그래픽 디자인은 국가의 영향을 받아 문화에 따라 변화합니다. 문화적 전통, 역사와 삶의 방식. 음악이나 미술과 마찬가지로 미학도 그래픽 디자인문화마다 다릅니다.

라틴 아메리카 그래픽 디자인은 파티와 축하 행사에 대한 라틴 아메리카의 사랑을 보여줍니다. 라틴 아메리카 그래픽 디자이너는 사용과 관련하여 편견에 얽매이지 않습니다. 밝은 색그리고 대조되는 요소들.

미니멀리즘도 사용되지만 주로 웹 디자인에 사용되며 다른 것과 동일한 "미니멀리즘"은 아닙니다. 세상은 라틴계로부터 많은 것을 배울 수 있습니다. 예를 들어, 인생을 너무 심각하게 받아들이지 않고 재미있게 보내는 방법. 시각적으로뿐만 아니라 육감으로 디자인을 인식하도록 가르칩니다.

중국

중국은 다음 중 하나입니다. 고대 문명, 적어도 4000년 전으로 거슬러 올라갑니다. 전성기 중국은 세계에서 가장 발전한 사회 중 하나였지만, 제국주의와 시민 전쟁그 쇠퇴가 시작되었습니다. 그러나 중국은 풍부한 예술적, 문학적, 문화적 역사를 가지고 있습니다.

중국의 그래픽 디자인은 서양의 그래픽 디자인에 비해 상당히 새로운 편입니다. 최근 1979년에 중국은 세계에 문을 다시 열고 새로운 아이디어와 최신 기술. 이 나라는 느리지만 꾸준하게 민주적 견해를 향해 나아가고 있으며, 특히 예술과 디자인 분야에서 새로운 아이디어에 대해 더욱 자유주의적인 입장을 취하고 있습니다.

중국은 창의적인 에너지와 강한 민족주의(일부 외국인에 대한 혐오는 아닐지라도)를 쏟아부었습니다. 따라서 현대 그래픽 디자인이 여전히 중국 전통 예술에서 발견되는 것과 동일한 비유적 요소를 사용하고 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

중국의 그래픽 디자인이 사용되었습니다. 효과적인 치료법비공식적인 정치적 의지. 그것은 자기 식별과 자기 표현의 수단이었습니다.

멋진 중국어 웹 디자인

중국의 웹 디자인은 플래시에 열광하고 있습니다. 중국의 웹사이트는 매우 상호작용적이고 재미있습니다. 그래픽 디자인의 일부 요소는 다른 문화에서 복사되었습니다. 안에 지난 십 년, 중국 그래픽 디자인은 서양의 영향을 많이 받았지만 여전히 중국 고유의 에너지와 영혼을 유지하고 있습니다. 예를 들어 풍수, 서예, 문화 축제 등의 상징이 디자인에 사용됩니다.

일본

일본 현대 미술은 건축, 광고, 비디오 게임, 애니메이션, 그래픽 디자인 등 다양한 형태로 나타납니다. 예술에 대한 일본의 영향력은 엄청나며 그래픽 디자인과 현대 미술 전반에 많은 아이디어를 가져옵니다. 일본의 그래픽 디자인은 도시적이고 독창적입니다. 네온에 가까운 색상을 표시하여 도쿄 도심의 밤에 보이는 조명을 시뮬레이션합니다.

일본의 그래픽 디자인은 일본의 전통 예술과 만화의 영향을 많이 받았습니다.

뛰어난 일본어 웹 디자인

일본의 그래픽 디자인은 우리가 서양에서 익숙했던 것과 근본적으로 다르기 때문에 흥미롭습니다. 오래된 것과 새로운 것이 혼합되어 매우 다양합니다. 한편으로는 매끄럽고 미래 지향적이며 매우 미니멀합니다. 반면에 엄청 귀엽고 유치하고 괴상해요.

동쪽 가까이에

중동은 서양에서 신비롭고 매혹적이며 신비로운 곳으로 묘사됩니다. 이곳은 모래와 날아다니는 카펫과 마술 램프, 우리 대부분이 꿈에서만 방문했던 이미지입니다. 중동은 역설적입니다. 이 문화는 수천 년 전으로 거슬러 올라가는 역사상 가장 오래되고 광범위한 시각 예술 중 하나로 풍성해졌습니다.

하지만 중동의 그래픽 디자인은 꽤 젊습니다. 아랍 세계를 위한 투쟁은 계속됩니다. 여기서는 자유 예술가가 없습니다. 가장 좋은 방법생계를 유지하지만 정부는 그다지 지원하지 않으며 이 지역에는 그래픽 디자인 학교가 몇 개밖에 없습니다.

중동의 그래픽 디자인은 신비로운 만큼 매력적입니다. 현재의 강한 영향력오래된 서예와 아랍어 문자, 양식 및 샘플 복사.

중동은 서구의 '소비자 사회' 문화에 서서히 개방되고 있습니다. 아랍인들은 금을 사랑하며 이러한 애정은 디자인에서 분명하게 드러납니다.

다른 세계와 마찬가지로 중동 역시 미니멀리즘 바이러스의 영향을 받지만 여전히 우리에게 친숙한 중동의 분위기를 간직하고 있습니다.

럭셔리 중동 웹 디자인

중동 디자인은 색상과 문화가 풍부합니다. 다른 아시아 국가와 마찬가지로 중동도 아름다운 상징과 서예로 유명합니다. 일부 지역에서는 많은 문제에 대해 보수적인 태도를 유지하고 있습니다.

예를 들어, 그들은 프리랜스 아이디어, 여성 그래픽 디자이너 등에 대해 자신을 개방해야 합니다. 그러나 이 지역은 새롭고 혼합된 아이디어의 온상입니다. 그들은 디자인에 있어 서양의 많은 아이디어를 적용했지만 다른 사람들과 차별화되는 독특함을 유지해 왔습니다.

