طراحی گرافیک از فرهنگی به فرهنگ دیگر تغییر می کند که تحت تأثیر ملی قرار می گیرد سنت های فرهنگی، تاریخ و شیوه زندگی. درست مانند موسیقی و هنر، زیبایی شناسی طراحی گرافیکیاز فرهنگی به فرهنگ دیگر متفاوت است

طراحی گرافیک آمریکای لاتین نشان دهنده عشق آمریکای لاتین به مهمانی ها و جشن هاست. طراحان گرافیک آمریکای لاتین در مورد استفاده از تعصب مقید نیستند رنگ های روشنو عناصر متضاد

مینیمالیسم نیز مورد استفاده قرار می گیرد، اما عمدتاً در طراحی وب - و مانند دیگران "مینیمالیسم" نیست. جهان می تواند از لاتینی ها چیزهای زیادی بیاموزد. برای مثال، چگونه زندگی را خیلی جدی نگیریم و از آن لذت ببریم. آنها به ما می آموزند که طراحی را نه تنها به صورت بصری، بلکه با هر شش حواس درک کنیم.

چین

چین یکی از تمدن های باستانی، قدمت حداقل 4000 سال پیش است. در دوران اوج خود، چین یکی از توسعه یافته ترین جوامع جهان بود، اما به دلیل توسعه امپریالیسم و جنگ های داخلیافول آن آغاز شد. با این حال، چین دارای تاریخ هنری، ادبی و فرهنگی سرسبز است.

طراحی گرافیک چینی در مقایسه با طراحی های غربی کاملاً جدید است. در سال 1979، چین دوباره درهای خود را به روی جهان باز کرد و از ایده‌ها و ایده‌های جدید استقبال کرد. آخرین فناوری ها. این کشور در حال حرکت آهسته اما پیوسته به سمت دیدگاه‌های دموکراتیک است و نسبت به ایده‌های جدید، به ویژه در هنر و طراحی، آزادتر است.

چین با انرژی خلاقانه و حس قوی ناسیونالیسم سرازیر شده است (اگر نگوییم برخی از خارجی ها دوست ندارند)، بنابراین جای تعجب نیست که طراحی گرافیک مدرن همچنان از همان عناصر فیگوراتیو موجود در هنر سنتی چین استفاده می کند.

طراحی گرافیک در چین به عنوان مورد استفاده قرار گرفت درمان موثراراده سیاسی غیر رسمی وسیله ای برای خودشناسی و ابراز وجود بود.

چینی فوق العاده طراحی وب

طراحی وب چینی مشتاق فلش است. وب سایت های چین بسیار تعاملی و بازیگوش هستند. برخی از عناصر در طراحی گرافیک از فرهنگ های دیگر کپی شده اند. در دهه گذشته، طراحی گرافیک چینی به شدت تحت تأثیر غرب است، اما همچنان انرژی و روح چینی خود را حفظ کرده است. برای مثال از نمادهایی از فنگ شویی، خوشنویسی، جشنواره های فرهنگی و ... در طراحی استفاده شده است.

ژاپن

هنر معاصر ژاپن به اشکال مختلفی وجود دارد: معماری، تبلیغات، بازی های ویدیویی، انیمیشن و طراحی گرافیک. تأثیر ژاپنی ها در هنر بسیار زیاد است و ایده های زیادی را در طراحی گرافیک و به طور کلی هنر معاصر آورده است. طراحی گرافیک ژاپنی شهری و اصلی است. رنگ‌های نزدیک به نئون را نمایش می‌دهد و نورهایی را که در شب در مرکز شهر توکیو می‌بینیم شبیه‌سازی می‌کند.

طراحی گرافیک ژاپنی به شدت تحت تاثیر هنر سنتی ژاپنی و مانگا است.

ژاپنی درخشان طراحی وب

طراحی گرافیک ژاپنی جالب است زیرا اساساً با آنچه در غرب به آن عادت کرده ایم متفاوت است. بسیار متنوع است، با ترکیبی از قدیمی و جدید. از یک طرف، شیک، آینده نگر و بسیار مینیمالیستی است. از طرفی فوق العاده زیبا، کودکانه و عجیب و غریب.

خاورمیانه

خاورمیانه در غرب به صورت اسرارآمیز، دلربا و عرفانی به تصویر کشیده شده است. اینجا سرزمین شن ها، فرش های پرنده و لامپ های جادویی، تصویری که بیشتر ما فقط در رویاهایمان از آن دیدن کرده ایم. خاورمیانه متناقض است - این فرهنگ با یکی از قدیمی ترین و گسترده ترین هنرهای تجسمی در تاریخ غنی شده است که قدمت آن به هزاران سال پیش می رسد.

با این حال، طراحی گرافیک در خاورمیانه بسیار جوان است. مبارزه برای جهان عرب ادامه دارد: اینجا هنرمند آزاد نیست بهترین راهامرار معاش کنید، دولت حمایت چندانی نمی کند و تنها چند مدرسه طراحی گرافیک در منطقه وجود دارد.

طراحی گرافیک خاورمیانه به همان اندازه که عرفانی است جذاب است. حاضر شود نفوذ قویخط قدیم و خط عربی، نسخ و نمونه.

خاورمیانه به آرامی به روی فرهنگ "جامعه مصرف کننده" غربی باز می شود. اعراب طلای خود را دوست دارند - و این محبت را می توان به وضوح در طراحی مشاهده کرد.

مانند سایر نقاط جهان، جهان خاورمیانه تحت تأثیر ویروس مینیمالیسم قرار گرفته است، اما همچنان فضای خاورمیانه ای را که همه ما با آن آشنا هستیم، حفظ کرده است.

لوکس خاورمیانه طراحی وب

طراحی خاورمیانه از نظر رنگ و فرهنگ غنی است. خاور میانه مانند سایر کشورهای آسیایی خود را با نمادها و خوشنویسی های زیبا سرگرم می کند. در برخی مناطق، منطقه در بسیاری از مسائل محافظه کار است.

