini öne sürdü. Üstelik her şey kişiye değil ilişkiye bağlıdır. Biriyle iletişim kurduğunuzda ne kadar etkilendiğinizi kontrol etmenin basit bir yolu var biliyorsunuz. Bu kişiyle biraz zaman geçirin: akşam yemeği yiyin, yürüyüşe çıkın veya bir iki içki yiyin. Ve bu toplantıdan sonra nasıl hissedeceğinize dikkat edin - ilham verici veya yorgun. Ve her şey netleşecek.

Tecrübe yeterli değil ya da neden iyi olan üstün olanın düşmanıdır?

Gençliğimde profesyonelliğe takıntılı olduğumu zaten söylemiştim. Aslında deneyim başka bir sınırlamadır. Bir cerraha ihtiyacınız varsa, büyük ihtimalle bu ameliyatı defalarca yapmış birine gideceksiniz. İcat etme niyetinde olan bir adama ihtiyacınız yok yeni yol neşter kullanın. Hayır, hayır, deney yok, lütfen her şeyi her zaman yaptığınız gibi ve sizden önce yapıldığı gibi yapın. Bizim işimizde ise durum tam tersi: Kendisini ve başkalarını tekrar etmeyen iyidir. İyi tasarımcı neşteri her seferinde yeni bir şekilde kullanmak istiyor, hatta neşter yerine bahçe sulama kabı kullanmaya karar veriyor.

Daha az her zaman daha iyi değildir

Hepimiz "az olan çoktur" ifadesini duymuşuzdur. Bu tamamen doğru değil. Güzel bir sabah uyandım ve bunun büyük olasılıkla tamamen saçmalık olduğunu fark ettim. Kulağa hoş gelebilir ama bizim alanımızda bu paradoksun hiçbir anlamı yok. İran halılarını hatırlayın, onların durumunda “daha ​​az” daha mı iyi olur? Aynı şey Gaudí'nin eserleri, Art Nouveau tarzı ve çok daha fazlası için de söylenebilir. Bu nedenle kendim için yeni bir kural oluşturdum: Tam olarak ihtiyacınız olduğu kadar olması daha iyidir.

Stillere güvenme

Eminim hepiniz Picasso'nun Balzac'ın Bilinmeyen Başyapıtı için yaptığı illüstrasyonları görmüşsünüzdür. On iki yaşında bir boğayı tasvir etti farklı stiller: Natüralist tarzdan tek satırlık soyutlamaya. İÇİNDE bu durumda stil alakasız bir kavramdır. Kendinizi herhangi bir stile adamak aptallık çünkü hiçbiri sizi tamamen hak etmiyor. Eski tarz tasarımcılar için bu her zaman zor olmuştur çünkü yıllar geçtikçe el yazısı ve görsel kelime dağarcığı gelişmiştir. Ancak stil modasına ekonomik göstergeler, yani pratik olarak matematik aracılık eder - bununla tartışamazsınız. Marx da bunun hakkında yazdı. Bu nedenle her on yılda bir üslup paradigması değişir ve her şey farklı görünmeye başlar. Aynı şey yazı tipleri ve grafiklerde de olur. Eğer meslekte on yıldan fazla kalmayı planlıyorsanız bu değişime hazırlıklı olmanızı şiddetle tavsiye ederim.

Yaşam tarzı düşünme şeklinizi değiştirir

Beyin vücudumuzun en hassas organıdır. Değişime ve yenilenmeye en duyarlı olanıdır. Birkaç yıl önce gazetelerde mutlak satış konuşması arayışıyla ilgili ilginç bir hikaye vardı. Bildiğiniz gibi müzisyenler arasında bile böyle bir işitme nadirdir. Nasıl olduğunu bilmiyorum ama bilim insanları mutlak perdeye sahip insanların farklı bir beyin yapısına sahip olduğunu buldu: bazı loblar bir şekilde deforme olmuş. Bu başlı başına ilginç. Ancak daha sonra çok daha şaşırtıcı bir şey keşfettiler: Dört veya beş yaşındaki çocuklara keman çalmayı öğretilirse, bazılarının serebral korteksin yapısını değiştirmeye ve mutlak perdeyi geliştirmeye başlama şansı var. Çizim yapmanın beyni müzik çalmaktan daha az etkilemediğine eminim. Ancak duymak yerine dikkati geliştiririz. Çizim yapan kişi çevresinde olup bitenlere dikkat eder ve bu göründüğü kadar basit değildir.

Şüphe kesinlikten iyidir

Herkes yaptığınız işe güvenmenin çok önemli olduğunu söylüyor. Yoga öğretmenim bir keresinde şöyle demişti: "Eğer aydınlanmaya ulaştığınızı düşünüyorsanız, yalnızca sınırlarınıza ulaşmışsınız demektir." Bu sadece manevi pratikte değil, aynı zamanda işte de geçerlidir. Benim için oluşturulmuş tüm ideolojik konumlar şüphelidir çünkü mükemmellik sonsuz bir gelişmedir. Birisi bir şeye kategorik olarak inandığında gergin oluyorum. Her şeyin sorgulanması gerekiyor. Tasarımcılar için bu sorun, bize avangard teorinin ve bir bireyin dünyayı değiştirebileceği gerçeğinin öğretildiği sanat okullarında bile ortaya çıkıyor. Bir anlamda bu doğrudur, ancak çoğu zaman yaratıcı özgüvenle ilgili zorluklarla sonuçlanır. Ticari işbirliği Birisiyle her zaman bir uzlaşma vardır ve buna hiçbir koşulda direnilmemelidir. Rakibinizin haklı olma ihtimaline her zaman izin vermelisiniz. Birkaç yıl önce Iris Murdoch'u okudum en iyi tanım aşk: "aşk, bizden başka birinin gerçek olduğuna dair son derece karmaşık bir farkındalıktır." Bu harika ve kesinlikle iki kişinin bir arada yaşamasını anlatıyor.

