Tentation de saint Antoine
Triptyque
Années de création : 1501
Lieu : Musée national d'art ancien, Lisbonne (Museu Nacional de Arte Antiga, Lisbonne)
Matériaux: huile, bois
Dimensions : 131 x 228 cm.
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Le triptyque "La Tentation de saint Antoine" est l'une des meilleures œuvres du Bosch mûr, ce n'est pas un hasard s'il y a de nombreuses répétitions au XVIe siècle : six exemplaires de l'autel entier ont été enregistrés, cinq de ses partie centrale, et l'un des panneaux latéraux. Une copie (peut-être l'auteur) du panneau central se trouve au MASP à São Paulo, au Brésil. Des exemplaires des disciples de Bosch se trouvent au Musée des beaux-arts d'Ottawa, et une autre version se trouve au Musée du Prado à Madrid. Une autre copie (une fois considérée comme l'originale) est maintenant identifiée comme une copie du XVIe siècle et appartient à la Fondation Barnes près de Philadelphie, aux États-Unis. L'histoire du triptyque est mal connue. La partie centrale est signée. Il ne fait aucun doute que le tableau est apparu dans la période de 1490 à 1500, l'analyse dendrochronologique permet de dire qu'il n'était pas antérieur à 1501. Certaines sources indiquent la période de 1505 à 1506. Selon certains historiens, il s'agit de l'une des trois versions du tableau, incluses à un moment donné dans le catalogue des œuvres de Philippe II, roi d'Espagne, envoyé par lui au monastère de l'Escurial en 1574. Le triptyque a probablement été acheté par l'humaniste portugais Damiao de Gois entre 1523 et 1545. Mais il existe des documents confirmant la présence de l'œuvre dans la collection du Palais royal de Lisbonne au milieu du XIXe siècle, et en 1911, le roi Manuel II en fit don au musée - le Musée national d'art ancien.

Le tableau qui a frappé l'imagination de Flaubert est l'une des œuvres les plus célèbres et les plus mystérieuses de l'artiste. Les épisodes bibliques se développent avec un esprit fantastique, le monde symbolique de Bosch atteint une expressivité vraiment étonnante, et il semble que chaque détail contienne des allégories subtiles, mais le thème principal reste la lutte entre le Bien et le Mal. Bosch a tiré des informations sur la vie de St. En 271 après JC encore jeune Anthony se retira dans le désert pour vivre comme un ascète. Il y vécut 105 ans et le diable, le distrayant périodiquement de la méditation, le tenta avec des bénédictions terrestres. "Avant les peintures de Bosch, en particulier devant sa grande composition représentant Saint-Antoine, au musée de Lisbonne (Bosch est revenu sur ce sujet plus d'une fois), on peut rester longtemps debout, se délecter de la contemplation de chaque figure, et là sont innombrables ici. L'intrigue est religieuse. S'agit-il de saint Antoine, que l'Église catholique glorifie pour triompher de toutes les tentations ? Quelque chose de sournois, ironique rit de manière inaudible dans cette image, et il vous semble - c'est Jérôme Bosch lui-même en riant, en regardant comment on ne peut pas s'arracher au monde des reptiles gluants, des monstres ventrus, des poissons à pattes humaines, des gens qui ont un tonneau au lieu d'un ventre, des créatures arachnides, des monstres dans lesquels l'abomination se conjugue avec l'abomination et dans ce combinaison dégoûtante devient soudainement terriblement captivante. juste drôle, presque confortable - une joie intérieure si sincère dans le travail de l'artiste et la peinture elle-même est tellement incroyable ! Cette couleur brune, juteuse paysages, cette palette irisée aux tons chauds laisse présager déjà l'art des maîtres du siècle prochain, les beaux jours, et il semble parfois que même l'unité de ton soit presque retrouvée par l'artiste. » L.D. Lioubimov. Tout l'espace se transforme en un enfer terrestre, scintillant d'éclairs menaçants et plein de démons vils mais écrits de manière convaincante. Jamais auparavant dans toute la peinture européenne il n'y a eu un rendu aussi réaliste des effets de lumière. Au fond de l'autel, la flamme d'un feu arrache la lisière de la forêt à l'obscurité, se reflète en reflets rouges et jaunes à la surface de la rivière, jette des reflets cramoisis sur la paroi dense de la forêt. Bosch ne se contente pas de transmettre magistralement les effets de la perspective aérienne, mais crée également la sensation d'un air teinté de lumière. Lors de son séjour dans le désert égyptien, Satan envoya une légion de démons contre Saint Antoine. Les démons se sont jetés sur Antoine pendant la prière et l'ont battu jusqu'à ce qu'il tombe mort. D'autres ermites ont chassé les démons et ramené Antoine à la vie, mais quand il a recommencé à prier, les démons se sont de nouveau jetés sur lui et l'ont emporté dans les cieux. Les démons n'ont disparu qu'avec les premiers rayons du soleil, à l'aube, mais le tourment n'a pas cessé - Satan est apparu devant Anthony sous les traits d'une reine belle et dévote. Elle a amené l'ermite dans sa capitale, et Anthony n'a réalisé qui était devant lui qu'après avoir tenté de le séduire. L'artiste raconte avec suffisamment de détails et de près l'histoire de la vie de tous les tourments d'Antoine. Sur les trois portes de l'autel ouvert, nous voyons des démons libérés. Les démons sont partout, même à l'horizon, là où le saint ne peut les voir. Ils se cachent derrière les coins des bâtiments, sous un dôme détruit, dans les huttes brûlantes du village, dans les églises d'une ville lointaine, dans les eaux de la rivière sur laquelle se dresse le palais, dans les salles du palais lui-même, dans les forêts de l'autre rive, dans l'air au-dessus des forêts, de plus en plus loin, sans fin. Tout l'arrière-plan est occupé par des sorcières volant vers le sabbat. Dans La Tentation de saint Antoine, Bosch dépeint pour la première fois des scènes du sabbat des sorcières - voler dans les airs, se rassembler au bord d'un étang, mettre le feu au village. L'attrait de l'artiste pour ce nouveau motif a été causé par la chasse aux sorcières qui a commencé dans les pays occidentaux après la publication en 1487 du célèbre livre "Le marteau des sorcières" - une sorte de manuel pour l'Inquisition.

Aile gauche - Vol et chute de Saint-Antoine.