به عنوان مثال، آنها باید خود را به روی ایده های مستقل، طراحان گرافیک زن و غیره باز کنند. با این حال، این منطقه جولانگاه ایده های جدید و ترکیبی است. آنها بسیاری از ایده های غربی را در طراحی تطبیق داده اند، اما منحصر به فرد بودن را حفظ کرده اند که آنها را از دیگران متمایز می کند.

هلند

هلند کشوری هلندی زبان است که در شمال غربی اروپا واقع شده و از جنوب به بلژیک و از شرق به آلمان محدود می شود. هلند کشور کوچکی است، اما خانه برخی از بزرگترین استادان تاریخ است: رامبراند، ون گوگ، ون ایک، موندریان و ون دوسبرگ.

طراحی گرافیک هلندی اگر نگوییم آنارشیسم، برای فردگرایی تلاش می کند. راه حل های پاک و مینیمالیستی را ترجیح می دهد - بالاخره در اینجا بود که جنبش De Seille که مقدم بر مینیمالیسم بود متولد شد. هلندی ها به هنر مفهومی کشیده می شوند و موضوعات مدرن. سادگی ارزش دارد و "بدون طراحی" یک استراتژی طراحی رایج است.

طراحان هلندی اغلب به صورت مفهومی طراحی می کنند. یکی از موارد مورد علاقه من طراح گرافیک هلندی جوان ویکتور ون گاسبیک است که کارهایش معمولا هلندی، مدرن، اما با استفاده از عناصر طبیعی و طبیعی است.

گراند هلند طراحی وب

هلند و کشورهای همسایه آن گرایش هایی را در زمینه گرافیک و طراحی وب ایجاد می کنند. هنر آنها کامل، مفهومی و شیک است. این بدان معنا نیست که کاملاً جدی و مینیمال است - طراحی هلندی می تواند بازیگوش باشد.

شاید به دلیل حمایت مالی قوی دولت از هنر، یا اقتصاد قوی کشور، یا شاید علاقه مردم محلی به هنر، طراحی گرافیک هلندی یکی از پیشرفته ترین ها در جهان باشد.

نتیجه گیری

از آنجایی که فرهنگ های مختلفگذشته و حال متفاوت است، ما تجربیات، باورها و اخلاقیات متفاوتی داریم. ما دنیا را از زاویه کمی متفاوت می بینیم. طراحان گرافیک در سراسر جهان رویکردهای خاص خود را به هنر دارند. با وجود این، یک جمله غیرقابل انکار است: طراحی خوبهمیشه طراحی خوبی خواهد بود

حتی اگر معنی، نمادها و رسم الخط استفاده شده را درک نکنیم، می توانیم طرح خوب را از بد تشخیص دهیم. درک هنر در سراسر مرزهای فرهنگی و جغرافیایی وجود دارد. و بیش از مجموع فرهنگ و اعتقادات ماست. آگاهی از طراحی یک احساس بین المللی و جهانی است که برای همه، صرف نظر از رنگ پوست یا ملیت، احساس می شود.

به عنوان بخشی از سخنرانی هفته طراحی مسکو، سرگئی سرووف درباره 25 نام اساسی در طراحی گرافیک صحبت کرد. سخنرانی «آیکون‌های طراحی» با تصاویری همراه بود که در آن سخنران ویژگی‌های اصلی سبک هر طراح را نشان داد و گفت که چگونه بر جامعه جهانی تأثیر گذاشته است.

رئیس دوسالانه بین‌المللی طراحی گرافیک «زنبور طلایی» استاد دانشکده طراحی RANEPA سفری تاریخی به توسعه طراحی گرافیک انجام داد. عنوان سخنرانی «آیکون‌های طراحی» به کتابی به همین نام نوشته جان کلیفورد اشاره دارد که سرگئی سروف آن را به همه علاقه‌مندان به تاریخ طراحی توصیه می‌کند. این مدرس در انتخاب 25 طراح تاثیرگذار، بر نظرات جامعه طراحی گرافیک حرفه ای بین المللی تکیه کرد. سرگئی سروف سخنرانی "آیکون های طراحی" را تعمیم ذهنی دیدگاه های عینی نامید.

یکی از اصلی ترین نیروهای محرککه طراحی گرافیک را از ابتدای قرن بیستم توسعه داد، به آوانگارد روسی تبدیل شد، بنابراین اولین موقعیت ها در لیست توسط الکساندر رودچنکو و اللیسیتزکی گرفته شد، که نمادها و معلمان بسیاری از استادان شدند. مانیفست آوانگارد روسیه اساس آوانگارد اروپایی و مکتب معروف طراحی گرافیک سوئیس شد. دینامیک، مورب، نمادهای قرن بیستم، که در تصویر یک ماشین و سرعت های جدید بیان می شود - همه اینها توسط هنرمندان آوانگارد روسی رودچنکو و لیسیتسکی به دنیای طراحی گرافیکی آشکار شد.

هیچ مدرسه ایده‌آلی در طراحی گرافیک وجود ندارد: استادان فن‌آوری‌ها و دیدگاه‌های جدیدی را به ارمغان می‌آورند که در تاریخ باقی می‌مانند، اما در عین حال، بخش‌های خاصی از پوستر می‌تواند «افت کند». چالش برای طراحان یادگیری بهترین شیوه ها و یادگیری از بسیاری از هنرمندان بزرگ گرافیک است. تاریخ شامل نام کسانی است که موارد جدید ایجاد می کنند یا موارد موجود را بهبود می بخشند. اصول موجود، مانیفست را دنبال می کند. پوستر به عنوان محصول طراحی گرافیکی به لطف شخصیت ها، فناوری های جدید و در برخی موارد کاریزما شخصی طراحان شکل گرفت و به یک موضوع هنری تبدیل شد.