네덜란드

네덜란드는 유럽 북서부에 위치한 네덜란드어를 사용하는 국가로, 남쪽으로는 벨기에, 동쪽으로는 독일과 국경을 접하고 있습니다. 네덜란드는 작은 나라이지만 역사상 가장 위대한 거장인 렘브란트, 반 고흐, 반 에이크, 몬드리안, 반 데우스베르그의 고향입니다.

네덜란드 그래픽 디자인은 무정부주의는 아니더라도 개인주의를 추구합니다. 깨끗하고 미니멀한 솔루션을 선호합니다. 결국 미니멀리즘에 앞선 De Seille 운동이 탄생한 곳이 바로 여기였습니다. 네덜란드인들은 개념 미술에 매력을 느끼며 현대적인 주제. 단순함이 중요하며 "디자인 없음"이 일반적인 디자인 전략입니다.

네덜란드 디자이너들은 종종 개념적으로 그림을 그립니다. 제가 가장 좋아하는 사람 중 하나는 젊은 네덜란드 그래픽 디자이너 Victor Van Gaasbeek입니다. 그의 작품은 일반적으로 네덜란드적이고 현대적이지만 자연스럽고 자연스러운 요소를 사용합니다.

그랜드 더치 웹 디자인

네덜란드와 인근 국가는 그래픽과 웹 디자인 분야에서 트렌드를 주도하고 있습니다. 그들의 예술은 완벽하고 개념적이며 시크합니다. 이것이 완전히 진지하고 미니멀하다는 것을 의미하지는 않습니다. 네덜란드 디자인은 재미있을 수 있습니다.

아마도 예술에 대한 정부의 강력한 재정 지원, 국가의 탄탄한 경제, 예술에 대한 지역 주민들의 열정으로 인해 네덜란드 그래픽 디자인은 세계에서 가장 발전된 국가 중 하나입니다.

결론

그래서 너는 어떤 데 다른 문화과거와 현재가 다르고 경험, 신념, 도덕도 다릅니다. 우리는 조금 다른 각도에서 세상을 봅니다. 전 세계의 그래픽 디자이너는 예술에 대한 자신만의 접근 방식을 가지고 있습니다. 그럼에도 불구하고 다음과 같은 한 가지 진술은 여전히 ​​논쟁의 여지가 없습니다. 좋은 디자인항상 좋은 디자인이 되겠습니다.

사용된 의미, 기호, 캘리그라피를 이해하지 못하더라도 좋은 디자인과 나쁜 디자인을 구별할 수 있습니다. 예술에 대한 이해는 문화적, 지리적 경계를 넘어 존재합니다. 그리고 그것은 우리 문화와 신념의 총합 그 이상입니다. 디자인에 대한 인식은 피부색이나 국적에 관계없이 모든 사람이 느끼는 국제적이고 보편적인 느낌입니다.

모스크바 디자인 위크 강의의 일환으로 Sergei Serov는 그래픽 디자인의 25가지 기본 이름에 대해 이야기했습니다. '디자인 아이콘' 강의에는 강사가 각 디자이너 스타일의 주요 특징을 보여주고 그것이 글로벌 커뮤니티에 어떤 영향을 미쳤는지 설명하는 일러스트레이션이 함께 진행되었습니다.

국제 그래픽 디자인 비엔날레의 회장이자 RANEPA 디자인 학교의 교수인 "Golden Bee"가 그래픽 디자인 발전을 위한 역사적 견학을 가졌습니다. 강의 제목 '디자인의 아이콘'은 세르게이 세로프가 디자인 역사에 관심 있는 모든 이들에게 추천하는 존 클리포드의 동명 책에서 따온 것이다. 가장 영향력 있는 디자이너 25인을 선정하면서 강사는 국제 전문 그래픽 디자인 커뮤니티의 견해를 참고했습니다. Sergey Serov는 강의를 "디자인의 아이콘"이라고 불렀습니다. 객관적인 견해를 주관적으로 일반화한 것입니다.

주요 중 하나 원동력 20세기 초부터 그래픽 디자인을 발전시킨 는 러시아 아방가르드가 되었기 때문에 목록의 첫 번째 위치는 많은 거장들의 아이콘이자 교사가 된 Alexander Rodchenko와 El Lissitzky가 차지했습니다. 러시아 아방가르드 선언문은 유럽 아방가르드와 유명한 스위스 그래픽 디자인 학교의 기초가 되었습니다. 역동성, 대각선, 20세기 상징이 자동차와 새로운 속도의 이미지로 표현되었습니다. 이 모든 것은 러시아 아방가르드 예술가 Rodchenko와 Lissitzky에 의해 그래픽 디자인의 세계에 공개되었습니다.

그래픽 디자인에는 이상적인 학교가 없습니다. 마스터는 역사에 남을 새로운 기술과 비전을 가져오지만 동시에 포스터의 특정 부분이 "처짐"될 수 있습니다. 디자이너의 과제는 모범 사례를 배우고 수많은 훌륭한 그래픽 아티스트로부터 배우는 것입니다. 역사에는 새로운 것을 창조하거나 기존의 것을 개선한 사람들의 이름이 포함됩니다. 기존 원칙, 선언문을 따릅니다. 그래픽 디자인의 산물인 포스터는 개성, 신기술, 때로는 디자이너의 개인적인 카리스마 덕분에 예술의 대상이 되었습니다.