Sur l'aile gauche du triptyque Saint-Antoine, on ne voit qu'une légion de démons. Parmi eux, il y a un poisson rouge sur des roues en métal avec une tour gothique sur le dos, de la bouche de laquelle rampe un autre poisson, d'où sort à son tour la queue du troisième. Elle rampe dans une grotte dans une colline sous la forme d'un homme à quatre pattes, dont le derrière forme l'entrée de cette grotte. La procession impie s'y dirige, dirigée par un démon en vêtements sacrés et un cerf richement drapé. L'apparence des monstres entre en conflit avec leur habitat, ainsi, à travers le ciel, Anthony est porté par des démons sous l'apparence de poissons et de rongeurs. Deux moines et un homme, sous les traits desquels certains chercheurs voient un autoportrait de Bosch, aident saint Antoine à atteindre sa cellule après une bataille acharnée avec le diable qui l'a soulevé dans les airs - cette scène est montrée ci-dessus, en arrière-plan du ciel. Anthony et ses compagnons traversent la promenade. Après avoir surmonté le pont sous lequel un groupe de diables (ou de moines apostats), figés dans une rivière gelée, a lu de faux "psaumes", Antoine et ses compagnons devront s'engager dans un chemin étroit - c'est peut-être le même chemin que seul un sélectionner quelques-uns ont été donnés. Dans tous les cas, le chemin du retour est coupé - le chemin devant l'entrée du pont s'est effondré. Le vilain oiseau, serrant l'œuf d'où sont nés les poussins, avale la grenouille avec ses pattes, au lieu de nourrir ses propres enfants ; un oiseau effrayant, chaussé de patins (sur le papier, dans son bec il est écrit « paresse », c'est-à-dire manque de zèle dans les prières à Dieu) — tout cela devrait illustrer les péchés et les tentations auxquels saint Antoine est soumis.

La partie centrale est la Tentation de saint Antoine.

La partie centrale du triptyque est dédiée à la victoire de saint Antoine, encore entouré de toutes sortes de tentations : de jeunes beautés lui promettent les joies de l'amour terrestre, la table dressée invite par son abondance... avec lui une coupe de vin . La principale réjouissance des forces du monde souterrain est représentée au centre géométrique de l'écharpe, où le saint, entouré d'esprits maléfiques, se tourne vers le spectateur. Les intrigues diaboliques sont impuissantes à forcer Antoine à renoncer à sa foi, mais pas parce qu'elles sont trop faibles : le nombre de démons convainc du contraire. Satan a besoin d'un consentement volontaire, il n'intimide pas seulement - il séduit, il cherche des pousses infernales dans l'âme d'un pécheur. Il est impossible de ne pas remarquer que les mauvais esprits traitent Antoine avec respect : le saint est inébranlable dans son choix. Saint Antoine est entouré d'un groupe de personnages fantastiques essayant de le sortir de son état de prière. Particulièrement expressive est la cérémonie de la soi-disant "messe noire", jouée autour du saint. Ses membres sont dotés de signes dénotant la magie, l'hérésie, l'alchimie, et il semble qu'ils se meuvent tous du coup de baguette magique d'un homme en haut-de-forme. Les joueurs lancent des dés, une dame luxueusement vêtue accomplit la cérémonie de communion avec la « religieuse » assise en face d'elle. Sur la droite se trouve une grande cruche en faïence avec des pieds, remplaçant la moitié arrière d'une mule, au-dessus de la moitié avant inexistante dont un guerrier ailé désincarné plane à cheval avec une graine de chardon au lieu d'une tête (un chardon est un symbole de péché originel). Sur la gauche se trouve un chevalier, avec un crâne de cheval au lieu d'un casque, jouant du luth. Au premier plan, la flottille infernale : un poisson-bateau, comme celui représenté sur l'aile gauche, un bateau - un canard sans tête et un coquillage. Enterré à l'intérieur d'une gondole à canards, un homme criant à lunettes, le squelette d'une raie crucifiée sur une voile, aussi comme s'il émettait un cri - un trou entre des nageoires sèches... Ce ne sont là que quelques-unes des visions fantastiques représentées ici par Bosch . Lui, comme toujours, est inépuisable à inventer des images de plus en plus monstrueuses. Il semblerait, qu'y a-t-il de terrible chez deux chiens blancs à la queue retournée ? Mais ces chiens sont absolument identiques, il est clair qu'ils ne sont qu'un seul démon, et cette dualité fait peur. Le monde entier autour de Saint-Antoine s'effondre : une tour avec une cheminée crachant des flammes s'élèvera du dôme fendu ; un village brûle en arrière-plan ; une armée innombrable va passer le pont ; un démon vole dans le ciel avec une échelle... De nombreux détails sont difficiles à voir, car ils sont petits et éloignés du centre de l'image, mais leur présence même crée le sentiment de l'Apocalypse. Apparaît au centre de la composition et le Christ lui-même en miniature - pour indiquer la Crucifixion et offrir un véritable sacrifice, et non une abomination. Le saint regarde, pointant dans la direction du Christ; mais plus personne ne regarde dans la "bonne" direction.

Aile droite - Visions de Saint Antoine.

Au premier plan au sol se trouve le ventre d'un homme percé d'un poignard trop gros, ainsi que le rituel autour de la table à côté de lui symbolisent le péché de gourmandise. Satan sous la forme d'une femme nue - la reine des démons - sous la "tente de Vénus" - personnifie le péché de luxure et d'adultère, et illustre également la scène de la tentation de la biographie d'Antoine. Sur les vêtements noirs d'Anthony, la croix du Tau est bien visible, rappelant la lettre "T". Cette croix de l'Ancien Testament a été placée sur les portes des maisons par les Israélites à la veille de la sortie d'Egypte. Par la suite, la croix de cette forme a été nommée Saint-Antoine, dont la vie ascétique était associée à l'Égypte. Anthony prie obstinément, se détournant de la disgrâce - le nain à côté de lui en robe rouge est un symbole de l'impuissance de l'humanité.

Rabat extérieur gauche - Arrestation.

Les scènes des portes extérieures, traditionnellement exécutées dans la technique de la grisaille monochrome, sont remarquables par leur étonnante facture. Aile extérieure gauche - "Prise en garde" du Christ. Des compositions monochromes avec une force particulière révèlent le don de Bosch de peindre les passions humaines. Les poses, les gestes, les expressions faciales des personnages sont exceptionnellement expressifs. Écrites de manière narrative, riches en détails, ces scènes contrastent fortement avec les images fantastiques du triptyque des portes intérieures. L'aile montre la Détention, des scènes bibliques célèbres, dont, au premier plan, Saint-Pierre coupant l'oreille de Malchus et à l'arrière-plan des soldats romains entourant Jésus déchu ; à gauche, Judas, fuyant après son baiser perfide.

Aile extérieure droite - Portement de croix.

Le thème de l'aile droite extérieure est « Porter la croix » par le Christ. La connexion entre les volets externe et interne n'est en aucun cas accidentelle. L'ascension de saint Antoine au niveau inhérent au Christ lui-même peut être retracée dans d'autres œuvres d'artistes d'Europe du Nord, dont certains représentent même ce saint sur le trône. Le port même de la croix ne sert ici que d'arrière-plan - au premier plan sont représentés deux voleurs, l'un repenti et l'autre non. Il y a une foule autour de Jésus, dans laquelle des personnages tels que Simon, qui a pris la croix de Jésus, et Véronique, s'essuyant le front sont visibles.

