Ang mga graphic na disenyo ay nagbabago mula sa kultura patungo sa kultura, na naiimpluwensyahan ng pambansa mga kultural na tradisyon, kasaysayan at paraan ng pamumuhay. Parang sa musika at sining, aesthetics graphic na disenyo naiiba sa bawat kultura.

Ipinapakita ng graphic na disenyo ng Latin American ang pagmamahal ng Latin American sa mga party at pagdiriwang. Ang mga graphic designer ng Latin American ay hindi nakasalalay sa pagkiling pagdating sa paggamit maliliwanag na kulay at magkakaibang mga elemento.

Ginagamit din ang minimalism, ngunit pangunahin sa disenyo ng web - at hindi ito ang parehong "minimalism" tulad ng iba. Ang mundo ay maaaring matuto ng maraming mula sa Latinos; halimbawa, kung paano gawin ang buhay na hindi masyadong seryoso at magsaya. Itinuturo nila sa amin na malasahan ang disenyo hindi lamang sa paningin, ngunit sa lahat ng anim na pandama.

Tsina

Isa ang China sa mga sinaunang kabihasnan, mula noong hindi bababa sa 4000 taon. Noong kapanahunan nito, ang Tsina ay isa sa pinakamaunlad na lipunan sa mundo, ngunit dahil sa pag-unlad ng imperyalismo at mga digmaang sibil nagsimula ang pagbaba nito. Gayunpaman, ang Tsina ay may malago na sining, pampanitikan at kasaysayang pangkultura.

Ang Chinese graphic design ay medyo bago kumpara sa mga Western. Kamakailan lamang noong 1979, muling binuksan ng China ang mga pintuan nito sa mundo, tinatanggap ang mga bagong ideya at pinakabagong teknolohiya. Ang bansa ay gumagawa ng isang mabagal ngunit matatag na hakbang patungo sa mga demokratikong pananaw, na mas liberal patungo sa mga bagong ideya, lalo na sa sining at disenyo.

Bumuhos ang China ng malikhaing enerhiya at malakas na pakiramdam ng nasyonalismo (kung hindi man ay hindi gusto ng mga dayuhan), kaya hindi nakakagulat na ang modernong graphic na disenyo ay gumagamit pa rin ng parehong mga makasagisag na elemento na makikita sa tradisyonal na sining ng Tsino.

Ang graphic na disenyo sa China ay ginamit bilang mabisang lunas hindi opisyal na political will. Ito ay isang paraan ng pagkilala sa sarili at pagpapahayag ng sarili.

Kahanga-hangang Intsik Disenyo sa web

Ang Chinese web design ay masigasig sa flash. Ang mga website mula sa China ay napaka-interactive at mapaglaro. Ang ilang elemento sa graphic na disenyo ay kinopya mula sa ibang mga kultura. SA noong nakaraang dekada, ang Chinese na graphic na disenyo ay lubos na naiimpluwensyahan ng Kanluran, ngunit nananatili pa rin ang sarili nitong enerhiya at kaluluwang Tsino. Halimbawa, ginagamit sa disenyo ang mga simbolo mula sa feng shui, calligraphy, cultural festivals, atbp.

Japan

Ang kontemporaryong sining ng Hapon ay may maraming anyo: arkitektura, advertising, video game, anime at graphic na disenyo. Ang impluwensya ng Hapon sa sining ay napakalaki, na nag-aambag ng maraming ideya sa graphic na disenyo at kontemporaryong sining sa pangkalahatan. Ang Japanese graphic na disenyo ay urban at orihinal. Nagpapakita ito ng mga kulay na malapit sa neon, na ginagaya ang mga ilaw na nakikita natin sa gabi sa downtown Tokyo.

Ang Japanese graphic na disenyo ay lubos na naiimpluwensyahan ng tradisyonal na sining at manga ng Hapon.

Napakatalino ng Hapon Disenyo sa web

Ang Japanese graphic na disenyo ay kawili-wili dahil ito ay sa panimula ay naiiba sa kung ano ang nakasanayan natin sa Kanluran. Ito ay lubhang magkakaibang, na may pinaghalong luma at bago. Sa isang banda, ito ay makinis, futuristic at napaka minimalist. Sa kabilang banda, sobrang cute, childish at sira-sira.

Gitnang Silangan

Ang Gitnang Silangan ay inilalarawan sa Kanluran bilang misteryoso, kaakit-akit at mystical; ito ang lupain ng mga buhangin, lumilipad na mga karpet at mga magic lamp, isang imahe na karamihan sa atin ay binisita lamang sa ating mga panaginip. Ang Gitnang Silangan ay kabalintunaan - ang kulturang ito ay pinayaman ng isa sa pinakamatanda at pinakamalawak na visual arts sa kasaysayan, na nagmula noong libu-libong taon.

Gayunpaman, ang graphic na disenyo sa Gitnang Silangan ay medyo bata pa. Ang pakikibaka para sa mundo ng Arab ay nagpapatuloy: dito ang isang malayang artista ay hindi pinakamahusay na paraan kumita ng kabuhayan, hindi masyadong sumusuporta ang gobyerno at kakaunti lang ang mga graphic design school sa rehiyon.

Ang graphic na disenyo ng Gitnang Silangan ay kasing ganda ng pagiging mystical nito. Present malakas na impluwensya lumang kaligrapya at Arabic na script, pagkopya ng mga form at sample.

Ang Gitnang Silangan ay dahan-dahang nagbubukas sa kulturang "lipunan ng mamimili" ng Kanluran. Gustung-gusto ng mga Arabo ang kanilang ginto - at ang pagmamahal na ito ay malinaw na makikita sa disenyo.

Tulad ng ibang bahagi ng mundo, ang mundo ng Gitnang Silangan ay apektado ng virus ng minimalism, ngunit pinapanatili pa rin ang kapaligiran ng Middle Eastern na pamilyar sa ating lahat.

Marangyang Middle Eastern Disenyo sa web

Ang disenyo ng Middle Eastern ay mayaman sa kulay at kultura. Tulad ng ibang mga bansa sa Asya, ang Gitnang Silangan ay nagsasaya sa mga magagandang simbolo at kaligrapya. Sa ilang mga lugar, ang rehiyon ay nananatiling konserbatibo sa maraming mga isyu.