상위 25명의 그래픽 디자이너:

1. 줄스 셰레
2. 알렉산더 로드첸코
3. 엘 리시츠키
4. 피에트 즈바르트
5. 아돌프 무론 카산더
6. 알렉세이 브로도비치
7. 얀 치홀트
8. 조셉 뮐러-브로크만
9. 에밀 루더
10. 엑스틀 아이허
11. 헨리크 토마셰프스키
12. 루발린의 문장
13. 밀턴 글레이저
14. 마시모 비넬리
15. 카렐 마르텐스
16. 카메쿠라 유사쿠
17. 사토 코이치
18. 후쿠다 시게오
19. 케냐 하라
20. 앨런 플레처
21. 에이프릴 그레이먼
22. 랄프 슈레이보겔
23. 니클라우스 트록슬러
24. 데이비드 카슨
25. 스테판 사그마이스터

모스크바 디자인 위크(Moscow Design Week)는 패션부터 건축까지 모든 형태의 디자인을 전문으로 다루는 축제입니다. 이 행사는 시장 대표자들을 한 무대에 모아 비즈니스 연결을 구축 및 강화하고, 아이디어를 교환하고, 새로운 것을 시작할 것입니다. 성공적인 프로젝트러시아의 디자인 개발.

훌륭한 그래픽 디자이너의 훌륭한 작품을 보고 비슷한 것을 만들고 싶어하는 것은 정상입니다. 아니면 자신의 기술의 대가처럼 되고 싶을 수도 있습니다. 많은 전문가들을 그래픽 디자인 분야로 보낸 것은 바로 이러한 영감이었습니다. 물론 일부에게는 아무데도 연결되지 않습니다. 그러나 다른 사람들에게는 디자인에 대한 진정한 열정이 드러나고 때로는 뛰어난 디자이너가 중심 무대에 설 수도 있습니다.

아쉽게도 모든 사람, 심지어 가장 재능 있는 디자이너라도 탁월해지고 인정을 받을 수 있는 것은 아닙니다. 정상에 도달하는 데 도움이 되는 여러 가지 요소가 있습니다. 이 기사에서는 그래픽 디자인 세계에서 위대함과 특정 지위를 달성하는 데 도움이 되는 것들의 목록을 살펴보겠습니다. 그것은 또한 당신에게 좋은 출발점이 될 것입니다.

이론

그래픽 디자인은 대체로 주관적이므로 모든 사람이 완전히 좋아할 단일 디자인 작업을 찾을 가능성은 거의 없습니다. 사람들은 다른 것을 좋아하는데 괜찮습니다! 그러나 그래픽 디자인에는 일반적으로 받아들여지는 이론이 있습니다. 강력한 디자인 작업의 본질을 포착하는 아이디어. 이는 어떤 그래픽 디자인이 좋고 어떤 것이 좋지 않은지 결정하는 데 도움이 됩니다. 더욱이 이러한 이론은 디자이너의 능력을 향상시킨다.

유명 그래픽 디자이너들의 공통점은 그들 각자가 기존 디자인 이론의 형성에 직접적으로 참여했다는 점이며, 이는 그들의 작업에서도 확연히 드러난다. 한 가지 놀라운 예는 "그래픽 디자인의 모듈형 그리드" 출판물의 저자인 Joseph Müller-Brockmann입니다. 이는 앞으로 많은 설계자들이 참조하게 될 모듈식 그리드 사용에 대한 이론과 기초를 제시합니다.

기술 능력

기술적 능력은 그래픽 디자이너가 자신의 아이디어를 실현하는 데 도움이 됩니다. 그리고 여기에는 손과 마음이 모두 필요합니다. 손은 연필이나 트랙패드와 같은 도구를 사용하는 능력을 말합니다. 정신적 능력에 관해서는 여기에서 우리 얘기 중이야영형 수학 연산, 측정 또는 색상 조정.

훌륭한 그래픽 디자이너는 모두 높은 온도그래픽 디자인 중 하나 이상의 영역에 대한 기술적 숙련도. 그리고 이것은 아마도 Jan Tschichold가 가장 잘 설명할 것입니다. 그는 장식에 대한 집착이 있었고, 모습그의 뛰어난 기술력 덕분에 책을 읽었습니다.

위 이미지에서 Penguin Branding Handbook에 대한 정확한 비율 요구 사항의 예를 볼 수 있습니다.

직관

아마도 이것이 바로 '특별함'이라고 할 수 있는 요소일 것이다. 직관력이 있는 사람도 있고 그렇지 않은 사람도 있습니다. 이러한 특징은 디자인에 대한 끊임없는 호기심에서 비롯되며, 단순히 돈을 벌고 경력을 쌓는 것을 넘어선 것입니다. 이것은 디자인 진실에 대한 인식이 어떤 방식으로든 추론 과정에 의존하는 곳입니다. 디자이너가 내리는 결정은 이론이나 형식뿐만 아니라 자기 표현을 통한 창의적인 영감에 기초합니다.

직관은 모든 위대한 디자이너가 소유하고 있는 품질이며 위에서 볼 수 있는 그래픽 디자이너 Saul Bass의 작업에서 항상 볼 수 있습니다. 그 속에 담긴 디자인의 힘은 지적이기보다 직관적이고 감성적이다. 그러나 이론과 기술력만으로는 Bass와 같은 수준에 도달할 수 없습니다. 당신은 자신의 직관을 신뢰하는 법을 배워야 하며, 심지어 창의적으로 자발적이 될 준비도 되어 있어야 합니다.

자원

없이 기술 장비그래픽 디자인에서는 - 어디에도 없습니다. 일부 지역에는 다음이 포함됩니다. 다양한 악기인쇄용, 종이, 가위, 자 등 디지털 세계는 컴퓨터, 특수 태블릿 없이는 할 수 없습니다. 소프트웨어, 텍스처, 글꼴 및 템플릿이 포함된 라이브러리. 이 모든 것이 없다면 디자이너는 생각, 아이디어, 감정을 모아 놓은 그릇에 지나지 않습니다.

장비 작업의 훌륭한 예는 David Carson의 Ray Gun 출판 프로젝트로, 그는 자신만의 특이한 접근 방식을 발견했습니다. 그는 자르고 색을 바꾸고 글자와 이미지를 레이어로 적용했으며 그의 레이아웃은 회화 캔버스를 더 연상케했습니다. Carson이 오늘날 그래픽 디자인의 전설이 되는 데 도움이 된 것은 자원의 가용성이었습니다.