Celui qu'ils appellent Salvador Dali : un génie, un homme d'affaires, un gourou de l'auto-promotion. C'est vraiment tout de lui. Les images provocatrices mises sur la toile sont toujours l'aveu de Dali lui-même, qui peut sérieusement vous parler dans le langage de la peinture, ou peut-être agir en changeant de masque.

Terrain

Sans le dictionnaire des symboles de Dali, la toile, bien sûr, ressemble à un ensemble - bien que construit par composition - de figures magiques. À propos de chacun - dans l'ordre.

Dans le coin inférieur gauche se trouve Saint Antoine, se défendant avec une croix (symbole de sa foi inextinguible) des tentations du diable. Les tentations elles-mêmes sont une danse ronde qui est au centre de notre attention.

Le cheval cabré est un symbole de plaisir sensuel et de puissance inégalée. Éléphants - domination et pouvoir. Le premier d'entre eux a sur le dos un bol de désir avec une femme nue, le second a un obélisque rappelant la création du sculpteur romain Bernini, et ce dernier a une composition architecturale de style palladien.

D'énormes personnages s'appuient sur des pattes d'araignée et, semble-t-il, sont sur le point de tomber sur le saint. Cette image de longues jambes fines avec de nombreuses articulations rappelle un peu les sauterelles, dont Dali avait terriblement peur depuis son enfance.

A l'horizon, dans les nuages, on peut voir l'Escurial espagnol, qui pour l'artiste était un symbole de loi et d'ordre, réalisé par la fusion du spirituel et du profane.

D'énormes éléphants sur des pattes d'allumettes sont une image qui apparaît souvent dans les œuvres de Dali. Une personne dans sa vie fait de nombreux projets, la vanité ne connaît pas de frontières, la vie passe sous le poids des désirs. Des montagnes de joyaux, des temples d'or portés par des éléphants sur de fines pattes, qui sont sur le point de se briser, sont le symbole du fait que nos possibilités sont limitées. Un temple « jouet » avec un fragment de corps féminin nu dans l'ouverture est interprété comme une spiritualité déformée par des démons.

On pense que cette peinture a donné lieu à une nouvelle direction dans le travail d'El Salvador : il a commencé à combiner le spiritualisme, la peinture classique et les images de l'ère atomique dans ses œuvres.

Le contexte

Saint Antoine est un ermite du IVe siècle. Il a prouvé son engagement envers la foi par l'intrépidité face aux visions horribles auxquelles il assistait régulièrement. Les hallucinations, en règle générale, se présentaient sous deux formes: sous la forme d'une femme séduisante et sous la forme de démons redoutables. Au début de la Renaissance, les artistes combinaient ces images et peignaient des femmes avec des cornes, rappelant leurs origines sataniques.

Habituellement, Anthony était dépeint comme un vieil homme barbu. (wikipedia.org)

L'histoire d'Anthony a été bien reproduite au Moyen Âge. Mais à mesure que de plus en plus de joies simples et mortelles étaient chantées, ils commencèrent à oublier le saint.

Pourquoi Dali s'est-il souvenu de lui ? Tout est très simple - du désir de gagner. Albert Levin, un producteur de cinéma américain, a annoncé un concours pour l'image du saint tenté. Cela n'a pas été fait pour le plaisir. Levin songeait justement à tourner un film basé sur le roman Cher ami de Guy de Maupassant. 11 artistes, dont Dali, ont proposé leurs options. Le surréaliste Max Ernst a gagné. Et la création du Salvador est entrée dans l'éternité.

Ne vous perdez pas dans le monde étrange de l'investissement. (wikipedia.org)

Des années plus tard, l'agence de publicité brésilienne Leo Burnett Sao Paulo, inspirée par Dali, a adapté l'intrigue à la modernité. En tête du « cortège » se trouve le symbole du dollar George Washington, stylisé comme la déesse de la justice Thémis. Il est suivi par l'oncle Sam décrépit - l'économie américaine, sur le corps de laquelle est assis le moustique Oussama ben Laden, suçant les derniers "jus". Viennent ensuite la Chine et les pays arabes. Et le slogan de ce dessin animé-allégorie sonne comme ceci : Ne vous perdez pas dans le monde étrange de l'investissement (« Ne vous perdez pas dans le monde des investissements étranges et incompréhensibles »).

Le destin de l'artiste

Depuis son enfance, Salvador s'est senti spécial. Et il a essayé de toutes les manières possibles de le démontrer à son entourage : déclencher des bagarres, faire des scandales, faire des crises de colère - tout pour se démarquer et attirer l'attention.

Au fil du temps, lorsque la question d'une carrière s'est posée, Dali était tellement obsédé par le succès commercial qu'André Breton a trouvé un surnom d'anagramme : " Avida Dollars " (qui en latin n'est pas tout à fait exact, mais signifie de manière reconnaissable " avide de dollars "). . Cela semblait mordant, mais cela n'affectait pas les honoraires de Salvador - les gens continuaient à dépenser des fortunes pour les œuvres de Dali.

Le plus triste dans l'histoire de l'artiste est qu'il est mort seul et malade. Ni l'argent ni la gloire ne le sauvèrent des passions amoncelées, dont les pattes d'araignée cédèrent tout de même.

Après la mort de sa femme au début des années 1980, Dali est tombé dans une profonde dépression. La maladie de Parkinson rendait le travail difficile. Il était difficile de s'occuper du vieil homme malade et affolé, il se jeta sur les infirmières avec ce qu'il avait sous le bras, cria et mordit.

Dali est décédé le 23 janvier 1989 d'une crise cardiaque. L'artiste a légué pour l'enterrer afin que les gens puissent marcher sur la tombe, de sorte que le corps est muré au sol dans l'une des salles du Théâtre-musée Dalí de Figueres.

Bosch, Bosch (Bosch) Hieronymus [en réalité Hieronymus van Aeken, Hieronymus van Aeken] (vers 1450 / 60-1516), le grand peintre hollandais. Il a travaillé principalement à 's-Hertogenbosch en Flandre du Nord. L'un des maîtres les plus brillants du début de la Renaissance nordique

Hieronymus Bosch, dans ses compositions à plusieurs figures, ses peintures sur les thèmes des dictons populaires, des proverbes et des paraboles combinaient une fantaisie médiévale sophistiquée, des images démoniaques grotesques générées par une imagination illimitée avec des innovations réalistes inhabituelles pour l'art de son époque.
Le style de Bosch est unique et n'a aucune analogie avec la tradition picturale néerlandaise.
L'œuvre de Hieronymus Bosch est à la fois innovante et traditionnelle, naïve et sophistiquée ; il fascine les gens avec un sentiment d'une sorte de mystère, connu d'un artiste. "Le maître éminent" - ainsi appelé Bosch à 's-Hertogenbosch, auquel l'artiste est resté fidèle jusqu'à la fin de ses jours, bien que la renommée de sa vie se soit étendue bien au-delà des frontières de sa ville natale.