25 طراح گرافیک برتر:

1. ژول چرت
2. الکساندر رودچنکو
3. اللیسیتزکی
4. پیت زوارت
5. آدولف مورون کاساندر
6. الکسی برودویچ
7. یان شیچولد
8. جوزف مولر-براکمن
9. امیل رودر
10. اکستل آیچر
11. هنریک توماشفسکی
12. نشان لوبالین
13. میلتون گلیزر
14. ماسیمو ویگنلی
15. کارل مارتنز
16. یوساکو کامکورا
17. کویچی ساتو
18. شیگئو فوکودا
19. کنیا هارا
20. آلن فلچر
21. آوریل گریمن
22. رالف شرایوگل
23. نیکلاوس تراکسلر
24. دیوید کارسون
25. استفان ساگمایستر

هفته طراحی مسکو جشنواره ای است که به طراحی در تمام جلوه های آن، از مد گرفته تا معماری اختصاص دارد. این رویداد نمایندگان بازار را در یک مرحله گرد هم می‌آورد تا ارتباطات تجاری ایجاد و تقویت کند، ایده‌ها را تبادل کند و کارهای جدیدی را شروع کند پروژه های موفقو توسعه طراحی در روسیه.

طبیعی است که به کارهای درخشان طراحان گرافیک بزرگ نگاه کنید و بخواهید چیزی مشابه خلق کنید. یا حتی می خواهند مانند این استادان هنر خود باشند. این الهام بخش بود که بسیاری از متخصصان را وارد عرصه طراحی گرافیک کرد. اگرچه، البته، برای برخی به هیچ جا منتهی می شود. و با این حال، برای دیگران، اشتیاق واقعی به طراحی را آشکار می کند و گاهی اوقات به یک طراح درخشان اجازه می دهد تا در مرکز صحنه قرار گیرد.

افسوس که همه، حتی با استعدادترین طراحان، نمی توانند برجسته شوند و به رسمیت شناخته شوند. عوامل متعددی وجود دارد که به شما کمک می کند تا به اوج برسید. در این مقاله فهرستی از مواردی را بررسی خواهیم کرد که به شما در دستیابی به عظمت و جایگاه خاصی در دنیای طراحی گرافیک کمک می کند. آنها همچنین نقطه شروع خوبی برای شما خواهند بود.

تئوری

طراحی گرافیک تا حد زیادی ذهنی است، بنابراین بعید است که یک کار طراحی پیدا کنید که کاملاً همه آن را دوست داشته باشند. مردم چیزهای مختلف را دوست دارند و این اشکالی ندارد! با این حال، تئوری های پذیرفته شده ای در طراحی گرافیک وجود دارد. ایده هایی که جوهر کار طراحی قوی را در بر می گیرد. آنها در تعیین اینکه کدام طرح های گرافیکی خوب هستند و کدام نه کمک می کنند. علاوه بر این، این نظریه ها توانایی های طراح را افزایش می دهند.

وجه مشترک همه طراحان گرافیک معروف این است که هر کدام از آنها در شکل گیری تئوری های طراحی موجود نقش مستقیمی داشته اند و این را می توان به وضوح در کار آنها مشاهده کرد. یکی از نمونه‌های بارز جوزف مولر-براکمن، نویسنده نشریه «شبکه‌های مدولار در طراحی گرافیک» است. این تئوری و شالوده استفاده از شبکه های مدولار را که بسیاری از طراحان برای سال های آینده به آن مراجعه خواهند کرد، ارائه می کند.

مهارت های فنی

مهارت های فنی به یک طراح گرافیک کمک می کند تا ایده های خود را زنده کند. و در اینجا هم دست و هم ذهن لازم است. دست ها به توانایی استفاده از ابزارهایی مانند مداد یا ترک پد اشاره دارد. در مورد مهارت های ذهنی، اینجا ما در مورد O عملیات ریاضی، اندازه گیری ها یا تنظیمات رنگ.

همه طراحان گرافیک بزرگ دارند درجه بالامهارت فنی حداقل در یک زمینه از طراحی گرافیک. و این شاید به بهترین شکل توسط Jan Tschichold نشان داده شده باشد. او وسواس خاصی به دکوراسیون داشت و ظاهرکتاب، به دلیل مهارت فنی بی نظیرش.

در تصویر بالا می‌توانید نمونه‌ای از الزامات تناسبات دقیق او برای راهنمای برندینگ پنگوئن را مشاهده کنید.

شهود

شاید این همان عاملی باشد که بتوان آن را «ویژه» نامید. برخی افراد شهود دارند، برخی نه. این ویژگی ناشی از کنجکاوی افسارگسیخته در طراحی است و فراتر از کسب درآمد و همچنین ایجاد یک شغل است. اینجاست که درک حقایق طراحی به نوعی به فرآیند استدلال وابسته است. تصمیماتی که یک طراح می گیرد نه تنها بر اساس تئوری یا رسمی است، بلکه بر اساس الهامات خلاقانه با بیان خود است.

شهود کیفیتی است که همه طراحان بزرگ از آن برخوردارند و همیشه می توان آن را در کارهای طراح گرافیک Saul Bass مشاهده کرد که در بالا می توانید مشاهده کنید. قدرت طراحی در آنها بیشتر شهودی و احساسی است تا فکری. با این حال، تسلط بر تئوری و مهارت های فنی به تنهایی شما را به سطح باس نمی رساند. شما باید یاد بگیرید که به شهود خود اعتماد کنید و حتی برای خلاقیت خودجوش آماده شوید.

منابع

بدون تجهیزات فنیدر طراحی گرافیک - هیچ جا. در برخی مناطق شامل می شود سازهای مختلفبرای چاپ، کاغذ، قیچی، خط کش و غیره در مورد دنیای دیجیتال، هیچ راهی برای انجام بدون رایانه، تبلت های خاص وجود ندارد، نرم افزار، کتابخانه هایی با بافت ها، فونت ها و قالب ها. بدون همه اینها، یک طراح چیزی بیش از ظرفی با مجموعه ای از افکار، ایده ها و احساسات نیست.