성격

그래픽 디자인의 세계에서 수천 명에 달하는 작품을 알아볼 수 있을 만큼 개성 넘치는 작품을 선보이는 대가는 소수에 불과합니다. 사람들은 개성, 개성, 활력을 추구하기 때문에 디자이너에 대한 인식은 그의 개성이 작품에 반영된다는 사실에 주로 기인합니다.

Paul Rand의 성격과 그의 프로젝트는 항상 한 가지였습니다. 그의 색상 팔레트, 장난기 있지만 동시에 진지하고 민감하며 불완전한 형태는 그가 사람으로서 누구인지에 대해 이야기했습니다. 이것이 그가 디자이너 집단뿐만 아니라 그 밖의 사람들에게도 사랑을 받았다는 사실에서 중요한 역할을 한 것일 것입니다.

혁명적

사람이 물을 때: 정상은 무엇입니까? 익숙한 것을 바꾸고 새로운 개념을 만들어내는 그는 대중의 관심을 끌고 있습니다. 사람이 동시에 무언가를 파괴하고 창조하는 것을 지켜보는 것은 매우 흥미로운 과정이 될 수 있다는 데 동의하십시오.

아마도 현존하고 현존하는 위대한 디자이너들은 모두 규칙을 따르지 않는 그들만의 혁명가들이었을 것입니다. 그 중 하나가 브래드버리 톰슨(Bradbury Thompson)입니다. CMYK가 엄격히 인쇄 제작의 일부였던 시절에는 그는 이를 창작 과정의 한 부분으로 사용했습니다. 그는 특정 색상의 이미지나 음영을 정확하게 재현하기 위해 이러한 색상을 사용하는 것을 거부하고 이를 4가지로 보았습니다. 특정 색상팔레트에. 그 발견은 오늘날에도 여전히 유효하며 많은 디자이너가 이를 성공적으로 사용합니다.

구금 중…

물론, 훌륭한 그래픽 디자이너의 필수 특성은 재능입니다. 하지만 명성이 그렇습니까? 중요한 구성 요소위대? 이것은 디자인의 본질과 별개로 존재하는 자신의 자아일 가능성이 높습니다. 오늘날에는 재능 있는 그래픽 디자이너가 되는 것만으로도 충분할까요?

1974년의 밀턴 글레이저. 사진: © 코스모스 사르치아포네

노령에도 불구하고 Milton Glaser는 여전히 창의력을 발휘하고 있습니다. Bob Dylan을 묘사한 유명한 사이키델릭 포스터인 New York Magazine, Brooklyn Brewery의 기업 아이덴티티, 그리고 물론 뉴욕의 영구 상징인 I love New York 로고를 세계에 제공한 사람은 바로 그 사람이었습니다.

이제 80대가 된 밀턴 글레이저(Milton Glaser)는 맨해튼에 살고 있으며, 이 나이의 많은 사람들이 이미 은퇴하고 있지만 그는 자신의 디자인 스튜디오를 운영하고 있으며 한창 활발하게 활동하고 있습니다. 수년 전과 마찬가지로 그는 계속해서 포스터를 그리고 로고를 만들고 기업 스타일을 개발하고 있습니다. 실습 외에도 Glazer는 이론에도 참여하고 있습니다. 그는 대학에서 강의를 하고, 디자인과 예술의 연결과 서로에 대한 영향, 디자이너의 직업과 창작 과정의 복잡성에 대한 에세이와 이론적 토론을 작성합니다.

로고는 1977년에 만들어졌습니다.

어린 시절과 교육

밀턴 글레이저(Milton Glaser)는 1929년 6월 26일 뉴욕 시에서 헝가리에 뿌리를 둔 유대인 가정에서 태어났습니다. Milton이 5살이었을 때, 그의 사촌은 그 앞에 말을 그렸습니다. 그때 Glaser는 그래픽 아트의 힘을 깨달았습니다. 누군가가 실제로 존재하는 것을 그리는 것을 본 것은 처음이었습니다. 그는 자신이 온 세상을 창조할 수 있다고 생각했어요 단순한 움직임연필. 이 열정적인 느낌은 평생 동안 그를 떠나지 않습니다.

글레이저는 17세에 예술가가 되겠다는 소망을 확고히 했습니다. 그때 그는 예술의 진정한 목적이 우리를 주의 깊게 만드는 것임을 깨달았습니다. 예술은 우리가 생존하는 데 도움이 됩니다. Smashing Magazine과의 인터뷰에서 Glazer는 자신이 뒤에 앉아 있다고 말했습니다. 주방 테이블갑자기 어머니의 초상화를 그리기로 결심했습니다. 그 순간 그는 자신이 그녀가 어떻게 생겼는지 모른다는 것을 깨달았습니다. 그가 어머니의 외모에 관심을 가지게 된 것은 어머니를 그리기로 결심하고서부터였다.

Glaser는 맨해튼의 음악 및 예술 고등학교에서 공부한 후 1951년 뉴욕의 사립 Cooper Union College(과학 및 예술 발전을 위한 Cooper Union)를 졸업했습니다. 그의 교육과 창의성은 기회의 영향을 받았습니다. 다른 나라, 즉 이탈리아에 살기 위해 대학을 졸업한 후 Glaser는 Fulbright 장학금으로 볼로냐 미술 아카데미(Accademia di Belle Arti di Bologna)에 입학하여 이탈리아 화가 Giorgio Morandi에게 공부했습니다.

푸시 핀 스튜디오

1954년 Glaser는 대학 친구인 Reyonld Ruffins, Seymour Chwast 및 Edward Sorel과 함께 Push Pin Studios를 설립했습니다. Sorel과 Chwast는 같은 날 Esquire 잡지에서 해고된 후 자신의 회사를 만들겠다는 아이디어를 얻었습니다. 마지막 돈으로 그들은 맨해튼 이스트 17번가에 있는 어둡고 습한 방을 빌렸습니다. 몇 달 후 Glaser는 이탈리아에서 돌아와 스튜디오에 합류했습니다. 20년 동안 Glaser와 Seymour는 전 세계 그래픽 디자인 발전에 지대한 영향을 미칠 워크숍을 운영했습니다.