Halimbawa, kailangan nilang buksan ang kanilang sarili sa mga freelancing na ideya, babaeng graphic designer, atbp. Gayunpaman, ang rehiyong ito ay pugad ng mga bago at halo-halong ideya. Marami silang inangkop na mga ideya sa Kanluran sa disenyo ngunit napanatili nila ang isang natatangi na nagpapaiba sa kanila sa iba.

Netherlands

Ang Netherlands ay isang bansang nagsasalita ng Dutch na matatagpuan sa hilagang-kanluran ng Europa, na napapahangganan ng Belgium sa timog at Alemanya sa silangan. Ang Netherlands ay isang maliit na bansa, ngunit ito ay tahanan ng ilan sa mga pinakadakilang master sa kasaysayan: Rembrandt, Van Gogh, Van Eyck, Mondrian at Van Deusberg.

Ang Dutch graphic na disenyo ay nagsusumikap para sa indibidwalismo, kung hindi anarkismo. Mas pinipili nito ang malinis, minimalist na mga solusyon - pagkatapos ng lahat, dito ipinanganak ang kilusang De Seille, na nauna sa minimalism. Ang mga Dutch ay naaakit sa konseptong sining at modernong mga paksa. Pinahahalagahan ang pagiging simple, at ang "walang disenyo" ay isang karaniwang diskarte sa disenyo.

Ang mga taga-disenyo ng Dutch ay madalas na gumuhit ng konsepto. Ang isa sa aking mga paborito ay ang batang Dutch graphic designer na si Victor Van Gaasbeek, na ang trabaho ay karaniwang Dutch, moderno, ngunit gumagamit ng natural at natural na mga elemento.

Grand Dutch Disenyo sa web

Ang Netherlands at ang mga kalapit na bansa nito ay nagtakda ng mga uso pagdating sa graphics at disenyo ng web. Ang kanilang sining ay perpekto, konseptwal at chic. Hindi ito nangangahulugan na ito ay ganap na seryoso at minimalist - ang disenyo ng Dutch ay maaaring mapaglaro.

Marahil dahil sa malakas na pinansiyal na suporta ng gobyerno para sa sining, o sa malakas na ekonomiya ng bansa, o marahil sa pagkahilig ng mga lokal sa sining, ang Dutch graphic na disenyo ay kabilang sa mga pinaka-advanced sa mundo.

Konklusyon

Since iba't ibang kultura magkaiba ang nakaraan at kasalukuyan, magkaiba tayo ng karanasan, paniniwala at moral. Nakikita natin ang mundo mula sa isang bahagyang magkaibang anggulo. Ang mga graphic designer sa buong mundo ay may sariling diskarte sa sining. Sa kabila nito, ang isang pahayag ay nananatiling hindi mapag-aalinlanganan: magandang disenyo ay palaging magiging magandang disenyo.

Kahit na hindi natin naiintindihan ang kahulugan, simbolo at kaligrapya na ginagamit, maaari nating makilala ang magandang disenyo sa masama. Ang pag-unawa sa sining ay umiiral sa mga hangganan ng kultura at heograpikal; at ito ay higit pa sa kabuuan ng ating kultura at paniniwala. Ang kamalayan sa disenyo ay isang internasyonal at unibersal na pakiramdam na nararamdaman ng lahat, anuman ang kulay ng balat o nasyonalidad.

Bilang bahagi ng Moscow Design Week lecture, nagsalita si Sergei Serov tungkol sa 25 pangunahing pangalan sa graphic na disenyo. Ang lecture na "Mga Icon ng Disenyo" ay sinamahan ng mga ilustrasyon kung saan ipinakita ng lecturer ang mga pangunahing tampok ng istilo ng bawat designer at sinabi kung paano ito nakaimpluwensya sa pandaigdigang komunidad.

Ang Pangulo ng International Biennale of Graphic Design na "Golden Bee", isang propesor sa RANEPA School of Design, ay nagbigay ng makasaysayang iskursiyon na nakatuon sa pagbuo ng graphic na disenyo. Ang pamagat ng panayam, "Mga Icon ng Disenyo," ay tumutukoy sa aklat na may parehong pangalan ni John Clifford, na inirerekomenda ni Sergei Serov sa sinumang interesado sa kasaysayan ng disenyo. Sa kanyang pagpili sa 25 pinaka-maimpluwensyang designer, ang lecturer ay umasa sa mga pananaw ng internasyonal na propesyonal na graphic na disenyo ng komunidad. Tinawag ni Sergey Serov ang panayam na "Mga Icon ng Disenyo" na isang subjective generalization ng mga layunin na pananaw.

Isa sa mga pangunahing mga puwersang nagtutulak, na bumuo ng graphic na disenyo mula sa simula ng ika-20 siglo, ay naging avant-garde ng Russia, kaya ang mga unang posisyon sa listahan ay kinuha ni Alexander Rodchenko at El Lissitzky, na naging mga icon at guro para sa maraming mga masters. Ang manifesto ng Russian avant-garde ay naging batayan ng European avant-garde at ang sikat na Swiss school ng graphic na disenyo. Ang mga dinamika, diagonal, mga simbolo ng ika-20 siglo, na ipinahayag sa imahe ng isang kotse at mga bagong bilis - lahat ng ito ay ipinahayag sa mundo ng graphic na disenyo ng mga Russian avant-garde artist na sina Rodchenko at Lissitzky.

Walang perpektong mga paaralan sa graphic na disenyo: ang mga master ay nagdadala ng mga bagong teknolohiya at mga pangitain na bumaba sa kasaysayan, ngunit sa parehong oras, ang ilang bahagi ng poster ay maaaring "lumubog." Ang hamon para sa mga taga-disenyo ay matuto ng pinakamahuhusay na kagawian at matuto mula sa napakaraming mahuhusay na graphic artist. Kasama sa kasaysayan ang mga pangalan ng mga lumikha ng mga bago o nagpapahusay sa mga umiiral na. umiiral na mga prinsipyo, sumusunod sa manifesto. Ang poster bilang isang produkto ng graphic na disenyo ay nabuo at naging isang bagay ng sining salamat sa mga personalidad, mga bagong teknolohiya at, sa ilang mga kaso, ang personal na karisma ng mga taga-disenyo.