یک نمونه عالی از کار با تجهیزات، پروژه دیوید کارسون برای انتشارات Ray Gun است که او رویکرد غیرمعمول خود را نسبت به آن پیدا کرد. او برش می داد، رنگ را تغییر می داد، حروف و تصاویر را لایه لایه به کار می برد و چیدمان او بیشتر یادآور بوم های تصویری بود. این در دسترس بودن منابع بود که به کارسون کمک کرد تا به آنچه امروز هست تبدیل شود - یک افسانه طراحی گرافیک.

شخصیت

در دنیای طراحی گرافیک، فقط چند استاد وجود دارند که کارشان آنقدر فردی است که از هزاران نفر قابل تشخیص است. از آنجایی که مردم به دنبال فردیت، شخصیت و سرزندگی هستند، شناخت نسبت به یک طراح عمدتاً به این دلیل است که شخصیت او در کار او منعکس می شود.

شخصیت پل رند و پروژه های او همیشه یک چیز بوده است. او پالت های رنگی، اشکال بازیگوش، اما در عین حال جدی، حساس و ناقص درباره اینکه او به عنوان یک شخص بود صحبت می کرد. این احتمالاً نقش مهمی در این واقعیت داشت که او نه تنها توسط افرادی از دایره طراحان، بلکه توسط کسانی که خارج از آن بودند نیز دوست داشتند.

انقلابی

وقتی شخصی می پرسد: چه چیزی طبیعی است; آنچه آشنا به نظر می رسید را تغییر می دهد و مفاهیم جدیدی را ابداع می کند - او توجه عمومی را به خود جلب می کند. موافق باشید که تماشای یک فرد در حال تخریب و خلق چیزی به طور همزمان می تواند فرآیند بسیار جذابی باشد.

احتمالاً تمام طراحان بزرگی که وجود داشته اند و امروز زنده هستند، خود انقلابی بوده اند که طبق قوانین عمل نمی کنند. یکی از آنها بردبری تامپسون است. در روزهایی که CMYK به شدت بخشی از تولید چاپ بود، او از آن به عنوان بخشی از فرآیند خلاقیت استفاده می کرد. او با امتناع از استفاده از این رنگ ها برای بازتولید دقیق تصاویر یا سایه های یک رنگ خاص، آنها را به عنوان چهار رنگ در نظر گرفت. رنگ های خاصروی پالت کشف آن امروزه نیز مطرح است و بسیاری از طراحان با موفقیت از آن استفاده می کنند.

در نتیجه...

البته، ویژگی ضروری برای هر طراح گرافیک بزرگ، استعداد است. اما آیا شهرت اینطور است یک جزء مهمعظمت؟ کاملاً ممکن است که این فقط نفس خود شخص باشد که جدا از ماهیت طراحی وجود دارد. شاید امروز کافی باشد که یک گرافیست با استعداد باشید؟

میلتون گلیزر در سال 1974. عکس: © Cosmos Sarchiapone

با وجود سن بالا، میلتون گلیزر همچنان به خلاقیت خود ادامه می دهد. او بود که به مجله نیویورک، پوستر معروف روانگردان که باب دیلن را نشان می داد، هویت شرکتی کارخانه آبجوسازی بروکلین و البته نماد دائمی نیویورک - لوگوی I love New York را به جهان هدیه داد.

اکنون در هشتاد سالگی، میلتون گلیزر در منهتن زندگی می کند و، اگرچه بسیاری در این سن در حال بازنشستگی هستند، او استودیوی طراحی خود را اداره می کند که در حال گسترش است. مانند سال ها پیش، او همچنان به کشیدن پوستر، ایجاد لوگو و توسعه سبک های شرکتی ادامه می دهد. گلیزر علاوه بر تمرین، به تئوری نیز می پردازد: او در دانشگاه ها سخنرانی می کند، مقاله می نویسد و بحث های نظری در مورد ارتباط بین طراحی و هنر و تأثیر آنها بر یکدیگر، در مورد حرفه طراح و پیچیدگی های فرآیند خلاقیت.

این لوگو در سال 1977 ساخته شد.

دوران کودکی و تحصیل

میلتون گلاسر در 26 ژوئن 1929 در شهر نیویورک در خانواده ای یهودی با ریشه مجارستانی به دنیا آمد. وقتی میلتون پنج ساله بود، پسر عمویش اسبی را جلوی او کشید - در آن زمان بود که گلیزر به قدرت هنر گرافیک پی برد. این اولین بار بود که می دید کسی چیزی را می کشید که واقعاً وجود داشت. او فکر می کرد که می تواند یک جهان کامل بسازد حرکت سادهمداد. این احساس مشتاقانه در طول زندگی او را رها نمی کند.

گلیزر در سن هفده سالگی تمایل خود را برای هنرمند شدن تأیید کرد. پس از آن بود که او متوجه شد که هدف واقعی هنر این است که ما را مورد توجه قرار دهد. هنر به ما کمک می کند زنده بمانیم. گلیزر در مصاحبه ای با مجله اسمشینگ گفت که پشت سرش نشسته است میز آشپزخانهو ناگهان تصمیم گرفت پرتره ای از مادرش بکشد. در آن لحظه متوجه شد که نمی داند او چه شکلی است. تنها زمانی که تصمیم گرفت مادرش را نقاشی کند، به ظاهر او علاقه مند شد.

گلیزر در دبیرستان موسیقی و هنر منهتن تحصیل کرد، سپس در سال 1951 از کالج خصوصی کوپر یونیون در نیویورک فارغ التحصیل شد (تأثیر عظیم کوپر برای پیشرفت علم و هنر). برای زندگی در کشور دیگری، یعنی در ایتالیا، گلیزر پس از فارغ التحصیلی از دانشگاه هنرهای زیبای بولونیا (Accademia di Belle Arti di Bologna) تحت بورسیه تحصیلی فولبرایت تحصیل کرد.

Push Pin Studios

در سال 1954، گلسر استودیو پوش پین را با دوستان دانشگاهی، رینولد رافینز، سیمور چواست و ادوارد سورل تأسیس کرد. ایده ایجاد شرکت خود پس از اخراج سورل و چواست از مجله Esquire در همان روز به ذهنشان خطور کرد. آنها با آخرین پول خود اتاقی تاریک و مرطوب را در خیابان هفدهم شرقی در منهتن اجاره کردند. چند ماه بعد گلیزر از ایتالیا بازگشت و به استودیو پیوست. به مدت بیست سال، گلیزر و سیمور کارگاهی را اداره کردند که تأثیر عمیقی بر توسعه طراحی گرافیک در سراسر جهان داشت.