Push Pin Studios의 하이라이트는 루브르 박물관의 The Push Pin Style 전시회였습니다. 1970-1972년에는 파리 외에도 유럽, 브라질, 일본의 다른 도시를 방문했습니다.

Push Pin Studios는 오늘날에도 여전히 존재하며 현재 유일한 이사는 Seymour Cwast입니다.

1967년 Push Pin Studios에서 근무하던 Milton Glaser는 Bob Dylan의 환각적인 초상화를 만들었고, 이는 나중에 가수의 최고 히트곡 컬렉션을 디자인하는 데 사용되었습니다.

뉴욕 매거진

1968년 Glaser는 Clay Felker와 함께 New York Magazine을 창간했습니다. Glaser는 1977년까지 회사의 사장이자 디자인 디렉터였습니다. 처음에 이 잡지는 기존의 The New Yorker에 대한 일종의 대안으로 만들어졌습니다. 그는 자신만만하고 솔직한 사람으로 드러났고, 1960년대와 1970년대 미국 저널리즘의 운동인 소위 뉴저널리즘(New Journalism)의 일원이 되었습니다. 이 출판물은 도시 잡지의 아이콘이 되었고 일련의 모방품을 탄생시켰습니다.

6~7년에 걸쳐 Glaser와 Jerome Snyder는 뉴욕의 저렴한 레스토랑에 대한 가이드인 The Underground Gourmet을 썼습니다. 원래는 New York Magazine의 칼럼이었습니다. 어디에서 저렴하고 맛있게 먹을 수 있는지 다들 관심이 많았고, 그 칼럼은 한 권의 책을 펴낼 정도로 인기를 끌었습니다.

월터 버나드와 밀턴 글레이저

WBMG

1983년 Glaser는 Walter Bernard와 함께 WBMG를 공동 창립했습니다. 출판업에 종사하는 작은 디자인 회사였습니다. 그들은 존재하는 동안 50개가 넘는 잡지, 신문 및 기타 잡지를 디자인했습니다. 정기 간행물전 세계적으로 미국 The Washington Post, Catalan La Vanguardia 및 브라질 O Globo와 같은 유명한 신문의 디자인도 업데이트했습니다.

밀턴 글레이저, Inc. 예술은 일이다

1974년 Glaser는 맨해튼에 자신의 스튜디오 Milton Glaser, Inc.를 설립했습니다. , 이는 오늘날에도 여전히 운영되고 있습니다. Glaser 자신 외에도 스튜디오에는 Sue Walsh와 Jeeeun Lee라는 두 명의 다른 디자이너가 고용되어 있습니다. 회사의 활동은 로고 제작부터 인테리어 디자인까지 디자인의 거의 모든 영역을 포괄합니다. 해당 영역에서 인쇄된 그래픽스튜디오가 발전하고 있어요 기업의 정체성에는 로고, 레터헤드, 브로셔, 간판 및 연례 보고서가 포함됩니다. 인테리어 및 환경 디자인 분야에서는 컨셉을 개발하고 다양한 제품, 레스토랑 인테리어 및 익스테리어 제작을 총괄하며, 쇼핑 센터, 호텔 및 기타 소매 및 상업 공간.

© 밀턴 글레이저
브루클린 양조장 로고. © 밀턴 글레이저
뉴욕 잡지 로고. © 밀턴 글레이저
종자 회사 로고. © 밀턴 글레이저
음반사 Tomato Records의 로고. © 밀턴 글레이저, 1978
엔젤스 인 아메리카 로고. © 밀턴 글레이저
DC코믹스 로고. © 밀턴 글레이저 1977
시각 예술 학교 극장 로고. © 밀턴 글레이저
© 밀턴 글레이저
© 밀턴 글레이저
© 밀턴 글레이저

“로고를 만드는 것은 디자이너에게 가장 지루한 작업 중 하나입니다. 이 밖에도 흥미로운 것들이 많이 있습니다." Milton Glaser는 가장 많은 활동을 한 로고 디자이너로 불립니다. 실제로 기억에 남는 표지판을 그렇게 많이 그리는 사람은 거의 없습니다. Smashing Magazine과의 인터뷰에서 미국인은 "로고에 관해 이야기하는 것은 매우 지루합니다."라고 말합니다. "왜 다들 그들에 대해 이야기하는지 아실 겁니다. 그들은 돈을 벌기 때문이죠."

세계에서 가장 많이 복사된 로고

물론 Glaser의 가장 유명한 로고는 그가 1970년대 중반에 만든 I love New York 로고입니다. 광고 캠페인뉴욕 관광개발을 위해 로고는 대문자 I, 붉은 심장 기호, 대문자 NY(뉴욕시의 약자)로 구성됩니다. 문자는 American Typewriter sans serif 글꼴로 설정됩니다.

원본 로고 스케치

1977년에 뉴욕주 상무부는 광고 대행사인 Wells Rich Greene에게 뉴욕주를 위한 마케팅 캠페인을 개발해 줄 것을 요청했습니다. Milton Glaser도 프로젝트 작업에 참여했습니다. 흥미롭게도 Glaser는 캠페인이 단 몇 달만 지속되고 흔적도 없이 사라질 것이라고 생각하면서 자발적으로(즉, 무료로) I love NY를 그렸습니다. 하지만 이 로고는 너무 유명해져서 어디에서나 사용되기 시작했고 많은 사람들이 I Love NY를 그래픽 디자인 역사상 가장 성공적인 로고라고 부릅니다.

이 로고는 9·11 사태 이후 도시 주민들의 화합과 상호 지원 정신을 불러일으키면서 특별한 의미를 갖게 되었습니다. 도시를 방문한 많은 방문객들은 테러 공격으로 피해를 입은 모든 사람들에 대한 지지를 표현하기 위해 I Love New York 티셔츠를 입었습니다.