On pense qu'il s'agit d'une œuvre de jeunesse de Bosch : entre 1475 et 1480. Le tableau "Les sept péchés capitaux" se trouvait à Bruxelles dans la collection De Guevara vers 1520 et fut acquis par Philippe II d'Espagne en 1670. Le tableau "Les sept péchés capitaux" était accroché dans les appartements privés du roi Philippe II d'Espagne, l'aidant apparemment à persécuter violemment les hérétiques.

Une composition de cercles disposés symétriquement et de deux rouleaux qui se déroulent, où des citations du Deutéronome avec un profond pessimisme prophétisent sur le sort de l'humanité. Dans les cercles se trouve la première représentation de l'Enfer par Bosch et l'interprétation singulière du Paradis céleste. Les sept péchés capitaux sont représentés dans les segments de l'œil qui voit tout de Dieu au centre de la composition, ils sont donnés d'une manière emphatiquement moralisatrice.

Ce travail est l'un des travaux les plus clairs et les plus didactiques de Bosch et est fourni avec des détails, clarifiant le sens de la dépeint par des citations du Deutéronome. Inscrit sur les parchemins flottants : « Car c'est un peuple qui a perdu la tête, et il n'y a pas de sens en eux » et "Je vais leur cacher mon visage et voir quelle sera leur fin",- déterminer le thème de cette prophétie picturale.

"Ship of Fools" est sans aucun doute une satire
Dans La Nef des fous, un moine et deux nonnes s'amusent sans vergogne avec les paysans dans un bateau qui a un bouffon comme barreur. C'est peut-être une parodie du navire de l'Église qui conduit les âmes au salut éternel, ou peut-être une accusation de convoitise et d'intempérance contre le clergé.

Les passagers du fantastique navire naviguant vers le "Pays des fous" personnifient les vices humains. La laideur grotesque des héros est incarnée par l'auteur dans des couleurs éclatantes. Bosch est à la fois réel et symbolique. Le monde créé par l'artiste lui-même est beau, mais la bêtise et le mal y règnent.

La plupart des intrigues des peintures de Bosch sont associées à des épisodes de la vie du Christ ou de saints qui résistent au vice, ou sont tirées d'allégories et de proverbes sur la cupidité et la stupidité humaines.

Saint Antoine 1500s. Musée du Prado, Madrid.

Bosch dépeint la tentation "terrestre" de saint Antoine, lorsque le diable, le distrayant de la méditation, le tenta par des bénédictions terrestres.
Son dos rond, sa posture fermée avec des doigts entrelacés « dans une serrure », parlent d'un degré extrême d'immersion dans la méditation.
Même le diable déguisé en cochon se tenait calmement à côté d'Antoine, comme un chien apprivoisé. Alors le saint voit-il ou ne voit-il pas les monstres qui l'entourent dans la peinture de Bosch ?
Ils ne sont visibles que pour nous, pécheurs, car « Ce que nous contemplons est ce que nous sommes

Dans l'œuvre de Bosch, l'image du conflit intérieur d'une personne réfléchissant sur la nature du Mal, sur le meilleur et le pire, sur le désirable et l'interdit, aboutissait à une image très précise du vice. Antoine, avec sa force, qu'il reçoit par la grâce de Dieu, résiste à un tourbillon de visions vicieuses, mais un mortel ordinaire peut-il résister à tout cela ?

Dans le tableau de Hieronymus Bosch "Couronnement d'une couronne d'épines", Jésus, entouré de quatre bourreaux, apparaît devant le spectateur avec un air d'humilité solennelle. Avant l'exécution, deux guerriers couronnent sa tête d'une couronne d'épines.
Le nombre "quatre" - le nombre de bourreaux représentés du Christ - se distingue parmi les nombres symboliques avec une richesse particulière d'associations, il est associé à une croix et à un carré. Quatre parties du monde ; quatre saisons; quatre rivières au paradis ; quatre évangélistes ; quatre grands prophètes - Isaïe, Jérémie, Ézéchiel, Daniel; quatre tempéraments : sanguin, colérique, mélancolique et flegmatique.
Les quatre mauvais visages des bourreaux du Christ sont porteurs de quatre tempéraments, c'est-à-dire de toutes les variétés de personnes. Les deux visages ci-dessus sont considérés comme l'incarnation du tempérament flegmatique et mélancolique, ci-dessous - sanguin et colérique.

Le Christ impassible est placé au centre de la composition, mais il n'est pas ici le principal, mais le Mal triomphant, qui a pris les images des bourreaux. Le mal apparaît à Bosch comme un lien naturel dans un certain ordre de choses prescrit.

Autel de Hieronymus Bosch "La Tentation de Saint Antoine", 1505-1506
Le triptyque résume les principaux motifs de l'œuvre de Bosch. A la représentation de la race humaine, embourbée dans les péchés et la bêtise, et la variété infinie des tourments infernaux qui l'attendent, se joignent ici la Passion du Christ et des scènes de la tentation du saint, dont la fermeté inébranlable de la foi lui permet de résister à la assaut d'ennemis - Paix, Chair, le Diable.
Le tableau "La fuite et la chute de Saint-Antoine" est l'aile gauche de l'autel "La Tentation de Saint-Antoine" et raconte la lutte du saint avec le diable. L'artiste est revenu plus d'une fois sur ce sujet dans son œuvre. Saint Antoine est un exemple instructif sur la façon de résister aux tentations terrestres, d'être toujours sur ses gardes, de ne pas prendre tout ce qui semble être vrai, et de savoir que la tromperie peut conduire à la malédiction de Dieu.

Mettre Jésus en garde à vue et porter la croix 1505-1506 ans. Musée national, Lisbonne.

Partie centrale "La Tentation de Saint Antoine". L'espace de l'image regorge littéralement de personnages fantastiques et invraisemblables.
À cette époque où l'existence de l'Enfer et de Satan était une réalité immuable, où la venue de l'Antéchrist semblait complètement inévitable, la fermeté intrépide du saint nous regardant de sa salle de prière, remplie des forces du mal, aurait dû encourager les gens et leur a inspiré l'espoir.

L'aile droite du triptyque "Le jardin des délices" tire son nom "Enfer musical" des images d'instruments utilisés comme instruments de torture

La victime devient bourreau, la proie devient chasseur, et cela traduit parfaitement le chaos qui règne en Enfer, où les relations normales qui existaient autrefois dans le monde sont inversées, et les objets les plus ordinaires et inoffensifs de la vie quotidienne, devenant monstrueux. tailles, se transforment en instruments de torture.