نکته برجسته برای Push Pin Studios، نمایشگاه The Push Pin Style در لوور بود: در سال های 1970-1972، علاوه بر پاریس، از شهرهای دیگر اروپا، برزیل و ژاپن بازدید کرد.

استودیو Push Pin هنوز وجود دارد، فقط اکنون تنها مدیر آن سیمور چواست است.

در سال 1967، میلتون گلیزر، که در استودیو پوش پین کار می کرد، یک پرتره روانگردان از باب دیلن خلق کرد که بعداً برای طراحی مجموعه ای از بهترین موفقیت های خواننده مورد استفاده قرار گرفت.

مجله نیویورک

گلیزر در سال 1968 مجله نیویورک را با کلی فلکر ایجاد کرد. گلیزر تا سال 1977 رئیس و مدیر طراحی شرکت بود. در ابتدا، این مجله به عنوان نوعی جایگزین برای The New Yorker موجود بود. او معلوم شد که گستاخ و رک است و بخشی از به اصطلاح روزنامه نگاری جدید شد، جنبشی در روزنامه نگاری آمریکا در دهه های 1960 و 1970. این نشریه به نمادی از مجله شهر تبدیل شد و مجموعه ای از تقلیدها را ایجاد کرد.

در طی شش یا هفت سال، گلیزر و جروم اسنایدر کتاب The Underground Gourmet را نوشتند که راهنمای رستوران‌های ارزان شهر نیویورک بود. در ابتدا فقط یک ستون در مجله نیویورک بود. همه علاقه مند بودند که کجا می توانند ارزان و خوشمزه بخورند، بنابراین ستون آنقدر محبوب شد که یک کتاب کامل باید منتشر می شد.

والتر برنارد و میلتون گلیزر

WBMG

در سال 1983، گلسر WBMG را به همراه والتر برنارد تأسیس کرد. این یک شرکت طراحی کوچک بود که درگیر انتشارات بود. آنها در طول عمر خود برای بیش از پنجاه مجله، روزنامه و غیره طراحی کرده اند. نشریاتدر سراسر جهان، و همچنین طراحی روزنامه های معروفی مانند واشنگتن پست آمریکایی، کاتالان La Vanguardia و برزیل O Globo را به روز کرد.

میلتون گلسر، شرکت هنر کار است

در سال 1974، گلسر استودیوی خود به نام Milton Glaser, Inc. را در منهتن تأسیس کرد. ، که امروزه نیز فعال است. علاوه بر خود گلسر، این استودیو دو طراح دیگر را به کار گرفته است: سو والش و جی یون لی. فعالیت های این شرکت تقریباً تمام زمینه های طراحی - از ایجاد لوگو تا طراحی داخلی را در بر می گیرد. در میدان گرافیک چاپ شدهاستودیو در حال توسعه است هویت شرکتیکه شامل لوگو، سربرگ، بروشور، تابلو و گزارش سالانه می باشد. در زمینه طراحی داخلی و محیطی، آنها مفاهیم را توسعه می دهند و بر ایجاد محصولات مختلف، فضای داخلی و خارجی رستوران نظارت می کنند. مراکز خرید، هتل ها و سایر فضاهای خرده فروشی و تجاری.

© میلتون گلیزر
لوگوی کارخانه آبجوسازی بروکلین. © میلتون گلیزر
لوگوی مجله نیویورک. © میلتون گلیزر
لوگوی شرکت بذر. © میلتون گلیزر
لوگوی شرکت ضبط Tomato Records. © میلتون گلیزر، 1978
لوگوی فرشتگان در آمریکا © میلتون گلیزر
لوگوی دی سی کامیکس. © Milton Glaser 1977
لوگوی تئاتر دانشکده هنرهای تجسمی. © میلتون گلیزر
© میلتون گلیزر
© میلتون گلیزر
© میلتون گلیزر

«ایجاد لوگو یکی از خسته کننده ترین کارهای یک طراح است. چیزهای جالب تری هم هست."میلتون گلیزر را پرکارترین طراح لوگو می نامند. در واقع، افراد کمی توانسته اند این همه نشانه به یاد ماندنی را ترسیم کنند. این آمریکایی در مصاحبه با مجله Smashing می گوید: «حرف زدن در مورد لوگوها بسیار کسل کننده است. می دانید چرا همه درباره آنها صحبت می کنند: آنها پول می آورند.

کپی شده ترین لوگوی دنیا

البته مشهورترین لوگوی گلیسر آرم I love New York است که در اواسط دهه 1970 برای کمپین تبلیغاتیبرای توسعه گردشگری در نیویورک این لوگو از یک حرف بزرگ I، نماد قلب قرمز و حروف بزرگ NY که مخفف شهر نیویورک است، تشکیل شده است. حروف با فونت American Typewriter sans serif تنظیم شده اند.

طرح لوگوی اصلی

در سال 1977، وزارت بازرگانی ایالت نیویورک از آژانس تبلیغاتی Wells Rich Greene خواست تا یک کمپین بازاریابی برای ایالت نیویورک ایجاد کند. میلتون گلیزر نیز برای کار روی این پروژه آورده شد. جالب اینجاست که گلسر به صورت داوطلبانه (یعنی به صورت رایگان) نقاشی I love NY را انجام داد، با این تصور که این کمپین فقط چند ماه طول می کشد و بدون هیچ ردی ناپدید می شود. اما این لوگو آنقدر محبوب شد که در همه جا مورد استفاده قرار گرفت و بسیاری I love NY را موفق ترین لوگو در تاریخ طراحی گرافیک می نامند.