Nangungunang 25 Graphic Designer:

1. Jules Cheret
2. Alexander Rodchenko
3. El Lissitzky
4. Piet Zwart
5. Adolphe Muron Cassander
6. Alexey Brodovich
7. Jan Tschichold
8. Joseph Müller-Brockmann
9. Emil Ruder
10. Extl Aicher
11. Henryk Tomaszewski
12. Eskudo de armas ng Lubalin
13. Milton Glaser
14. Massimo Vignelli
15. Karel Martens
16. Yusaku Kamekura
17. Koichi Sato
18. Shigeo Fukuda
19. Kenya Hara
20. Alan Fletcher
21. April Greiman
22. Ralph Schreivogel
23. Niklaus Troxler
24. David Carson
25. Stefan Sagmeister

Ang Moscow Design Week ay isang pagdiriwang na nakatuon sa disenyo sa lahat ng mga pagpapakita nito, mula sa fashion hanggang sa arkitektura. Ang kaganapan ay magsasama-sama ng mga kinatawan ng merkado sa isang yugto upang lumikha at palakasin ang mga koneksyon sa negosyo, makipagpalitan ng mga ideya, at magsimula ng bago matagumpay na mga proyekto at pag-unlad ng disenyo sa Russia.

Normal na tingnan ang napakatalino na gawa ng mahuhusay na graphic designer at gustong gumawa ng katulad nito. O kahit na nais na maging tulad ng mga masters ng kanilang craft. Ang inspirasyong ito ang nagpadala ng maraming propesyonal sa larangan ng graphic na disenyo. Bagaman, siyempre, para sa ilan ito ay humahantong sa wala. Gayunpaman, para sa iba, ito ay nagpapakita ng isang tunay na pagkahilig para sa disenyo at kung minsan ay nagbibigay-daan sa isang makinang na taga-disenyo na maging sentro ng entablado.

Sa kasamaang palad, hindi lahat, kahit na ang pinaka-talentadong taga-disenyo, ay may kakayahang maging outstanding at makakuha ng pagkilala. Mayroong ilang mga kadahilanan na makakatulong sa iyong maabot ang tuktok. Sa artikulong ito, titingnan namin ang isang listahan ng mga bagay na makakatulong sa iyong makamit ang kadakilaan at isang tiyak na katayuan sa mundo ng graphic na disenyo. Magiging magandang panimulang punto din sila para sa iyo.

TEORYA

Ang graphic na disenyo ay higit na subjective, kaya malamang na hindi ka makakahanap ng isang solong trabaho sa disenyo na talagang magugustuhan ng lahat. Iba't ibang bagay ang gusto ng mga tao at okay lang! Gayunpaman, may mga pangkalahatang tinatanggap na teorya sa disenyong grapiko; mga ideya na kumukuha ng kakanyahan ng malakas na gawaing disenyo. Tumutulong sila sa pagtukoy kung aling mga graphic na disenyo ang maganda at alin ang hindi. Bukod dito, ang mga teoryang ito ay nagpapahusay sa mga kakayahan ng taga-disenyo.

Ang pagkakapareho ng lahat ng mga sikat na graphic designer ay ang bawat isa sa kanila ay may direktang kamay sa pagbuo ng mga umiiral na teorya ng disenyo, at ito ay malinaw na makikita sa kanilang trabaho. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay si Joseph Müller-Brockmann, ang may-akda ng publikasyong “Modular Grids in Graphic Design.” Inilalatag nito ang teorya at pundasyon para sa paggamit ng modular grids na sangguniin ng maraming designer sa mga darating na taon.

TECHNICAL SKILLS

Ang mga teknikal na kasanayan ay tumutulong sa isang graphic designer na buhayin ang kanyang mga ideya. At dito kailangan ang parehong kamay at isip. Ang mga kamay ay tumutukoy sa kakayahang gumamit ng mga tool tulad ng lapis o trackpad. Tungkol naman sa mental skills, dito pinag-uusapan natin O mga operasyong matematikal, mga sukat o pagsasaayos ng kulay.

Ang lahat ng mahusay na graphic designer ay mayroon mataas na antas teknikal na kasanayan sa hindi bababa sa isang lugar ng graphic na disenyo. At ito ay marahil pinakamahusay na inilarawan ni Jan Tschichold. Siya ay may tiyak na pagkahumaling sa dekorasyon at hitsura mga libro, dahil sa kanyang walang kapantay na teknikal na kasanayan.

Sa larawan sa itaas makikita mo ang isang halimbawa ng kanyang eksaktong mga kinakailangan sa proporsyon para sa Penguin Branding Handbook.

INTUITION

Marahil ito ang mismong kadahilanan na matatawag na "espesyal". Ang ilang mga tao ay may intuwisyon, ang ilan ay wala. Ang katangiang ito ay nagmumula sa isang walang pigil na kuryusidad sa disenyo, at higit pa sa paggawa ng pera, gayundin sa pagbuo ng isang karera. Ito ay kung saan ang pang-unawa ng mga katotohanan sa disenyo ay sa ilang paraan ay nakasalalay sa proseso ng pangangatwiran. Ang mga desisyon na ginagawa ng isang taga-disenyo ay batay hindi lamang sa teorya o pormalidad, kundi pati na rin sa malikhaing inspirasyon na may pagpapahayag ng sarili.

Ang intuition ay isang kalidad na taglay ng lahat ng mahuhusay na designer at palaging makikita sa gawa ng graphic designer na si Saul Bass, na makikita mo sa itaas. Ang kapangyarihan ng disenyo sa kanila ay mas intuitive at emosyonal kaysa sa intelektwal. Gayunpaman, ang pagwawagi ng teorya at teknikal na kasanayan lamang ay hindi magdadala sa iyo sa parehong antas ng Bass. Dapat kang matutong magtiwala sa iyong intuwisyon, at maging handa na maging malikhaing kusang-loob.

MGA RESOURCES

Kung wala kagamitang teknikal sa graphic na disenyo - wala kahit saan. Sa ilang lugar kabilang dito iba't ibang instrumento para sa pag-print, papel, gunting, ruler, atbp. Tulad ng para sa digital na mundo, walang paraan kung wala ang mga computer, mga espesyal na tablet, software, mga aklatan na may mga texture, font at template. Kung wala ang lahat ng ito, ang isang taga-disenyo ay walang iba kundi isang sisidlan na may koleksyon ng mga kaisipan, ideya at damdamin.