Hieronymus Bosch Autel Jardin des Délices, 1504-1505

L'artiste habite le paysage fantastique avec de nombreuses espèces de flore et de faune réelles et irréelles
Au premier plan de ce paysage, représentant le monde antédiluvien, n'est pas représentée une scène de la tentation ou de l'expulsion d'Adam et Eve du Paradis, mais leur union par Dieu.
Il tient la main d'Ève comme il est d'usage lors d'une cérémonie de mariage. Ici Bosch dépeint le mariage mystique du Christ, Adam et Eve

Au centre de la composition s'élève la Haute Source de Vie. une structure élancée et rose ornée de sculptures complexes. Les gemmes scintillant dans la boue, ainsi que les bêtes fantastiques, sont probablement inspirées des idées médiévales sur l'Inde, qui captive l'imagination des Européens avec ses miracles depuis l'époque d'Alexandre le Grand. Il y avait une croyance populaire et assez répandue que c'était en Inde que se trouvait l'Eden, perdu par l'homme.

L'autel "Jardin des délices" est le triptyque le plus célèbre de Jérôme Bosch, nommé d'après le thème de la partie centrale, et est dédié au péché de luxure - Luxuria.
Il ne faut pas supposer que la foule des amants nus devrait, selon le plan de Bosch, devenir l'apothéose de la sexualité sans péché. Pour la morale médiévale, l'acte sexuel, qui au 20ème siècle a finalement appris à percevoir comme une partie naturelle de l'existence humaine, était plus souvent la preuve qu'une personne avait perdu sa nature angélique et était tombée bas. Au mieux, la copulation était considérée comme un mal nécessaire, au pire - comme un péché mortel. Très probablement, pour Bosch, le jardin des délices terrestres est un monde corrompu par la luxure.

Création du monde 1505-1506. Musée du Prado, Madrid.

Autel de Hieronymus Bosch "Carrosse de foin", 1500-1502

Le volet gauche du triptyque de Hieronymus Bosch « Carriage of Hay » est consacré au thème de la chute des ancêtres Adam et Eve. Le caractère traditionnel et emblématique de cette composition ne fait aucun doute : elle comprend quatre épisodes du livre biblique de la Genèse - le renversement des anges rebelles du ciel, la création d'Ève, la chute et l'expulsion du paradis. Toutes les scènes sont réparties dans l'espace d'un même paysage représentant le Paradis.

Chariot à foin 1500-1502, Musée du Prado, Madrid.

Le triptyque de Hieronymus Bosch « Carriage of Hay » est considéré comme la première des grandes allégories satiriques et instructives de la période de maturité de l'artiste.
Dans le contexte d'un paysage sans fin, une cavalcade suit une énorme charrette de foin, et parmi eux se trouvent l'empereur et le pape (avec des traits reconnaissables d'Alexandre VI). Des représentants d'autres classes - paysans, citadins, ecclésiastiques et religieuses - attrapent des brassées de foin dans la charrette ou se battent pour cela. Pour la vanité humaine fiévreuse d'en haut, le Christ regarde indifféremment et de loin, entouré d'un rayonnement doré.
Personne, à l'exception de l'ange priant au sommet de la charrette, ne remarque la présence divine ou le fait que la charrette est tirée par des démons.

Le volet droit du triptyque de Hieronymus Bosch "Porter le foin". L'image de l'Enfer se retrouve beaucoup plus souvent dans l'œuvre de Bosch que dans le Paradis. L'artiste remplit l'espace d'incendies apocalyptiques et de ruines d'édifices architecturaux qui rappellent Babylone - la quintessence chrétienne de la cité démoniaque, traditionnellement opposée à la "Cité de la Jérusalem céleste". Dans sa version d'Ada, Bosch s'est appuyé sur des sources littéraires, colorant les motifs glanés de là avec le jeu de sa propre imagination.

Les volets extérieurs de l'autel "Carrosse de foin" ont leur propre nom "Le chemin de la vie" et sont inférieurs à l'image sur les portes intérieures en termes de savoir-faire et ont probablement été complétés par les apprentis et disciples de Bosch
Le chemin du pèlerin de Bosch traverse un monde hostile et insidieux, et tous les dangers qu'il recèle sont présentés dans les détails du paysage. Certains menacent la vie, s'incarnant dans les images de voleurs ou d'un chien malfaisant (cependant, cela peut aussi symboliser des calomniateurs, dont le langage malin a souvent été comparé à l'aboiement d'un chien). Les paysans dansants sont l'image d'un danger moral différent ; comme des amants au sommet d'une charrette à foin, ils sont séduits par la « musique de la chair » et s'y soumettent.

Hieronymus Bosch "Visions des Enfers", partie de l'autel "Le Jugement dernier", 1500-1504

Paradis terrestre, composition Visions des enfers

Dans la période de maturité de la créativité, Bosch passe de l'image du monde visible à l'imaginaire, généré par son imagination irrépressible. Les visions lui apparaissent comme dans un rêve, car les images de Bosch sont dépourvues de corporéité, elles combinent avec fantaisie la beauté enchanteresse et l'irréel, comme dans un cauchemar, l'horreur : les figures fantômes éthérées sont dépourvues de gravité et s'envolent facilement. Les protagonistes des peintures de Bosch ne sont pas tant des personnes que des démons grimaçants, des monstres terribles et en même temps drôles.

C'est un monde au-delà du bon sens, le royaume de l'Antéchrist. L'artiste a traduit les prophéties qui s'étaient répandues en Europe occidentale au début du XVIe siècle - l'époque où la fin du monde était prédite,

Ascension à Empyrean 1500-1504, Palais des Doges, Venise.

Le Paradis Terrestre est situé directement sous le Paradis Céleste. C'est une sorte d'étape intermédiaire, où les justes sont purifiés des dernières taches du péché, avant de comparaître devant le Tout-Puissant.

Les représentés, accompagnés d'anges, marchent vers la source de la vie. Ceux qui ont déjà été sauvés tournent leurs yeux vers le ciel. Dans "Ascension to Empyrean", les âmes désincarnées qui se sont débarrassées de tout ce qui est terrestre se précipitent vers la lumière brillante qui brille au-dessus de leurs têtes. C'est la dernière chose qui sépare les âmes des justes de la fusion éternelle avec Dieu, de « la profondeur absolue de la divinité révélée ».

Le renversement des pécheurs 1500-1504, Palais des Doges, Venise.

"Casting Down Sinners" Les pécheurs, emportés par des démons, s'envolent dans les ténèbres. Les contours de leurs silhouettes sont à peine éclairés par les éclairs de l'enfer.