این لوگو پس از حوادث 11 سپتامبر اهمیت خاصی پیدا کرد و روحیه اتحاد و کمک متقابل را در میان ساکنان شهر ایجاد کرد. بسیاری از بازدیدکنندگان شهر برای ابراز حمایت از همه کسانی که تحت تأثیر حمله تروریستی قرار گرفتند، تی شرت I love New York را پوشیدند.

چند روز پس از حوادث 11 سپتامبر، گلیزر از خواب بیدار شد و متوجه شد که لوگوی او دیگر چیزی نیست که ساکنان شهر به آن نیاز دارند. احساسات او نسبت به شهر تغییر کرد و لوگو نیز باید تغییر می کرد. اینگونه بود که نسخه جدیدی از لوگو با عبارت I love NY More Than Ever ( "من نیویورک را بیشتر از همیشه دوست دارم") با یک نقطه سیاه کوچک روی قلب قرمز. موقعیت این منطقه سیاه شده تصادفی نیست: این مکان روی نقشه نیویورک که مرکز تجارت جهانی در آن قرار داشت را مشخص می کند.

گلیزر برای ایجاد کمک خواست نسخه جدیدلوگوی دانشکده هنرهای تجسمی او با دوستش سیلاس رودز تماس گرفت و گفت که ایده ای دارد: می خواهد پوسترهایی را چاپ کند و در مترو بگذارد. در نتیجه پنج هزار پوستر چاپ شد که دانش آموزان در سطح شهر نصب کردند. بنابراین، تقریباً از هر پنجره ای در شهر می توان این پوستر را دید که ساکنان را بیش از پیش متحد کرد.

این لوگو به نماد فرهنگ پاپ تبدیل شد و هنوز هم در همه جا استفاده می شود، از لیوان ها و تی شرت های نیویورک گرفته تا بنرهای بزرگ. نیویورک در تلاش است تا حق چاپ لوگو را حفظ کند، اما طبق داده های سال 2005، حدود سه هزار مورد تقلید ثبت شد.

گلیزر در مورد نحوه طراحی لوگو صحبت می کند صندلی عقبتاکسی نیویورک: «هیجان زده بودم. در مورد ایده من احساس اجتناب ناپذیری وجود داشت. فرم و محتوا چنان با هم متحد شده بودند که جدا کردن یکی از دیگری غیر ممکن بود. گلیزر هنوز نمی‌داند که چرا این لوگو نه تنها در نیویورک، بلکه در سراسر جهان محبوب شد.

طراحی به عنوان هنر

آثار میلتون گلیزر در نمایشگاه های متعددی در سراسر جهان از جمله نمایش های انفرادی در موزه هنر مدرن نیویورک در سال 1975 و در مرکز ژرژ پمپیدو در پاریس در سال 1977 به نمایش درآمده است. میلتون گلاسر بارها در ایتالیا نمایشگاه داشته است. در سال 1991، دولت ایتالیا از او دعوت کرد تا نمایشگاهی را به افتخار صدمین سالگرد هنرمند ایتالیایی پیرو دلا فرانچسکا برگزار کند. این نمایشگاه در آریزو افتتاح شد و یک سال بعد به لطف حمایت کامپاری به میلان نقل مکان کرد. در سال 1994، گلیزر نمایشگاهی را در کالج کوپر یونیون زادگاهش برگزار کرد. در سال 1997، مروری بر آثار Push Pin Studios در ژاپن ارائه شد که شامل آثار شخصی میلتون گلسر و دیگر هنرمندان استودیو بود. با این حال، بازنگری اصلی آثار او در فوریه 2000 در ونیز، در Fondazione Bevilacqua La Masa افتتاح شد.

آثار گرافیکی میلتون گلیزر.
آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر.
آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر.
آثار گرافیکی میلتون گلیزر.
آثار گرافیکی میلتون گلیزر.
آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر. آثار گرافیکی میلتون گلیزر.

کمک به فرهنگ

میلتون گلیزر در طول زندگی حرفه‌ای خود جوایز زیادی دریافت کرد، از جمله در سال 2004 او جایزه‌ای را برای مشارکت قابل توجه در توسعه طراحی مدرناز موزه طراحی ملی (Smithsonian Cooper-Hewitt، موزه طراحی ملی).

سهم گلیسر در توسعه طراحی گرافیک بسیار زیاد است: برای بسیاری، او تجسم زنده طراحی گرافیک آمریکایی است، نمونه نادری که تفکر عمیق فکری را با غنای باورنکردنی زبان بصری ترکیب می کند.

10 قانون میلتون گلیزر

فقط با افرادی که دوست دارید کار کنید

مدت زیادی طول کشید تا این قانون را برای خودم تدوین کنم. وقتی شروع کردم، برعکس فکر می کردم که حرفه ای بودن توانایی کار با هر مشتری است. اما با گذشت سالها مشخص شد که معنی دارترین و خوب ترین طرح برای آن دسته از مشتریانی ابداع شد که بعدها دوست من شدند. به نظر می رسد که همدردی در کار ما بسیار مهمتر از حرفه ای بودن است.

اگر انتخابی دارید، کار را قبول نکنید.

یک روز از رادیو مصاحبه ای با آهنگساز و فیلسوف فوق العاده جان کیج جونیور شنیدم. او در آن زمان هفتاد و پنج سال داشت. مجری پرسید: چگونه برای پیری آماده شویم؟ همیشه پاسخ کیج را به یاد دارم: «یک نصیحت دارم. هرگز سر کار نرو. اگر در طول زندگی خود هر روز به اداره بروید، یک روز از در بیرون می افتید و به بازنشستگی می پردازید. و مطمئناً برای پیری آماده نخواهید شد - شما را غافلگیر خواهد کرد. به من نگاه کن از دوازده سالگی هر روز همین کار را انجام می‌دهم: از خواب بیدار می‌شوم و به این فکر می‌کنم که چگونه یک لقمه نان به دست بیاورم. از زمانی که من پیر شدم زندگی تغییر نکرده است."