Ang isang mahusay na halimbawa ng pagtatrabaho sa kagamitan ay ang proyekto ni David Carson para sa publikasyong Ray Gun, kung saan natagpuan niya ang kanyang sariling hindi pangkaraniwang diskarte. Siya ay naggupit, nagpalit ng kulay, naglapat ng mga letra at mga imahe sa mga layer, at ang kanyang layout ay higit na nakapagpapaalaala sa mga pictorial canvases. Ang pagkakaroon ng mga mapagkukunan ang nakatulong kay Carson na maging kung ano siya ngayon - isang alamat ng graphic na disenyo.

PERSONALIDAD

Sa mundo ng graphic na disenyo, kakaunti lamang ang mga master na ang trabaho ay napaka-indibidwal na maaari itong makilala mula sa libu-libo. Dahil ang mga tao ay naghahanap ng sariling katangian, karakter at sigla, ang pagkilala sa isang taga-disenyo ay higit sa lahat dahil sa ang katunayan na ang kanyang personalidad ay makikita sa kanyang trabaho.

Ang personalidad ni Paul Rand at ang kanyang mga proyekto ay palaging isang bagay. Ang kanyang mga paleta ng kulay, mapaglaro, ngunit sa parehong oras seryoso, sensitibo at hindi perpektong anyo ay nagsalita tungkol sa kung sino siya bilang isang tao. Ito marahil ang may mahalagang papel sa katotohanan na siya ay minamahal hindi lamang ng mga tao mula sa bilog ng mga taga-disenyo, kundi pati na rin ng mga nasa labas nito.

REBOLUSYONARYO

Kapag nagtanong ang isang tao: ano ang normal; binabago ang tila pamilyar at nag-imbento ng mga bagong konsepto - nakakaakit siya ng pansin ng publiko. Sumang-ayon na ang panonood ng isang tao nang sabay-sabay na sumisira at lumikha ng isang bagay ay maaaring maging isang napaka-kamangha-manghang proseso.

Marahil ang lahat ng mga magagaling na taga-disenyo na umiral at nabubuhay ngayon ay mga rebolusyonaryo ng kanilang sarili na hindi naglaro ng mga patakaran. Isa sa kanila ay si Bradbury Thompson. Noong araw kung kailan mahigpit na bahagi ng print production ang CMYK, ginamit niya ito bilang isang bahagi ng proseso ng creative. Ang pagtanggi na gamitin ang mga kulay na ito upang tumpak na magparami ng mga imahe o mga kulay ng isang partikular na kulay, nakita niya ang mga ito bilang apat. ilang mga kulay sa palette. Ang pagtuklas nito ay may kaugnayan pa rin ngayon, at maraming mga taga-disenyo ang matagumpay na gumagamit nito.

SA KONGKLUSYON...

Siyempre, ang mahalagang katangian para sa sinumang mahusay na graphic designer ay talento. Ngunit ang kasikatan ba isang mahalagang sangkap kadakilaan? Posible na ito ay sariling kaakuhan lamang, na umiiral nang hiwalay sa mismong kakanyahan ng disenyo. Siguro ngayon sapat na ang maging isang mahuhusay na graphic designer?

Milton Glaser noong 1974. Larawan: © Cosmos Sarchiapone

Sa kabila ng kanyang katandaan, patuloy pa rin ang pagiging malikhain ni Milton Glaser. Siya ang nagbigay sa mundo ng New York Magazine, ang sikat na psychedelic poster na naglalarawan kay Bob Dylan, ang corporate identity ng Brooklyn Brewery at, siyempre, ang permanenteng simbolo ng New York - ang I love New York logo.

Ngayon sa kanyang mga otsenta, si Milton Glaser ay nakatira sa Manhattan at, bagaman marami sa edad na ito ay nagretiro na, siya ay nagpapatakbo ng kanyang sariling disenyo ng studio, na puspusan. Tulad ng maraming taon na ang nakalilipas, patuloy siyang gumuhit ng mga poster, lumikha ng mga logo at bumuo ng mga istilo ng korporasyon. Bilang karagdagan sa pagsasanay, si Glaser ay kasangkot din sa teorya: nagbibigay siya ng mga lektura sa mga unibersidad, nagsusulat ng mga sanaysay at teoretikal na mga talakayan tungkol sa koneksyon sa pagitan ng disenyo at sining at ang kanilang impluwensya sa isa't isa, tungkol sa propesyon ng taga-disenyo at ang pagiging kumplikado ng proseso ng malikhaing.

Ang logo ay nilikha noong 1977.

Pagkabata at edukasyon

Si Milton Glaser ay isinilang noong Hunyo 26, 1929 sa New York City sa isang pamilyang Hudyo na may pinagmulang Hungarian. Nang si Milton ay limang taong gulang, ang kanyang pinsan ay gumuhit ng isang kabayo sa harap niya - noon ay napagtanto ni Glaser ang kapangyarihan ng graphic art. Ito ang unang pagkakataon na nakakita siya ng isang tao na gumuhit ng isang bagay na talagang umiiral. Naisip niya na kaya niyang lumikha ng isang buong mundo simpleng paggalaw lapis. Ang masigasig na pakiramdam na ito ay hindi umalis sa kanya sa buong buhay niya.

Sa edad na labing pito, kinumpirma ni Glaser ang kanyang pagnanais na maging isang artista. Noon niya napagtanto na ang tunay na layunin ng sining ay upang tayo ay maging matulungin; tinutulungan tayo ng sining na mabuhay. Sa isang panayam sa Smashing Magazine, sinabi ni Glazer na siya ay nakaupo sa likod mesa sa kusina at biglang nagpasya na gumuhit ng larawan ng kanyang ina. Sa sandaling iyon ay napagtanto niyang hindi niya alam kung ano ang hitsura nito. Nang magpasya siyang iguhit ang kanyang ina ay naging interesado siya sa hitsura nito.

Nag-aral si Glaser sa High School of Music and Art ng Manhattan, pagkatapos noong 1951 ay nagtapos siya sa pribadong Cooper Union College sa New York (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art) Ang kanyang edukasyon at karagdagang pagkamalikhain ay naimpluwensyahan ng pagkakataon upang manirahan sa ibang bansa, lalo na sa Italya Pagkatapos makapagtapos ng kolehiyo, pumasok si Glaser sa Academy of Fine Arts of Bologna (Accademia di Belle Arti di Bologna) sa ilalim ng Fulbright Scholarship: doon siya nag-aral.