9월 11일 사건이 발생한 지 며칠 후 Glaser는 잠에서 깨어나 자신의 로고가 더 이상 도시 주민들에게 필요하지 않다는 것을 깨달았습니다. 도시에 대한 그의 감정은 바뀌었고 로고도 바뀌어야 했습니다. 이것이 I love NY More Than Ever라는 문구가 적힌 새 버전의 로고가 나타난 방식입니다. "나는 그 어느 때보다 뉴욕을 사랑한다") 붉은 심장에 작은 검은 점이 있습니다. 이 검게 변한 지역의 위치는 우연이 아닙니다. 이는 세계 무역 센터가 있던 뉴욕 지도의 위치를 ​​표시합니다.

Glaser는 제작에 도움을 요청했습니다. 새로운 버전 School of Visual Arts의 로고입니다. 그는 친구 Silas Rhodes에게 전화를 걸어 아이디어가 있다고 말했습니다. 포스터를 인쇄하여 지하철에 게시하고 싶다는 것입니다. 그 결과 5,000개의 포스터가 인쇄되어 학생들이 도시 전역에 게시했습니다. 따라서 도시의 거의 모든 창문에서 주민들을 더욱 단결시키는 이 포스터를 볼 수 있었습니다.

이 로고는 대중 문화 아이콘이 되었으며 NYC 머그와 티셔츠부터 거대한 배너에 이르기까지 모든 곳에서 여전히 사용되고 있습니다. 뉴욕은 로고에 대한 저작권을 유지하려고 노력하고 있지만 2005년 자료에 따르면 약 3000건의 모방이 등록됐다.

Glaser가 로고를 스케치한 방법에 대해 이야기합니다. 뒤쪽 좌석뉴욕택시: “기뻤어요. 내 생각에는 필연성이 있었다. 형식과 내용이 너무도 하나로 결합되어 있어 서로 분리할 수 없었습니다.” Glaser는 왜 이 로고가 뉴욕뿐만 아니라 전 세계적으로 그렇게 인기를 얻었는지 아직도 이해하지 못합니다.

예술로서의 디자인

밀턴 글레이저의 작품은 1975년 뉴욕 현대 미술관, 1977년 파리 퐁피두 센터에서 열린 개인전을 포함해 전 세계 수많은 전시회에 포함되었습니다. Milton Glaser는 이탈리아에서 여러 번 전시되었습니다. 1991년 이탈리아 정부는 이탈리아 예술가 피에로 델라 프란체스카의 500주년을 기념하는 전시회를 기획하도록 그를 초대했습니다. 전시회는 아레초(Arezzo)에서 열렸으며 1년 후 캄파리(Campari)의 후원으로 밀라노로 옮겨졌습니다. 1994년 Glaser는 그의 고향인 Cooper Union College에서 전시회를 가졌습니다. 1997년에는 밀턴 글레이저(Milton Glaser)와 다른 스튜디오 아티스트들의 개인 작품이 포함된 푸시핀 스튜디오(Push Pin Studios)의 회고전이 일본에서 열렸습니다. 그러나 그의 작품에 대한 주요 회고전은 2000년 2월 베니스 Fondazione Bevilacqua La Masa에서 열렸습니다.

Milton Glaser의 그래픽 작품.
Milton Glaser의 그래픽 작품. Milton Glaser의 그래픽 작품.
Milton Glaser의 그래픽 작품. Milton Glaser의 그래픽 작품.
Milton Glaser의 그래픽 작품.
Milton Glaser의 그래픽 작품.
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문화에 대한 공헌

Milton Glaser는 그의 경력 전반에 걸쳐 많은 상을 받았으며, 2004년에는 다음과 같은 개발에 크게 기여한 공로로 상을 받았습니다. 현대적인 디자인국립 디자인 박물관(Smithsonian Cooper-Hewitt, 국립 디자인 박물관)에서.

그래픽 디자인 발전에 대한 Glaser의 공헌은 엄청납니다. 많은 사람들에게 그는 깊은 지적 사고와 믿을 수 없을 만큼 풍부한 시각적 언어를 결합한 보기 드문 예인 미국 그래픽 디자인의 살아있는 구체화입니다.

밀턴 글레이저의 10가지 규칙

좋아하는 사람하고만 일해라

이 규칙을 스스로 공식화하는 데 오랜 시간이 걸렸습니다. 처음 시작할 때 저는 반대로 전문성이란 어떤 고객과도 함께 일할 수 있는 능력이라고 생각했습니다. 하지만 시간이 지나면서 나중에 내 친구가 될 고객을 위해 가장 의미 있고 좋은 디자인이 만들어졌다는 것이 분명해졌습니다. 우리 일에는 전문성보다 공감이 훨씬 더 중요한 것 같아요.

선택권이 있다면 그 일을 하지 마세요.

언젠가 훌륭한 작곡가이자 철학자인 존 케이지 주니어(John Cage Jr.)와의 라디오 인터뷰를 들은 적이 있습니다. 그때 그의 나이 일흔다섯 살이었습니다. 발표자는 "노후를 어떻게 준비해야 합니까?"라고 물었습니다. 나는 Cage의 다음과 같은 대답을 항상 기억합니다. “한 가지 조언이 있습니다. 절대 일하러 가지 마세요. 평생 매일 사무실에 나가다 보면 어느 날 문밖으로 쫓겨나고 퇴직하게 될 것입니다. 그러면 당신은 확실히 노년기에 대비할 수 없을 것입니다. 그것은 당신을 놀라게 할 것입니다. 날 봐. 나는 열두 살 때부터 매일 같은 일을 해왔습니다. 일어나서 빵 한 조각을 벌 수 있는 방법에 대해 생각합니다. 노인이 된 이후로 생활은 달라지지 않았습니다."