Önemli değil

Son doğum günümde bana Roger Rosenblatt'ın Yaşlanma Kuralları kitabı verildi. Başlığı beğenmedim ama içeriği ilgimi çekti. Yazarın önerdiği ilk kuralın en iyisi olduğu ortaya çıktı. Şöyle geliyor: "önemli değil." Ne düşünürseniz düşünün, bu kurala uyun, hayatınıza onlarca yıl katacak. Geç ya da zamanında kalmanızın, burada ya da orada olmanızın, sessiz kalmanızın ya da bir şey söylemenizin, akıllı ya da aptal olmanızın bir önemi yok. Hangi saç stiline sahip olduğunuz ya da arkadaşlarınızın size nasıl baktığı önemli değil. İşyerinde terfi ettirilecek misiniz, satın alacak mısınız? yeni ev, alacak mısın Nobel Ödülü- bunların hiçbiri önemli değil. Bu bilgeliktir!

Doğruyu söyle

Bazen tasarımın öyle olmadığını hissediyorum en iyi yer gerçeği aramak için. Elbette bizim toplumumuzda bir yerlerde yazılı olan belli bir etik kuralları var. Ama içinde tasarımcının toplumla ilişkisine dair tek bir kelime bile yok. Stalin yönetimindeki SSCB'de "dana eti" etiketiyle satılan her şeyin aslında tavuk olduğunu söylüyorlar. O zamandan beri şu soru bana işkence ediyor: Tavuk kisvesi altında ne satıldı? Tasarımcıların kasaplardan daha az sorumluluğu yok, bu yüzden dana eti adı altında insanlara sattıklarına dikkat etmeleri gerekiyor. Doktorların bir yemini var: “Zarar verme.” Tasarımcıların da bir yemin etmesi gerektiğine inanıyorum: “Doğruyu söyle.”

Tembel olmayın ve tanıdığınız grafik tasarımcılarının profesyonel tatillerini 9 Eylül'de tebrik edin. Üstelik bu yıl küçük bir yıldönümleri var: Günlerini kutlamalarının üzerinden on yıl geçti! Kim oldukları ve neden sonbaharın başında kutladıkları materyalimizde.

Grafik tasarım sanıldığı gibi dar kapsamlı bir uzmanlık alanı değildir. Grafik tasarımcılarının çalışmalarının sonuçları bize kesinlikle her yerde eşlik ediyor: kitap ve dergi tasarımı, reklam afişleri ve posterler, sokak tabelaları ve havalimanlarında navigasyon. Bir yazı tipi, logo veya ambalaj bulmanız gerekse bile bunlara başvurmalısınız.

Grafik tasarım, ticari sanat (posterler, posterler, afişler) ile modern sanatın birleşiminin sonucudur. görsel Sanatlar 19. – 20. yüzyılların başı En ünlü ve başarılı grafik tasarımcılarından bazıları: Reuters logosunun ve Victoria ve Albert Müzesi'nin yaratıcısı Alan Fletcher, Newsweek, Rolling Stones, Washington Post, Milton Glaser ve "New York'u Seviyorum" ile yaptığı çalışmalarla tanınan Jim Parkinson , İsviçreli Armin Hofmann ve “Giselle” balesinin reklam afişi vb.

Rusya ve BDT ülkelerinde Grafik Tasarımcı Günü, 2005 yılında ünlü Rus grafik tasarımcısı V. B. Chaika'nın 50. yıldönümünde (9 Eylül) kuruldu. Vladimir Borisovich, sanat ve edebiyat alanında Rusya Federasyonu Ödülü'ne layık görülen ilk uluslararası düzeyde tanınmış bir ustadır. Rusya Tasarımcılar Birliği, Rusya Sanatçılar Birliği üyesidir. uluslararası dernekler Brno Bienali ve AGI (Alliance Graphigue Internationale). Eserleri çeşitli sergi ve festivallerde (Helsinki, Moskova, Brno, Varşova, Zagreb, Kharkov'da) defalarca en iyiler arasında yer aldı. Chaika öncelikle posterleriyle tanınıyor. Her yıl birçok ülkede eserleri sergileniyor, hatta bazıları çeşitli müzelerin koleksiyonlarında yer alıyor.

Yerli üniversitelerin yabancı üniversitelere göre daha düşük olmasına rağmen, mesleğe bağımsız olarak hakim olan ve artık yalnızca Rusya'da başarıyla çalışan çok sayıda tasarımcımız var. Bunu, güçlü bir istek ve internette tasarım yapmaya ve uzmanların işini kolaylaştırmaya adanmış çok sayıda kaynakla başarmak oldukça mümkündür. Örneğin ilham arayabileceğiniz ve deneyimlerinizi paylaşabileceğiniz özel platformlar var (Dribble, Behance, Marvel); renk ve yazı tipi seçeneklerine sahip web siteleri (Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja); forumlar ve dersler (Dzhurka, Design Mama) ve tabii ki tasarımcıların sadece eserlerini satmakla kalmayıp aynı zamanda yeni projeler oluşturmak için başkalarını da satın alabildiği fotoğraf bankaları (PressFoto).

PressFoto ekibi, grafik tasarımcılarını profesyonel tatillerinden dolayı tebrik eder ve onlara daha parlak ve daha parlak bir hayat diler. ilginç fikirler, yeni gelecek vaat eden projeler!