از افراد ناخوشایند دوری کنید

این ادامه قانون اول است. در دهه 1960، یک گشتالت درمانگر به نام فریتز پرلز وجود داشت. او پیشنهاد کرد که در همه روابط، افراد یا زندگی یکدیگر را مسموم می کنند یا به زندگی یکدیگر سوخت می دهند. علاوه بر این، همه چیز به شخص بستگی ندارد، بلکه به رابطه بستگی دارد. می دانید، یک راه ساده برای بررسی اینکه چگونه از برقراری ارتباط با کسی بر شما تأثیر می گذارد وجود دارد. مدتی را با این شخص بگذرانید: شام، پیاده روی، یا یک یا دو نوشیدنی بخورید. و توجه کنید که بعد از این جلسه چه احساسی خواهید داشت - الهام گرفته یا خسته. و همه چیز روشن خواهد شد.

تجربه کافی نیست یا چرا خوبی ها دشمن برجسته هاست

قبلاً گفته ام که در جوانی وسواس حرفه ای بودن را داشتم. در واقع تجربه یک محدودیت دیگر است. اگر به جراح نیاز دارید، به احتمال زیاد به سراغ فردی خواهید رفت که این روش خاص را بارها انجام داده است. شما به مردی نیاز ندارید که قصد اختراع داشته باشد راه جدیداز چاقوی جراحی استفاده کنید نه، نه، بدون آزمایش، لطفاً همه چیز را به روشی که همیشه انجام می دادید و به روشی که قبل از شما انجام می شد انجام دهید. در کار ما برعکس است: کسی که خودش یا دیگران را تکرار نمی کند خوب است. طراح خوبمی خواهد هر بار از چاقوی جراحی به روشی جدید استفاده کند یا حتی تصمیم می گیرد به جای چاقوی جراحی از یک آبخوری باغچه استفاده کند.

کمتر همیشه بهتر نیست

همه ما عبارت "کمتر، بیشتر" را شنیده ایم. این کاملا درست نیست. یک روز صبح خوب از خواب بیدار شدم و متوجه شدم که به احتمال زیاد این یک مزخرف کامل است. شاید خوب به نظر برسد، اما در حوزه ما این پارادوکس معنی ندارد. فرش های ایرانی را به خاطر دارید، آیا «کمتر» در مورد آنها بهتر است؟ همین را می توان در مورد آثار گائودی، سبک آرت نوو و خیلی چیزهای دیگر گفت. بنابراین، من یک قانون جدید برای خودم تنظیم کردم: بهتر است زمانی که دقیقاً به اندازه نیاز شما وجود دارد.

به سبک ها اعتماد نکنید

مطمئنم همه شما تصاویر پیکاسو برای شاهکار ناشناخته بالزاک را دیده اید. او یک گاو نر را در دوازده سالگی به تصویر کشید سبک های مختلف: از شیوه طبیعت گرایانه تا انتزاع تک خطی. در در این موردسبک مفهومی بی ربط است. احمقانه است که خودتان را به یک سبک بسپارید زیرا هیچ یک از آنها کاملاً لیاقت شما را ندارند. برای طراحان قدیمی، این همیشه دشوار بوده است، زیرا در طول سال ها دستخط و واژگان بصری توسعه می یابد. اما مد سبک با شاخص های اقتصادی، یعنی عملاً توسط ریاضیات، واسطه می شود - نمی توانید با آن بحث کنید. مارکس در این باره نوشت. بنابراین، هر ده سال یکبار الگوی سبک تغییر می کند و همه چیز متفاوت به نظر می رسد. در مورد فونت ها و گرافیک ها هم همین اتفاق می افتد. اگر قصد دارید بیش از یک دهه در این حرفه بمانید، به شدت توصیه می کنم برای این تغییر آماده باشید.

سبک زندگی طرز فکر شما را تغییر می دهد

مغز حساس ترین عضو بدن ماست. بیشتر مستعد تغییر و بازسازی است. چندین سال پیش داستان جالبی در روزنامه ها در مورد جستجوی زمین مطلق وجود داشت. همانطور که می دانید چنین شنیداری حتی در بین نوازندگان نیز به ندرت دیده می شود. نمی‌دانم چگونه، اما دانشمندان دریافته‌اند که افراد با گام مطلق ساختار مغزی متفاوتی دارند: برخی از لوب‌ها به نوعی تغییر شکل داده‌اند. این به خودی خود جالب است. اما پس از آن آنها چیز شگفت انگیزتری را کشف کردند: اگر به کودکان چهار یا پنج ساله ویولن نواختن آموزش داده شود، این احتمال وجود دارد که برخی از آنها شروع به تغییر ساختار قشر مغز کنند و صدای کامل را ایجاد کنند. من مطمئن هستم که نقاشی کمتر از پخش موسیقی روی مغز تأثیر می گذارد. اما به جای شنیدن، توجه را توسعه می دهیم. شخصی که نقاشی می کند به آنچه در اطراف او اتفاق می افتد توجه می کند - و این به آن سادگی که به نظر می رسد نیست.

شک بهتر از یقین است

همه می گویند که اعتماد به کاری که انجام می دهید بسیار مهم است. معلم یوگا من یک بار گفت: "اگر فکر می کنید به روشنگری رسیده اید، فقط به حد خود رسیده اید." این نه تنها در تمرین معنوی، بلکه در کار نیز صادق است. برای من، همه مواضع ایدئولوژیک شکل گرفته مشکوک است، زیرا کمال توسعه بی پایان است. وقتی کسی چیزی را قاطعانه باور می کند عصبی می شوم. همه چیز را باید زیر سوال برد. برای طراحان، این مشکل حتی در مدرسه هنر ظاهر می شود، جایی که به ما تئوری آوانگارد و این واقعیت را آموزش می دهند که یک فرد می تواند جهان را تغییر دهد. به یک معنا، این درست است، اما اغلب به مشکلاتی با عزت نفس خلاق ختم می شود. همکاری تجاریبا کسی همیشه سازش است و در هیچ شرایطی نباید در برابر آن مقاومت کرد. شما همیشه باید این احتمال را بدهید که حق با حریف شماست. چند سال پیش آیریس مرداک را خواندم بهترین تعریفعشق: "عشق آگاهی بسیار پیچیده ای است که کسی غیر از ما واقعی است." این عالی است و مطلقاً هر گونه همزیستی دو نفر را توصیف می کند.