불쾌한 사람을 피하세요

이것은 첫 번째 규칙의 연속입니다. 1960년대에 프리츠 펄스(Fritz Perls)라는 게슈탈트 치료사가 있었습니다. 그는 모든 관계에서 사람들은 서로의 삶을 독살하거나 서로의 삶에 활력을 불어넣게 된다고 제안했습니다. 더욱이 모든 것은 사람이 아니라 관계에 달려 있습니다. 누군가와 의사소통을 함으로써 자신이 어떤 영향을 받는지 확인하는 간단한 방법이 있습니다. 이 사람과 함께 시간을 보내십시오. 저녁 식사를 하거나, 산책을 하거나, 술 한두 잔을 하십시오. 그리고 이 회의가 끝난 후 어떤 기분이 들 것인지, 즉 영감을 받았는지 피곤했는지 주의 깊게 살펴보세요. 그리고 모든 것이 명확해질 것입니다.

경험만으로는 부족하거나 왜 좋은 것이 뛰어난 것의 적인가?

나는 젊었을 때 전문성에 집착했다고 이미 말했습니다. 사실 경험은 또 다른 한계입니다. 외과 의사가 필요한 경우, 이 특정 시술을 여러 번 수행한 사람에게 갈 가능성이 높습니다. 발명하려는 사람은 필요하지 않습니다 새로운 길메스를 사용하십시오. 아니요, 아니요, 실험하지 마세요. 모든 일을 지금까지 해왔던 대로, 이전에 해왔던 대로 하십시오. 우리 작업에서는 그 반대입니다. 좋은 사람은 자신이나 다른 사람을 반복하지 않는 사람입니다. 좋은 디자이너매번 새로운 방식으로 메스를 사용하고 싶거나 메스 대신 정원 물뿌리개를 사용하기로 결정한 경우도 있습니다.

적은 것이 항상 더 나은 것은 아닙니다

우리 모두는 "적을수록 좋다"는 말을 들어본 적이 있을 것입니다. 이것은 전적으로 사실이 아닙니다. 어느 좋은 아침에 나는 잠에서 깨어나 이것이 완전히 말도 안되는 일이라는 것을 깨달았습니다. 좋게 들릴지 모르지만 우리 분야에서는 이 역설이 말이 되지 않습니다. 페르시아 카펫을 기억하시나요? 이 경우에는 "적은" 것이 더 좋을까요? 가우디의 작품, 아르누보 스타일 등에 대해서도 마찬가지입니다. 따라서 나는 새로운 규칙을 세웠습니다. 필요한만큼만 있으면 더 좋습니다.

스타일을 믿지 마세요

발자크의 <미지의 걸작>에 대한 피카소의 삽화를 여러분 모두 보셨을 거라 확신합니다. 그는 열두 살의 황소를 묘사했습니다. 다양한 스타일: 자연주의적인 방식에서 한 줄의 추상화로. 안에 이 경우스타일은 관련없는 개념입니다. 어느 하나의 스타일에만 자신을 쏟는 것은 어리석은 일입니다. 그 중 어느 것도 당신에게 딱 맞는 스타일이 없기 때문입니다. 구식 디자이너들에게는 이것이 항상 어려운 일이었습니다. 수년에 걸쳐 손글씨와 시각적 어휘가 개발되었기 때문입니다. 그러나 스타일 패션은 경제 지표, 즉 실질적으로 수학에 의해 중재됩니다. 이에 대해 논쟁의 여지가 없습니다. 마르크스도 이에 대해 썼습니다. 따라서 10년마다 문체 패러다임이 바뀌고 상황이 달라지기 시작합니다. 글꼴과 그래픽에서도 같은 일이 발생합니다. 10년 이상 이 분야에 종사할 계획이라면 이러한 변화에 대비하는 것이 좋습니다.

라이프스타일이 생각하는 방식을 바꾼다

뇌는 우리 몸에서 가장 민감한 기관이다. 변화와 재생에 가장 취약합니다. 몇 년 전, 절대 음조 검색에 관한 흥미로운 기사가 ​​신문에 실렸습니다. 아시다시피 음악가들 사이에서도 그런 청력은 드뭅니다. 방법은 모르겠지만 과학자들은 절대 음조를 가진 사람들의 뇌 구조가 다르다는 것을 발견했습니다. 일부 엽은 어떻게든 변형되었습니다. 이것은 그 자체로 흥미롭습니다. 그러나 그들은 훨씬 더 놀라운 사실을 발견했습니다. 4~5세 어린이에게 바이올린 연주를 가르치면 일부 어린이가 대뇌 피질의 구조를 변화시키고 절대 음조를 발달시키기 시작할 가능성이 있다는 것입니다. 나는 그림이 음악을 연주하는 것만큼이나 뇌에 영향을 미친다고 확신합니다. 그러나 우리는 듣는 대신 주의력을 키우게 됩니다. 그림을 그리는 사람은 주변에서 일어나는 일에주의를 기울입니다. 이는 보이는 것처럼 간단하지 않습니다.

의심이 확신보다 낫다

모든 사람들은 자신이 하는 일에 대한 자신감이 매우 중요하다고 말합니다. 나의 요가 선생님은 “당신이 깨달음에 도달했다고 생각한다면 당신은 한계에 도달한 것입니다.”라고 말씀하신 적이 있습니다. 이는 영적인 실천뿐만 아니라 일에서도 마찬가지입니다. 완벽함은 끝없는 발전이기 때문에 나에게는 형성된 모든 이념적 입장이 의심스럽습니다. 나는 누군가가 어떤 것을 단호하게 믿을 때 불안해진다. 모든 것에 의문을 제기해야 합니다. 디자이너들에게 이 문제는 아방가르드 이론과 개인이 세상을 바꿀 수 있다는 사실을 가르치는 미술 학교에서도 나타납니다. 어떤 의미에서 이것은 사실이지만 대부분 창의적인 자존감의 어려움으로 끝납니다. 상업적 협력누군가와의 타협은 항상 타협이며 어떤 상황에서도 이에 저항해서는 안됩니다. 상대방이 옳을 수도 있다는 가능성을 항상 허용해야 합니다. 몇 년 전 나는 아이리스 머독(Iris Murdoch)을 읽었다. 최고의 정의사랑: “사랑은 우리가 아닌 다른 사람이 진짜라는 극도로 복잡한 인식입니다.” 이것은 훌륭하며 두 사람의 공존을 절대적으로 설명합니다.