Push Pin Studios

Noong 1954, itinatag ni Glaser ang Push Pin Studios kasama ang mga kaibigan sa kolehiyo na sina Reynold Ruffins, Seymour Chwast at Edward Sorel. Ang ideya na lumikha ng kanilang sariling kumpanya ay dumating sa Sorel at Chwast matapos silang matanggal sa Esquire magazine sa parehong araw. Gamit ang kanilang huling pera ay umupa sila ng isang madilim at mamasa-masa na silid sa East 17th Street sa Manhattan. Pagkalipas ng ilang buwan, bumalik si Glaser mula sa Italya at sumali sa studio. Sa loob ng dalawampung taon, nagpatakbo sina Glaser at Seymour ng isang workshop na magkakaroon ng malalim na impluwensya sa pagbuo ng graphic na disenyo sa buong mundo.

Ang highlight para sa Push Pin Studios ay ang eksibisyon na The Push Pin Style sa Louvre: noong 1970-1972, bilang karagdagan sa Paris, binisita nito ang iba pang mga lungsod sa Europe, Brazil at Japan.

Umiiral pa rin ngayon ang Push Pin Studios, ngayon lang ang nag-iisang direktor nito ay si Seymour Chwast.

Noong 1967, si Milton Glaser, na nagtatrabaho sa Push Pin Studios, ay lumikha ng isang psychedelic na larawan ni Bob Dylan, na kalaunan ay ginamit upang magdisenyo ng isang koleksyon ng mga pinakamahusay na hit ng mang-aawit.

New York Magazine

Noong 1968, nilikha ni Glaser ang New York Magazine kasama si Clay Felker. Si Glaser ang presidente at direktor ng disenyo ng kumpanya hanggang 1977. Sa una, ang magazine ay nilikha bilang isang uri ng alternatibo sa mayroon nang The New Yorker. Siya ay naging walang pakundangan at prangka at naging bahagi ng tinatawag na New Journalism, isang kilusan sa American journalism noong 1960s at 1970s. Ang publikasyong ito ay naging isang icon ng magazine ng lungsod at nagbunga ng isang buong serye ng mga imitasyon.

Sa loob ng anim o pitong taon, isinulat nina Glaser at Jerome Snyder ang The Underground Gourmet, isang gabay sa mga murang restaurant ng New York. Ito ay orihinal na isang kolum lamang sa New York Magazine. Interesado ang lahat kung saan sila makakakain ng mura at malasa, kaya naging tanyag ang column na kailangang mailathala ang isang buong libro.

Walter Bernard at Milton Glaser

WBMG

Noong 1983, itinatag ni Glaser ang WBMG kasama si Walter Bernard. Ito ay isang maliit na kumpanya ng disenyo na kasangkot sa paglalathala. Sa panahon ng kanilang pag-iral, sila ay nagdisenyo para sa higit sa limampung magasin, pahayagan at iba pa. mga peryodiko sa buong mundo, at na-update din ang disenyo ng mga sikat na pahayagan gaya ng American The Washington Post, Catalan La Vanguardia at Brazilian O Globo.

Milton Glaser, Inc. Ang sining ay trabaho

Noong 1974, itinatag ni Glaser ang kanyang sariling studio, Milton Glaser, Inc., sa Manhattan. , na gumagana pa rin hanggang ngayon. Bilang karagdagan kay Glaser mismo, ang studio ay gumagamit ng dalawa pang designer: Sue Walsh at Jee-eun Lee. Ang mga aktibidad ng kumpanya ay sumasaklaw sa halos lahat ng mga lugar ng disenyo - mula sa paglikha ng mga logo hanggang sa panloob na disenyo. Sa bukid naka-print na graphics umuunlad ang studio pagkakakilanlan ng korporasyon, na kinabibilangan ng mga logo, letterhead, brochure, signage at taunang ulat. Sa larangan ng panloob at pangkapaligiran na disenyo, bumuo sila ng mga konsepto at pinangangasiwaan ang paglikha ng iba't ibang produkto, interior at exterior ng restaurant, mga shopping center, hotel at iba pang retail at commercial space.

© Milton Glaser
Logo ng Brooklyn Brewery. © Milton Glaser
Logo ng New York magazine. © Milton Glaser
Logo ng kumpanya ng binhi. © Milton Glaser
Logo ng record company na Tomato Records. © Milton Glaser, 1978
Logo ng mga anghel sa America. © Milton Glaser
Logo ng DC Comics. © Milton Glaser 1977
Logo ng teatro ng School of Visual Arts. © Milton Glaser
© Milton Glaser
© Milton Glaser
© Milton Glaser

"Ang paglikha ng isang logo ay isa sa mga pinaka nakakainip na trabaho para sa isang taga-disenyo. Marami pang mas kawili-wiling bagay." Si Milton Glaser ay tinatawag na pinaka-prolific na taga-disenyo ng logo. Sa katunayan, kakaunti ang mga tao ang nakagawa ng napakaraming di malilimutang mga palatandaan. "Ang pag-uusap tungkol sa mga logo ay napaka-boring," sabi ng Amerikano sa isang pakikipanayam sa Smashing Magazine. "Alam mo kung bakit pinag-uusapan ng lahat ang tungkol sa kanila: nagdadala sila ng pera."

Ang pinakakopyang logo sa mundo

Siyempre, ang pinakasikat na logo ng Glaser ay ang I love New York logo, na nilikha niya noong kalagitnaan ng 1970s para sa kampanya sa advertising para sa pagpapaunlad ng turismo sa New York. Ang logo ay binubuo ng isang malaking titik I, isang pulang simbolo ng puso, at mga malalaking titik NY, isang pagdadaglat para sa New York City. Ang mga titik ay nakatakda sa American Typewriter sans serif font.

Orihinal na sketch ng logo

Noong 1977, hiniling ng New York State Department of Commerce ang ahensya ng advertising na Wells Rich Greene na bumuo ng isang kampanya sa marketing para sa New York State. Dinala din si Milton Glaser para magtrabaho sa proyekto. Kapansin-pansin, ipininta ni Glaser ang I love NY sa isang boluntaryong batayan (i.e. nang libre), sa pag-aakalang tatagal lamang ng ilang buwan ang kampanya at mawawala nang walang bakas. Ngunit ang logo na ito ay naging napakapopular na nagsimula itong gamitin sa lahat ng dako, at marami ang tumatawag sa I love NY na pinakamatagumpay na logo sa kasaysayan ng graphic na disenyo.