De nombreuses autres visions de l'Enfer, créées par Bosch, semblent également chaotiques, mais seulement à première vue, et après un examen attentif, on y trouve toujours une logique, une structure claire et une signification.

rivière de l'enfer composition Visions du monde souterrain 1500-1504, Palais des Doges, Venise.

Dans le tableau "Infernal River", une colonne de feu frappe le ciel du haut d'une falaise escarpée, et en bas, dans l'eau, les âmes des pécheurs pataugent, impuissantes. Au premier plan, le pécheur, sinon repentant, du moins pensif. Il est assis sur le rivage, inconscient du démon ailé qui lui tire la main. Le Jugement dernier est le thème principal qui traverse toute l'œuvre de Bosch. Il dépeint le Jugement dernier comme une catastrophe mondiale, une nuit illuminée par des éclairs infernaux, sur fond de laquelle des monstres monstrueux torturent les pécheurs.

À l'époque de Bosch, les clairvoyants et les astrologues affirmaient que l'Antéchrist régnerait sur le monde avant la seconde venue du Christ et le Jugement dernier. Beaucoup ont alors cru que ce moment était déjà venu. L'Apocalypse est devenue extrêmement populaire - la Révélation de l'Apôtre Jean le Théologien, écrite pendant la période de persécution religieuse dans la Rome antique, une vision de terribles catastrophes auxquelles Dieu soumettra le monde pour les péchés des gens. Tout périra dans la flamme purificatrice.

Le tableau "Extraction des pierres de la bêtise", qui illustre la procédure d'extraction de la pierre de la folie du cerveau, est dédié à la naïveté humaine et dépeint le charlatanisme typique des guérisseurs de cette époque. Plusieurs symboles sont représentés, comme un entonnoir de sagesse, posé sur la tête du chirurgien en parodie, une cruche à sa ceinture, un sac de patient percé d'un poignard.

Mariage à Cana

Dans l'intrigue traditionnelle du premier miracle créé par le Christ - la transformation de l'eau en vin - Bosch introduit de nouveaux éléments du mystère. Le psalmiste qui se tient les mains levées devant les mariés, un musicien dans une galerie impromptue, un maître de cérémonie désignant les plats de cérémonie exposés d'un travail exquis, un serviteur qui s'évanouit - tous ces personnages sont complètement inattendus et inhabituels pour l'intrigue représentée

Magicien 1475-1480s. Musée Boumans van Beiningen.

La planche de Hieronymus Bosch "Le Magicien" est une image pleine d'humour, où les visages des personnages eux-mêmes et, bien sûr, le comportement des protagonistes sont ridicules : un charlatan insidieux, un nigaud qui croyait avoir craché une grenouille, et un voleur, l'air indifférent portant son sac.

Le tableau "La Mort et l'Avare" est écrit sur une intrigue, peut-être inspiré du texte instructif "Ars moriendi" ("L'Art de mourir"), bien connu aux Pays-Bas, qui décrit la lutte des démons et des anges pour le âme d'un mourant.

Bosch capture l'apogée. La mort franchit le seuil de la chambre, l'ange fait appel à l'image du Sauveur crucifié, et le diable tente de s'emparer de l'âme d'un grincheux mourant.

La peinture "Allégorie de la gourmandise et de la luxure" ou autrement "Allégorie de la gourmandise et de la luxure", apparemment, Bosch considérait ces péchés comme l'un des plus dégoûtants et inhérents principalement aux moines.

Tableau "La Crucifixion du Christ". Pour Bosch, l'image du Christ est la personnification de la miséricorde, de la pureté spirituelle, de la patience et de la simplicité. Il est combattu par de puissantes forces du mal. Ils le soumettent à de terribles tourments, physiques et spirituels. Le Christ montre à l'homme un exemple de dépassement de toutes les difficultés. Il est suivi à la fois par les saints et par quelques personnes ordinaires.

Tableau "Prière de Saint Jérôme". Saint Jérôme était le saint patron de Jérôme Bosch. C'est peut-être pour cela que l'ermite est dépeint plutôt retenu.

Saint Jérôme ou bienheureux Jérôme de Stridon est l'un des quatre Pères de l'Église latine. Jérôme était un homme à l'intellect puissant et au tempérament fougueux. Il a beaucoup voyagé et dans sa jeunesse a fait un pèlerinage en Terre Sainte. Plus tard, il se retira pendant quatre ans dans le désert de Chalcis, où il vécut en ermite ascétique.

Dans le tableau "Saint Jean à Patmos", Bosch représente Jean l'Évangéliste, qui écrit sa célèbre prophétie sur l'île de Patmos.

Vers 67 fut écrit le Livre de l'Apocalypse (Apocalypse) du saint Apôtre Jean le Théologien. Dans celui-ci, selon les chrétiens, les secrets du destin de l'Église et de la fin du monde sont révélés.

Dans cet ouvrage, Jérôme Bosch illustre les paroles du saint : « Voici l'Agneau de Dieu, qui ôte le péché du monde.

Jean-Baptiste ou Jean-Baptiste - selon les Évangiles, le plus proche prédécesseur de Jésus-Christ, qui a prédit la venue du Messie. Il a vécu dans le désert comme un ascète, puis a prêché le baptême de repentance pour les Juifs. Il baptisa Jésus-Christ dans les eaux du Jourdain, puis fut décapité à cause des machinations de la princesse juive Hérodias et de sa fille Salomé.

Saint Christophe 1505. Musée Boumans van Beiningen, Rotterdam.

Saint Christophe est représenté comme un géant portant un enfant bénissant de l'autre côté de la rivière - un épisode qui découle directement de sa vie

Saint Christophe est un saint martyr vénéré par les églises catholique et orthodoxe, qui a vécu au 3ème siècle.

L'une des légendes dit que Christophe était un Romain d'une stature énorme, qui portait à l'origine le nom de Reprev.

Un jour, un petit garçon lui a demandé d'être transporté de l'autre côté de la rivière. Au milieu de la rivière, il est devenu si lourd que Christopher a eu peur qu'ils ne se noient tous les deux. Le garçon lui dit qu'il est le Christ et qu'il porte avec lui tous les fardeaux du monde. Ensuite, Jésus a baptisé Reprev dans la rivière, et il a reçu son nouveau nom - Christopher, "portant Christ". Alors l'Enfant a dit à Christopher qu'il pouvait planter une branche dans le sol. Cette branche est miraculeusement devenue un arbre fructueux. Ce miracle a converti beaucoup à la foi. Enragé par cela, le dirigeant local a emprisonné Christopher en prison, où, après de longs tourments, il a trouvé la mort d'un martyr

Dans la composition, Bosch met considérablement en valeur le rôle des personnages négatifs entourant le Christ, mettant au premier plan les images des voleurs. L'artiste s'est constamment tourné vers le motif du salut du mal complet du monde par le sacrifice de soi du Christ. Si au premier stade de la créativité le thème principal de Bosch était la critique des vices humains, alors, en tant que maître mûr, il cherche à créer l'image d'un héros positif, l'incarnant dans les images du Christ et des saints.