مهم نیست

برای آخرین تولدم، کتابی از راجر روزنبلات به من داده شد، قوانینی برای پیری. عنوان را دوست نداشتم، اما محتوا برایم جالب بود. اولین قانون پیشنهادی نویسنده بهترین بود. به نظر می رسد: "مهم نیست." مهم نیست که چه فکر می کنید، از این قانون پیروی کنید تا چندین دهه به زندگی شما اضافه شود. مهم نیست که دیر بیایی یا به موقع، اینجا باشی یا آنجا، سکوت کرده ای یا چیزی گفته ای، باهوشی یا احمق. فرقی نمی کند چه مدل مویی دارید یا دوستانتان چگونه به شما نگاه می کنند. آیا در محل کار ارتقا پیدا می کنید، آیا می خرید خانه جدید، دریافت خواهید کرد جایزه نوبل- هیچ کدام از اینها مهم نیست. این حکمت است!

راستشو بگو

گاهی اوقات احساس می کنم طراحی اینطور نیست بهترین مکانبرای جستجوی حقیقت البته در جامعه ما اخلاق خاصی وجود دارد که به نظر می رسد حتی در جایی نوشته شده است. اما کلمه ای در مورد رابطه طراح با جامعه در آن وجود ندارد. آنها می گویند که در اتحاد جماهیر شوروی در زمان استالین، هر چیزی که با برچسب "گوساله" فروخته می شد در واقع مرغ بود. از آن زمان به بعد این سوال برایم عذاب بود که پس از آن چه چیزی در پوشش مرغ فروخته شد؟ مسئولیت طراحان کمتر از قصاب ها نیست، بنابراین باید مراقب باشند که در پوشش گوشت گوساله چه چیزی به مردم می فروشند. پزشکان سوگند یاد می کنند: "آسیب نرسانید." من معتقدم که طراحان نیز باید سوگند یاد کنند: "راستش را بگو."

تنبل نباشید و تعطیلات حرفه ای را به طراحان گرافیکی که می شناسید در 9 سپتامبر تبریک بگویید. علاوه بر این، امسال آنها یک سالگرد کوچک دارند: ده سال از جشن گرفتن روز خود می گذرد! آنها چه کسانی هستند و چرا در ابتدای پاییز جشن می گیرند - در مطالب ما.

طراحی گرافیک آنطور که ممکن است تصور شود، اصلاً یک تخصص متمرکز نیست. نتایج کار طراحان گرافیک ما را کاملاً در همه جا همراهی می کند: طراحی کتاب ها و مجلات، بنرها و پوسترهای تبلیغاتی، علائم خیابان ها و مسیریابی در فرودگاه ها. حتی اگر نیاز به ایجاد فونت، لوگو یا بسته بندی دارید، باید به آنها مراجعه کنید.

طراحی گرافیک حاصل تلفیق هنر تجاری (پوستر، پوستر، بنر) و مدرن است. هنرهای زیبانوبت قرن 19-20 برخی از مشهورترین و موفق‌ترین طراحان گرافیک: آلن فلچر - خالق لوگوی رویترز و موزه ویکتوریا و آلبرت، جیم پارکینسون به خاطر کارش با نیوزویک، رولینگ استونز، واشنگتن پست، میلتون گلیزر و "من نیویورک را دوست دارم" شهرت دارد. ، آرمین هافمن سوئیسی و پوستر تبلیغاتی باله "ژیزل" و غیره.

روز طراح گرافیک در روسیه و کشورهای CIS در سال 2005 در پنجاهمین سالگرد طراح گرافیک مشهور روسی V. B. Chaika (9 سپتامبر) تأسیس شد. ولادیمیر بوریسوویچ یک استاد شناخته شده در سطح بین المللی است که برای اولین بار جایزه فدراسیون روسیه در زمینه هنر و ادبیات را دریافت کرد. او عضو اتحادیه طراحان روسیه، اتحادیه هنرمندان روسیه، انجمن های بین المللیدوسالانه برنو و AGI (Alliance Graphigue Internationale). آثار او بارها و بارها در نمایشگاه ها و جشنواره های مختلف (در هلسینکی، مسکو، برنو، ورشو، زاگرب، خارکف) بهترین بوده است. چایکا در درجه اول برای پوسترهایش شناخته شده است. هر ساله نمایشگاه‌هایی از آثار او در بسیاری از کشورها برگزار می‌شود و حتی برخی در مجموعه‌های موزه‌های مختلف وجود دارد.

علیرغم این واقعیت که دانشگاه های داخلی از نظر سطح پایین تر از دانشگاه های خارجی هستند، ما تعداد زیادی طراح داریم که به طور مستقل به این حرفه تسلط دارند و اکنون نه تنها در روسیه با موفقیت کار می کنند. دستیابی به این امر با میل شدید و تعداد زیادی از منابع موجود در اینترنت که به طراحی و تسهیل کار متخصصان اختصاص داده شده است کاملاً ممکن است. به عنوان مثال، پلتفرم های خاصی وجود دارد که می توانید در آنها به دنبال الهام باشید و تجربیات خود را به اشتراک بگذارید (Dribble، Behance، Marvel). وب سایت هایی با انتخاب رنگ و فونت (Material Palette، TypeGenius، FontFaceNinja)؛ انجمن ها و درس ها (Dzhurka، Design Mama) و البته بانک های عکس که در آن طراحان نه تنها می توانند آثار خود را بفروشند، بلکه دیگران را نیز برای ایجاد پروژه های جدید خریداری کنند (PressFoto).

تیم پرس‌فتو تعطیلات حرفه‌ای را به طراحان گرافیک تبریک می‌گوید و برایشان آرزوی روشن‌تر و درخشان‌تر دارد ایده های جالب، پروژه های امیدوار کننده جدید!