Ang logo ay nakakuha ng partikular na kahalagahan pagkatapos ng mga kaganapan noong Setyembre 11, na nagbunga ng diwa ng pagkakaisa at pagtutulungan sa mga residente ng lungsod. Maraming bisita sa lungsod ang nagsuot ng I love New York T-shirts upang ipahayag ang suporta sa lahat ng naapektuhan ng pag-atake ng terorista.

Ilang araw pagkatapos ng mga kaganapan noong Setyembre 11, nagising si Glaser at napagtanto na hindi na ang kanyang logo ang kailangan ng mga residente ng lungsod. Nagbago ang kanyang damdamin para sa lungsod at kailangang baguhin din ang logo. Ganito lumabas ang isang bagong bersyon ng logo na may mga salitang I love NY More than Ever ( "Mahal ko ang New York higit kailanman") na may maliit na itim na batik sa pulang puso. Ang lokasyon ng itim na lugar na ito ay hindi nagkataon: minarkahan nito ang lokasyon sa mapa ng New York kung saan matatagpuan ang World Trade Center.

Humingi ng tulong si Glaser sa paglikha bagong bersyon logo sa School of Visual Arts. Tinawag niya ang kanyang kaibigan na si Silas Rhodes at sinabing mayroon siyang ideya: gusto niyang mag-print ng mga poster at ilagay ang mga ito sa subway. Dahil dito, limang libong poster ang nailimbag, na ipinaskil ng mga mag-aaral sa buong lungsod. Kaya, mula sa halos bawat bintana sa lungsod ay makikita ng isa ang poster na ito, na lalong nagkaisa sa mga residente.

Ang logo ay naging isang icon ng pop culture at ginagamit pa rin kahit saan, mula sa NYC mug at T-shirt hanggang sa malalaking banner. Sinusubukan ng New York na panatilihin ang copyright sa logo, ngunit ayon sa data mula 2005, humigit-kumulang tatlong libong kaso ng imitasyon ang nairehistro.

Pinag-uusapan ni Glaser kung paano niya ini-sketch ang logo upuan sa likod New York taxi: “Natuwa ako. Nagkaroon ng pakiramdam ng hindi maiiwasan tungkol sa aking ideya. Ang anyo at nilalaman ay lubos na nagkakaisa na imposibleng paghiwalayin ang isa sa isa." Hindi pa rin maintindihan ni Glaser kung bakit naging napakasikat ang logo na ito hindi lamang sa New York, kundi sa buong mundo.

Disenyo bilang sining

Ang gawa ni Milton Glaser ay isinama sa maraming eksibisyon sa buong mundo, kabilang ang mga solong palabas sa Museum of Modern Art sa New York noong 1975 at sa Center Georges Pompidou sa Paris noong 1977. Maraming beses nang nagpakita si Milton Glaser sa Italya. Noong 1991, inimbitahan siya ng gobyerno ng Italya na mag-curate ng isang eksibisyon bilang parangal sa quincentenary ng Italian artist na si Piero della Francesca. Binuksan ang eksibisyon sa Arezzo at makalipas ang isang taon, salamat sa sponsorship ng Campari, lumipat sa Milan. Noong 1994, nagkaroon ng eksibisyon si Glaser sa kanyang bayan na Cooper Union College. Noong 1997, isang retrospective ng gawa ng Push Pin Studios ang ipinakita sa Japan, na kinabibilangan ng mga personal na gawa ni Milton Glaser at iba pang studio artist. Gayunpaman, ang pangunahing retrospective ng kanyang trabaho ay binuksan noong Pebrero 2000 sa Venice, sa Fondazione Bevilacqua La Masa.

Mga graphic na gawa ni Milton Glaser.
Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser.
Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser.
Mga graphic na gawa ni Milton Glaser.
Mga graphic na gawa ni Milton Glaser.
Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser. Mga graphic na gawa ni Milton Glaser.

Kontribusyon sa kultura

Sa buong kanyang karera, nakatanggap si Milton Glaser ng maraming mga parangal, kasama na noong 2004 nakatanggap siya ng parangal para sa mga makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng modernong disenyo mula sa National Design Museum (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Napakalaki ng kontribusyon ni Glaser sa pagbuo ng graphic na disenyo: para sa marami, siya ang buhay na sagisag ng American graphic na disenyo, isang bihirang halimbawa na pinagsasama ang malalim na intelektwal na pag-iisip sa isang hindi kapani-paniwalang kayamanan ng visual na wika.

Ang 10 Panuntunan ni Milton Glaser

Makipagtulungan lamang sa mga taong gusto mo

Kinailangan ko ng mahabang oras upang bumalangkas ng panuntunang ito para sa aking sarili. Noong nagsimula ako, naisip ko sa kabaligtaran, na ang propesyonalismo ay ang kakayahang magtrabaho sa sinumang kliyente. Ngunit sa paglipas ng mga taon, naging malinaw na ang pinaka-makabuluhan at magandang disenyo ay naimbento para sa mga customer na kalaunan ay naging kaibigan ko. Mukhang mas mahalaga ang simpatiya kaysa propesyonalismo sa ating trabaho.

Kung mayroon kang pagpipilian, huwag kunin ang trabaho.

Minsan ay narinig ko ang isang panayam sa radyo kasama ang magaling na kompositor at pilosopo na si John Cage Jr. Siya ay pitumpu't limang taong gulang noon. Nagtanong ang nagtatanghal: "Paano maghanda para sa pagtanda?" Lagi kong naaalala ang tugon ni Cage: "Mayroon akong isang payo. Huwag kailanman pumasok sa trabaho. Kung pupunta ka sa opisina araw-araw sa buong buhay mo, isang araw ay masisipa ka sa pinto at ipapadala sa pagreretiro. At pagkatapos ay tiyak na hindi ka magiging handa para sa katandaan - ito ay magdadala sa iyo sa pamamagitan ng sorpresa. Tumingin ka sa akin. Mula noong labindalawa ako, ginagawa ko ang parehong bagay araw-araw: Gumising ako at iniisip kung paano kumita ng isang piraso ng tinapay. Ang buhay ay hindi nagbago mula nang ako ay tumanda."