La Mère de Dieu trône majestueusement devant la hutte délabrée. Elle montre le bébé aux mages, vêtu de vêtements luxueux. Il ne fait aucun doute que Bosch donne délibérément au culte des Mages le caractère d'un service liturgique : en témoignent les cadeaux que l'aîné des « rois d'Orient » Valthazar dépose aux pieds de Marie - un petit groupe sculptural représente Abraham vers sacrifier son fils Isaac ; c'est un présage du sacrifice du Christ sur la croix.

Hieronymus Bosch a souvent choisi la vie des saints comme thème de ses peintures. Contrairement aux traditions de la peinture médiévale, Bosch dépeint rarement les miracles qu'ils ont créés et les épisodes gagnants et spectaculaires de leur martyre, qui ont ravi les gens de cette époque. L'artiste glorifie les vertus « tranquilles » associées à la contemplation égocentrique. Bosch n'a ni guerriers sacrés, ni gentilles vierges défendant désespérément leur chasteté. Ses héros sont des ermites, se livrant à de pieuses réflexions sur fond de paysages.

Martyre de sainte Liberata 1500-1503, Palais des Doges, Venise.

Sainte Liberata ou Vilgefortis (du latin Virgo Fortis - la Vierge inébranlable ; IIe siècle) est une sainte catholique, la patronne des filles cherchant à se débarrasser des admirateurs agaçants. Selon la légende, elle était la fille d'un roi portugais, un païen invétéré qui voulait la marier au roi de Sicile. Cependant, elle ne voulait épouser aucun roi, car elle était chrétienne et avait fait vœu de célibat. Dans un effort pour tenir son vœu, la princesse a prié le ciel et a trouvé une délivrance miraculeuse - elle a laissé pousser une longue barbe épaisse; le roi sicilien ne voulait pas épouser un homme aussi craintif, après quoi le père en colère ordonna de la crucifier.

De la Confiance du Christ dans toute leur cruauté sont représentés dans le tableau "Ecce Homo" ("Le Fils de l'Homme devant la Foule"). Bosch dépeint comment le Christ est porté sur un podium élevé par des soldats, dont les coiffes exotiques rappellent leur paganisme ; le sens négatif de ce qui se passe est souligné par les symboles traditionnels du mal : une chouette dans une niche, un crapaud sur le bouclier d'un des soldats. La foule exprime sa haine pour le Fils de Dieu avec des gestes menaçants et des grimaces terribles.

La vive authenticité des œuvres de Bosch, la capacité de représenter les mouvements de l'âme humaine, la capacité étonnante de dessiner un gros sac et un mendiant, un marchand et un infirme - tout cela lui donne une place importante dans le développement de la peinture de genre.

L'œuvre de Bosch semble étrangement moderne : quatre siècles plus tard, son influence se manifeste soudainement dans le mouvement expressionniste et plus tard dans le surréalisme.

De nombreux livres ont été écrits en l'honneur de saint Antoine, d'innombrables peintures ont été dessinées. était vraiment un grand croyant. Anthony inspire toujours les gens à gagner la foi de Dieu et à renoncer aux actes pécheurs.

Qui est-ce?

Saint Antoine le Grand était un ermite, un saint chrétien. Né en Haute-Égypte dans une famille aisée. Après la mort de ses parents, il a cédé ses biens aux pauvres et lui-même est allé dans le désert égyptien, où il a vécu de nombreuses années dans une solitude totale, se livrant à la prière et à la méditation. Il est considéré comme le fondateur du mode de vie monastique.

Une fois en Europe, il y avait une terrible épidémie d'érysipèle, les patients mendiaient des médicaments, prononçant le nom d'Anthony, alors la maladie s'appelait "Antonov fire".

Habituellement, l'ermite est représenté comme un vieil homme barbu, vêtu d'une robe et d'un manteau de moine. Dans sa main, il tient une vieille béquille avec une poignée en forme de T et une cloche. Il y a toujours un cochon à proximité, car à l'époque médiévale les moines-Antoniens engraissaient ces animaux, et le bacon était utilisé comme médicament contre la maladie "le feu d'Antonov". Parfois, une cloche est représentée sur le cou d'un cochon, car les animaux appartenant aux paroisses des frères avaient le droit de paître sur des pâturages spéciaux, ils se distinguaient des autres par la cloche.

Tentations

Comme beaucoup d'autres ermites, Saint Antoine a périodiquement vu des hallucinations - cela est dû au mode de vie ascétique dans le désert aride. Vivre sans assez d'eau, de nourriture et de compagnie conduit à un trouble mental. Dans les arts visuels, les artistes ont projeté dans leurs tableaux la tentation de saint Antoine sous deux formes :

1. Un saint qui est accablé par de terribles démons.
2. Des visions à tendance érotique.

Les démons séduisent un ermite dans sa demeure, parfois ils sont représentés sous les traits de monstres et d'animaux sauvages, déchirant la chair d'une personne. Mais dès que la lumière divine apparaît, tout disparaît dans les ténèbres et la tentation de saint Antoine s'arrête.

Les artistes ont toujours été très enthousiasmés par ce thème séduisant et salope. Au début de la peinture de la Renaissance dans cette intrigue, les femmes étaient représentées vêtues de vêtements, mais avec des cornes, qui rappelaient leurs origines démoniaques. Au XVIe siècle, les femmes commencent déjà à être peintes nues. Dans les tableaux, l'ermite mène une lutte acharnée contre sa chair et ses désirs charnels, il essaie de chasser ses séductrices passionnées par une croix ou une prière.

Comment est née la peinture de Salvador Dali ?

Le tableau de Salvador Dali est né grâce à un concours d'art annoncé par Albert Levin, un producteur américain. Pour le film d'après le célèbre roman Cher ami de Guy de Maupassant, il lui fallait une image inspirante d'un saint tenté. Ce projet a réuni 11 artistes de différents pays, et le jury comprenait deux personnalités : Marcel Duchamp (artiste emblématique) et Alfred Barr (premier directeur du Museum of Modern Art de New York).

Le vainqueur est Max Ernst, un surréaliste qui, comme Salvador Dali, a émigré d'Europe aux États-Unis pendant la guerre.

Le roman "Cher ami", pour lequel le tableau "La Tentation de saint Antoine" était nécessaire, décrit le destin d'un homme, un coureur de jupons de la haute société. Il avait une capacité unique à séduire les gens, mais, hélas, à part cela, il n'avait rien d'autre dans sa vie. De manière générale, Guy de Maupassant est réputé pour son excellente habileté à décrire les vices humains, ses personnages sont toujours dans le halo d'un mystérieux mélange de séducteur et de démoniaque.