그것은 중요하지 않습니다

지난 생일에 나는 Roger Rosenblatt의 책인 '노화의 법칙'을 받았습니다. 제목은 마음에 들지 않았지만 내용은 흥미로웠습니다. 저자가 제안한 첫 번째 규칙이 가장 좋은 것으로 나타났습니다. 그것은 다음과 같이 들립니다: "상관없어요." 당신이 어떻게 생각하든 이 규칙을 따르면 당신의 삶이 수십 년 더 늘어날 것입니다. 당신이 늦었든 제 시간에 왔든, 당신이 여기 있든 거기 있든, 침묵을 지켰든 말을 하든, 당신이 똑똑하든 멍청하든 상관없습니다. 당신이 어떤 헤어스타일을 가지고 있는지, 친구들이 당신을 어떻게 보는지는 중요하지 않습니다. 직장에서 승진할 것인가, 구매할 것인가 새 집, 받을래? 노벨상- 이건 상관없어요. 이것이 바로 지혜입니다!

진실을 말하세요

가끔은 디자인이 별로라는 생각이 들 때가 있어요 가장 좋은 장소진실을 찾기 위해. 물론 우리 공동체에는 어딘가에 기록되어 있는 것 같은 특정한 윤리가 있습니다. 하지만 거기에는 디자이너와 사회의 관계에 대한 언급이 전혀 없습니다. 그들은 스탈린 치하의 소련에서 "송아지 고기"라는 라벨로 판매되는 모든 것이 실제로 닭고기였다고 말합니다. 그 이후로 나는 닭고기를 가장하여 무엇이 팔렸는가라는 질문에 괴로워했습니다. 디자이너는 정육점 주인만큼 책임이 있으므로 송아지 고기를 가장하여 사람들에게 판매하는 제품에 대해 조심해야 합니다. 의사들은 “해를 끼치지 말라”고 맹세합니다. 나는 디자이너들도 “진실을 말하라”는 맹세를 해야 한다고 믿습니다.

게으르지 말고 9월 9일에 당신이 아는 그래픽 디자이너들의 전문적인 휴가를 축하해주세요. 게다가 올해는 작은 기념일이 있습니다: 그들의 날을 기념한 지 10년이 되었습니다! 그들이 누구이며 왜 가을 초에 축하하는지 - 우리 자료에서.

그래픽 디자인은 생각하는 것처럼 편협하게 초점을 맞춘 전문 분야가 아닙니다. 그래픽 디자이너의 작업 결과는 책과 잡지, 광고 배너 및 포스터, 거리 표지판 및 공항 내비게이션 디자인 등 모든 곳에서 우리와 함께합니다. 글꼴, 로고 또는 패키지가 필요하더라도 해당 제품을 활용해야 합니다.

그래픽 디자인은 상업 예술(포스터, 포스터, 배너)과 현대 미술의 융합의 결과입니다. 시각 예술 19~20세기의 전환기 가장 유명하고 성공적인 그래픽 디자이너: Alan Fletcher - Reuters 로고 및 Victoria and Albert Museum의 창시자, Jim Parkinson, Newsweek, Rolling Stones, Washington Post, Milton Glaser 및 "I Love New York"과의 작업으로 유명함 , 스위스 아르민 호프만 및 발레 <지젤> 광고 포스터 등

러시아 및 CIS 국가의 그래픽 디자이너 데이는 러시아의 유명한 그래픽 디자이너 V. B. Chaika의 탄생 50주년(9월 9일)을 기념하여 2005년에 제정되었습니다. 블라디미르 보리소비치(Vladimir Borisovich)는 예술 및 문학 분야에서 최초로 러시아 연방상을 수상한 국제적 수준의 대가입니다. 그는 러시아 디자이너 연합, 러시아 예술가 연합의 회원입니다. 국제 협회브르노 비엔날레 및 AGI(Alliance Graphigue Internationale). 그의 작품은 다양한 전시회와 페스티벌(헬싱키, 모스크바, 브르노, 바르샤바, 자그레브, 하르코프)에서 반복적으로 최고의 작품으로 판명되었습니다. Chaika는 주로 포스터로 유명합니다. 매년 그의 작품 전시회는 여러 나라에서 열리며, 그 중 일부는 여러 박물관에 소장되어 있습니다.

국내 대학이 외국 대학에 비해 수준이 열등하다는 사실에도 불구하고 우리는 독립적으로 직업을 습득하고 현재 러시아뿐만 아니라 성공적으로 일하는 많은 디자이너를 보유하고 있습니다. 이는 디자인에 전념하고 전문가의 작업을 더 쉽게 만드는 데 전념하는 인터넷의 엄청난 수의 리소스와 강한 열망을 통해 달성할 수 있습니다. 예를 들어 영감을 찾고 경험을 공유할 수 있는 특별한 플랫폼(Dribble, Behance, Marvel)이 있습니다. 색상과 글꼴을 선택할 수 있는 웹사이트(Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja) 포럼 및 레슨(Dzhurka, Design Mama), 물론 디자이너가 자신의 작품을 판매할 수 있을 뿐만 아니라 다른 사람을 구매하여 새 프로젝트를 만들 수 있는 사진 은행(PressFoto)도 있습니다.

PressFoto 팀은 그래픽 디자이너들의 직업적 휴가를 축하하며 그들이 더욱 밝고, 흥미로운 아이디어, 새로운 유망 프로젝트!