Iwasan ang mga hindi kasiya-siyang tao

Ito ay pagpapatuloy ng unang tuntunin. Noong 1960s, mayroong isang Gestalt therapist na nagngangalang Fritz Perls. Iminungkahi niya na sa lahat ng relasyon, nilalason ng mga tao ang buhay ng isa't isa o pinagagana ang buhay ng isa't isa. Bukod dito, ang lahat ay nakasalalay hindi sa tao, ngunit sa relasyon. Alam mo, mayroong isang simpleng paraan upang suriin kung paano ka apektado ng pakikipag-usap sa isang tao. Gumugol ng ilang oras kasama ang taong ito: maghapunan, maglakad, o uminom o dalawa. At bigyang pansin kung ano ang mararamdaman mo pagkatapos ng pulong na ito - inspirasyon o pagod. At magiging malinaw ang lahat.

Ang karanasan ay hindi sapat o kung bakit ang mabuti ay ang kaaway ng namumukod-tanging

Nasabi ko na sa aking kabataan ay nahuhumaling ako sa propesyonalismo. Sa katunayan, ang karanasan ay isa pang limitasyon. Kung kailangan mo ng isang siruhano, malamang na pupunta ka sa isang taong nakagawa ng partikular na pamamaraang ito ng maraming beses. Hindi mo kailangan ng lalaking may balak mag-imbento bagong paraan gumamit ng scalpel. Hindi, hindi, walang mga eksperimento, mangyaring gawin ang lahat sa paraang palagi mong ginagawa at sa paraang ginawa ito bago ka. Sa aming trabaho ito ay kabaligtaran: ang hindi umuulit sa kanyang sarili o sa iba ay mabuti. Magaling na designer gustong gumamit ng scalpel sa isang bagong paraan sa bawat oras o kahit na nagpasya na gumamit ng isang lata ng pagtutubig sa hardin sa halip na isang scalpel.

Ang mas kaunti ay hindi palaging mas mahusay

Narinig na nating lahat ang expression na "less is more." Ito ay hindi ganap na totoo. Isang magandang umaga nagising ako at napagtanto ko na ito ay malamang na ganap na walang kapararakan. Maaaring ito ay pakinggan, ngunit sa aming larangan ang kabalintunaang ito ay walang kahulugan. Alalahanin ang mga karpet ng Persia, ang "mas kaunti" ay mas mahusay sa kanilang kaso? Ang parehong ay maaaring sabihin tungkol sa mga gawa ng Gaudí, ang Art Nouveau estilo at marami pang iba. Samakatuwid, nagbalangkas ako ng isang bagong panuntunan para sa aking sarili: mas mabuti kung mayroon nang eksakto hangga't kailangan mo.

Huwag magtiwala sa mga istilo

Sigurado akong nakita na ninyong lahat ang mga ilustrasyon ni Picasso para sa The Unknown Masterpiece ni Balzac. Inilarawan niya ang isang toro sa alas-dose iba't ibang istilo: mula sa naturalistic na paraan hanggang sa isang linyang abstraction. SA sa kasong ito ang istilo ay isang hindi nauugnay na konsepto. Kamangmangan na ibigay ang iyong sarili sa alinmang istilo dahil wala sa kanila ang ganap na karapat-dapat sa iyo. Para sa mga lumang-paaralan na taga-disenyo, ito ay palaging mahirap, dahil sa paglipas ng mga taon, nabuo ang isang sulat-kamay at isang visual na bokabularyo. Ngunit ang istilo ng fashion ay pinamagitan ng mga tagapagpahiwatig ng ekonomiya, iyon ay, halos sa pamamagitan ng matematika - hindi ka maaaring makipagtalo dito. Sumulat si Marx tungkol dito. Samakatuwid, bawat sampung taon nagbabago ang istilong paradigma, at ang mga bagay ay nagsisimulang magmukhang iba. Ang parehong bagay ay nangyayari sa mga font at graphics. Kung plano mong manatili sa propesyon nang higit sa isang dekada, lubos kong inirerekomenda ang pagiging handa para sa pagbabagong ito.

Binabago ng pamumuhay ang paraan ng pag-iisip mo

Ang utak ang pinakasensitibong organ ng ating katawan. Ito ay pinaka-madaling kapitan sa pagbabago at pagbabagong-buhay. Ilang taon na ang nakalilipas mayroong isang kawili-wiling kuwento sa mga pahayagan tungkol sa paghahanap para sa ganap na pitch. Tulad ng alam mo, ang gayong pagdinig ay bihira kahit sa mga musikero. Hindi ko alam kung paano, ngunit natuklasan ng mga siyentipiko na ang mga taong may ganap na pitch ay may ibang istraktura ng utak: ang ilang mga lobe ay kahit papaano ay may deformed. Ito mismo ay kawili-wili. Ngunit pagkatapos ay natuklasan nila ang isang bagay na mas kamangha-mangha: kung ang mga bata na apat o limang taong gulang ay tinuruan na tumugtog ng biyolin, may pagkakataon na ang ilan sa kanila ay magsisimulang baguhin ang istraktura ng cerebral cortex at bumuo ng ganap na pitch. Sigurado ako na ang pagguhit ay nakakaapekto sa utak nang hindi bababa sa paglalaro ng musika. Ngunit sa halip na marinig, nagkakaroon tayo ng atensyon. Ang isang tao na gumuhit ay nagbibigay-pansin sa kung ano ang nangyayari sa kanyang paligid - at ito ay hindi kasing simple ng tila.

Ang pagdududa ay mas mabuti kaysa katiyakan

Sinasabi ng lahat na ang pagtitiwala sa iyong ginagawa ay napakahalaga. Minsan ay sinabi ng aking guro sa yoga, "Kung sa tingin mo ay naabot mo na ang kaliwanagan, naabot mo lang ang iyong limitasyon." Ito ay totoo hindi lamang sa espirituwal na pagsasanay, kundi pati na rin sa trabaho. Para sa akin, lahat ng nabuong ideolohikal na posisyon ay kaduda-dudang, dahil ang pagiging perpekto ay walang katapusang pag-unlad. Kinakabahan ako kapag may naniniwala sa isang bagay. Lahat ay kailangang tanungin. Para sa mga taga-disenyo, lumilitaw ang problemang ito kahit na sa paaralan ng sining, kung saan itinuro sa amin ang teorya ng avant-garde at ang katotohanang maaaring baguhin ng isang indibidwal ang mundo. Sa isang kahulugan, ito ay totoo, ngunit kadalasan ito ay nagtatapos sa mga paghihirap na may malikhaing pagpapahalaga sa sarili. Komersyal na kooperasyon sa isang tao ay palaging isang kompromiso, at hindi ito dapat labanan. Dapat mong laging payagan ang posibilidad na ang iyong kalaban ay maaaring tama. Ilang taon na ang nakalilipas nabasa ko si Iris Murdoch pinakamahusay na kahulugan pag-ibig: "Ang pag-ibig ay ang sobrang kumplikadong kamalayan na ang isang tao maliban sa atin ay totoo." Ito ay napakatalino at ganap na naglalarawan ng anumang magkakasamang buhay ng dalawang tao.