Superbe toile

Le tableau "La Tentation de saint Antoine" (Salvador Dali) est exposé au Musée royal des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles.

L'intrigue de cette peinture dépeint d'étranges créatures que le diable envoie, et elles apparaissent à Saint Antoine. Salvador Dali a magistralement dépeint deux démons sinistres dans une belle femme nue.

L'artiste s'est inspiré de l'histoire du canon et a recréé un monde étrange rempli de symboles mystérieux et de nombreuses allusions. Tout le monde ne parvient pas à démêler son plan.

Dans le coin de l'image se trouve le saint ascète, il est protégé par un bois fait maison symbolisant une foi inébranlable. Des monstres pendent au-dessus du saint, comme s'ils essayaient de le faire sortir du tableau. Les animaux portent des péchés sur de fines pattes d'araignée. Si Antoine cède à la tentation ne serait-ce qu'une seconde, ses jambes se briseront et les péchés lui tomberont dessus.

Description du tableau "La Tentation de Saint Antoine"

La toile représente des animaux marchant en séquence : d'abord un cheval (il représente la force, parfois c'est un symbole de volupté), puis il y a un éléphant, sur le dos duquel se trouve un bol doré de luxure, et dans celui-ci une femme nue se balançant dangereusement sur un support fragile, qui souligne le caractère érotique de la composition d'ensemble... D'autres éléphants portent des objets insolites : un obélisque et un édifice vénitien de style palladien. En regardant le tableau "La Tentation de saint Antoine" de Dali, on peut voir qu'un autre éléphant marche au loin, portant une haute tour - un symbole de l'ordre mondain et spirituel.

Salvador Dali a présenté une histoire biblique classique dans un style unique et distinctif. C'est ce qui distingue le tableau "La Tentation de saint Antoine". Le format original de la toile est de 151x113 cm, le matériau est la toile et l'huile, le genre est le surréalisme.

Selon de nombreux experts et chercheurs, c'est avec ce tableau que débute une nouvelle branche dans l'œuvre du grand artiste. Trois éléments se conjuguent dans ses créations : la peinture classique, le spiritisme et l'ère atomique.

Courte biographie de Salvador Dali

Né le 11 mai 1904. Dès la petite enfance, la nature excentrique de Salvador Dali a commencé à apparaître, il était souvent capricieux et faisait des crises de colère. Il commence à peindre à l'âge de 4 ans et à 10 ans paraît son premier tableau représentant un paysage impressionniste. Le garçon passait des journées entières à dessiner dans la pièce qui lui était réservée à cet effet.

En 1925, alors que Salvador avait 21 ans, eut lieu sa première exposition, composée de 27 toiles et 5 dessins. Cependant, la gloire n'a commencé à lui venir qu'en 1930. Les peintures étaient dominées par les thèmes de la destruction, de la mort, de la décadence et (en raison de l'influence des livres de Freud) des expériences sexuelles humaines.

En 1959, l'amour des connaisseurs d'art pour le grand artiste de génie a commencé à se manifester, ses toiles ont été achetées pour beaucoup d'argent. De nombreux millionnaires ont jugé nécessaire d'avoir dans leurs collections

En 1973, le musée Dalí de Figueras a été ouvert. À ce jour, il ravit tous les visiteurs avec un plaisir indescriptible. El Salvador y a également été enterré en 1989, en plein centre du bâtiment sous une dalle banalisée.

"La Tentation de Saint Antoine" du peintre Bosch

On se souvient invariablement de Salvador Dali lorsqu'ils parlent de Hieronymus Bosch. Beaucoup de gens sont ambivalents sur le travail de cet artiste, et beaucoup de ses peintures sont franchement détestées. Pourtant, la plupart conviennent que les toiles de Bosch ont un pouvoir incroyable et attrayant.

L'artiste Jérôme Bosch aimait représenter Saint Antoine le Grand dans ses créations. L'une de ses meilleures œuvres est le triptyque "La Tentation de St. Antoine". Bosch dépeint dans l'image la race humaine, qui est embourbée dans les péchés et leur stupidité, une variété infinie de tourments infernaux qui attendent chaque personne, la Passion du Christ et la tentation de sa chair sont également ajoutées. Mais une foi inébranlable aide à résister aux puissants assauts des ennemis.

Peu de choses ont été écrites sur comment et pourquoi ce triptyque inhabituel a été créé. En 1523, il fut acheté par l'humaniste portugais Damiao de Gois. Dans le tableau "La Tentation de saint Antoine" Bosch a combiné tous les motifs créatifs qu'il a utilisés.

Description du triptyque

Le triptyque écrit par Bosch ("La Tentation de saint Antoine") regorge littéralement d'incroyables créatures fantastiques. L'intrigue peut être décomposée en moments distincts :

• La femme tenant le Calice du Sacrement est une sorcière avec un élixir de vie alchimique, brassé à l'aide de la magie noire.
• Les femmes noires, blanches et rouges sont la personnification de la transformation des éléments dans le processus alchimique. Le pichet et le verre sont remplis d'élixir démoniaque.
• Une créature tenant un œuf dans ses mains est une fausse couche, ou autrement - une personne d'un tube à essai. Dans ses mains se trouve une pierre qui peut transformer le métal en or.
• La chouette est le seul moment lumineux de l'image créée par Bosch. La Tentation de saint Antoine est une peinture très inhabituelle. Le hibou aide à témoigner des actions des alchimistes, il sert d'œil de Dieu.
• Toute une légion de démons est représentée sur l'aile gauche, leur diversité et leur sophistication étonnent l'imagination.
• Toute l'aile droite est remplie de diverses tentations personnalisées.

Livre de Gustave Flaubert

Ils n'aimaient pas seulement peindre Saint Antoine. Ils aimaient écrire sur lui. Par exemple, Gustave Flaubert s'est identifié à l'ermite, mais pas sous l'aspect du mode de vie, mais sous l'aspect de l'état d'esprit intérieur.

L'image de Saint Antoine a accompagné l'écrivain Gustave Flaubert pendant près de 30 ans. Le livre a été écrit en deux versions, la première a été publiée en 1849 et la seconde en 1856.

L'impulsion immédiate pour la création de l'œuvre "La Tentation de Saint-Antoine" Flaubert était la peinture de Bruegel le Jeune (Infernal). Il ne dépeint pas le tourment physique d'Antoine, mais un dialogue avec la procession sans fin de monstres et d'anciens dieux.

Certains critiques n'ont aucun doute que dans le drame, Flaubert a décrit sa propre obsession du désir, exprimée sous un jour tragique avec une tension romantique.