Hindi mahalaga

Sa huling kaarawan ko, binigyan ako ng libro ni Roger Rosenblatt, Rules for Aging. Hindi ko gusto ang pamagat, ngunit interesado ako sa nilalaman. Ang pinakaunang panuntunan na iminungkahi ng may-akda ay naging pinakamahusay. Parang ganito: "hindi mahalaga." Anuman ang iniisip mo, sundin ang panuntunang ito at magdaragdag ito ng mga dekada sa iyong buhay. Hindi mahalaga kung ikaw ay huli o nasa oras, kung ikaw ay narito o naroroon, kung ikaw ay nanatiling tahimik o may sinabi, kung ikaw ay matalino o tanga. Hindi mahalaga kung anong hairstyle mayroon ka o kung ano ang tingin sa iyo ng iyong mga kaibigan. Aasenso ka ba sa trabaho, bibili ka ba bagong tahanan, matatanggap mo ba Nobel Prize- wala sa mga ito ang mahalaga. Ito ay karunungan!

Magsabi ka ng totoo

Minsan pakiramdam ko ay hindi ang disenyo pinakamagandang lugar upang hanapin ang katotohanan. Siyempre, sa ating komunidad ay mayroong isang tiyak na etika, na tila nakasulat kahit saan. Ngunit walang salita dito tungkol sa relasyon ng taga-disenyo sa lipunan. Sinasabi nila na sa USSR sa ilalim ng Stalin, ang lahat ng ibinebenta na may label na "veal" ay talagang manok. Mula noon ay pinahirapan ako ng tanong, ano ang ibinenta noon sa balat ng manok? Ang mga taga-disenyo ay walang mas kaunting responsibilidad kaysa sa mga butcher, kaya dapat silang mag-ingat sa kung ano ang kanilang ibinebenta sa mga tao sa ilalim ng pagkukunwari ng veal. Ang mga doktor ay may panunumpa: "Huwag saktan." Naniniwala ako na ang mga taga-disenyo ay dapat ding magkaroon ng panunumpa: "Sabihin ang totoo."

Huwag maging tamad at batiin ang mga graphic designer na kilala mo sa ika-9 ng Setyembre sa kanilang propesyonal na holiday. Bukod dito, sa taong ito mayroon silang isang maliit na anibersaryo: sampung taon na ang nakalipas mula nang ipagdiwang nila ang kanilang Araw! Sino sila at bakit sila nagdiriwang sa simula ng taglagas - sa aming materyal.

Ang graphic na disenyo ay hindi sa lahat ng isang makitid na nakatutok na espesyalidad, gaya ng maaaring isipin ng isa. Ang mga resulta ng gawain ng mga graphic designer ay sumasama sa amin sa lahat ng dako: ang disenyo ng mga libro at magasin, mga banner at poster ng advertising, mga palatandaan sa kalye at nabigasyon sa mga paliparan. Kahit na kailangan mong makabuo ng isang font, logo o packaging, dapat mong buksan ang mga ito.

Ang graphic na disenyo ay ang resulta ng pagsasanib ng komersyal na sining (mga poster, poster, banner) at moderno sining pagliko ng ika-19–20 siglo Ilan sa mga pinakasikat at matagumpay na graphic designer: Alan Fletcher - lumikha ng logo ng Reuters at Victoria at Albert Museum, Jim Parkinson na kilala sa kanyang trabaho sa Newsweek, Rolling Stones, Washington Post, Milton Glaser at ang kanyang "I Love New York" , Swiss Armin Hofmann at poster ng advertising para sa ballet na "Giselle", atbp.

Ang Araw ng Graphic Designer sa Russia at ang mga bansa ng CIS ay itinatag noong 2005 sa ika-50 anibersaryo ng sikat na Russian graphic designer na si V. B. Chaika (Setyembre 9). Si Vladimir Borisovich ay isang kinikilalang master ng internasyonal na antas, ang unang ginawaran ng Russian Federation Prize sa larangan ng sining at panitikan. Siya ay miyembro ng Union of Designers of Russia, Union of Artists of Russia, mga internasyonal na asosasyon Brno Biennale at AGI (Alliance Graphigue Internationale). Ang kanyang mga gawa ay paulit-ulit na naging pinakamahusay sa iba't ibang mga eksibisyon at pagdiriwang (sa Helsinki, Moscow, Brno, Warsaw, Zagreb, Kharkov). Kilala si Chaika lalo na sa kanyang mga poster. Taun-taon, ang mga eksibisyon ng kanyang mga gawa ay ginaganap sa maraming bansa, at ang ilan ay nasa mga koleksyon pa ng iba't ibang museo.

Sa kabila ng katotohanan na ang mga domestic na unibersidad ay mas mababa sa antas sa mga dayuhan, mayroon kaming isang malaking bilang ng mga taga-disenyo na nakapag-iisa na pinagkadalubhasaan ang propesyon at ngayon ay matagumpay na nagtatrabaho hindi lamang sa Russia. Ito ay lubos na posible upang makamit na may isang malakas na pagnanais at isang malaking bilang ng mga mapagkukunan sa Internet na nakatuon sa disenyo at gawing mas madali ang gawain ng mga espesyalista. Halimbawa, may mga espesyal na platform kung saan maaari kang maghanap ng inspirasyon at magbahagi ng mga karanasan (Dribble, Behance, Marvel); mga website na may seleksyon ng mga kulay at font (Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja); mga forum at mga aralin (Dzhurka, Design Mama) at, siyempre, mga bangko ng larawan kung saan ang mga taga-disenyo ay hindi lamang maaaring magbenta ng kanilang mga gawa, ngunit bumili din ng iba upang lumikha ng mga bagong proyekto (PressFoto).

Ang PressFoto team ay binabati ang mga graphic designer sa kanilang propesyonal na holiday at nais silang maging mas maliwanag at mga kawili-wiling ideya, mga bagong promising na proyekto!