"Vincent van Gogh" - Décédé à 1h30 le 29 juillet 1890. Autoportrait de Vincent van Gogh. Vincent Willem van Gogh. Vincent, bien qu'il soit né deuxième, devient l'aîné des enfants... Le 1er octobre 1864, van Gogh entre au pensionnat de Zevenbergen, à 20 km de chez lui. Devenir artiste. Enfance et jeunesse. Le 15 septembre 1866, Vincent commença ses études dans un autre internat, le Willem II College de Tilburg.

"Peintures de Rembrandt" - "Le fils prodigue" est le dernier tableau de Rembrandt, son chant du cygne. À l’automne 1669, le plus grand des maîtres de l’école hollandaise mourut tranquillement et inaperçu. Danaé. Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669). Tout ce qui est modeste, nécessiteux, oublié de tous lui est proche et cher. Rembrandt est un poète de la souffrance et de la compassion.

« Biographie de Léonard de Vinci » - Où Léonard a-t-il reçu ses premières leçons d'artisanat ? En quelle année est né Léonard de Vinci ? Lequel des tableaux de la diapositive suivante s'appelle « Mona Lisa » ? Madone Benois, Madone Litta. Comment appelle-t-on l’une des peintures de Léonard d’après le nom du client ? Quand Léonard de Vinci est-il mort ? A la table de la Cénacle où mangent le Maître et ses disciples, le Christ est assis...

"Michelangelo Buonarroti" - Prophète Isaïe. Sibylle de Delphes. Vasari et ses assistants ont sculpté une spectaculaire pierre tombale en marbre. En mars 1505, Michel-Ange fut convoqué à Rome par le pape Jules II. Église Saint-Pierre, Omsk. Prophète Jérémie. La chute et l'expulsion du paradis. Séparation du solide de l'eau. La période de la Renaissance a apporté une contribution d’une importance considérable à la culture artistique mondiale.

"Barthélemy Rastrelli" - Barthélemy Rastrelli. Francesco Borromini. Architecture baroque (suite). Dans les aubes glaciales, j'ai vu le rougissement des roses, l'architecture baroque. Et il a fait pousser des palais dans la neige. Matériel pour la leçon MHC en 11e année.

"Léonard de Vinci Mona Lisa" - Dans tout cela, Léonard démontre sa capacité à créer selon les lois du rythme et de l'harmonie. Léonard de Vinci avait une affection particulière pour ce portrait. Le contraste même entre un regard et un demi-sourire sur les lèvres donne la notion d'incohérence. L'apparence et la structure mentale d'une personne particulière sont véhiculées par elle avec une synthèse sans précédent.

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Légendes des diapositives :

Léonard de Vinci : une personnalité de génie Interprète : Yulia Sabitova, élève de 11e année du lycée MKOU du village de Kobra Superviseure : Ekaterina Anatolyevna Rychkova

Léonard de Vinci (1452-1519) Dans l'histoire de l'humanité, il n'est pas facile de trouver une autre personne aussi brillante que le fondateur de l'art de la Haute Renaissance, Léonard de Vinci. Le caractère exhaustif des activités de ce grand artiste et scientifique n'est devenu clair qu'en examinant les manuscrits épars de son héritage. Une quantité colossale de littérature a été consacrée à Léonard et sa vie a été étudiée en détail. Et pourtant, une grande partie de son œuvre reste mystérieuse et continue de passionner les esprits.

Léonard de Vinci est né dans le village d'Achiano près de Vinci, non loin de Florence. Il était le fils illégitime d’un riche notaire et d’une simple paysanne. La maison où est né Léonard

Remarquant les capacités extraordinaires du garçon en peinture, son père l'envoya dans l'atelier d'Andrea Verrocchio. Dans le tableau du professeur « Le Baptême du Christ », la figure d'un ange blond spiritualisé appartient au pinceau du jeune Léonard d'Andrea Verrocchio et Léonard de Vinci « Le Baptême du Christ » d'Andrea Verrocchio

Parmi ses premières œuvres figure le tableau « Madone à la fleur » (1472), contrairement aux maîtres du XVe siècle. Léonard refuse la narration, l'utilisation de détails qui détournent l'attention du spectateur, saturés d'images de fond. Le tableau est perçu comme une scène simple et naïve de la joyeuse maternité de la jeune Marie « Madone à la fleur ».

Vers 1482, Léonard entre au service du duc de Milan, Lodovico Moro. Le maître s'est recommandé d'abord comme ingénieur militaire, architecte, spécialiste dans le domaine du génie hydraulique, et ensuite seulement comme peintre et sculpteur. Cependant, la première période milanaise de l'œuvre de Léonard (1482-1499) s'avère la plus fructueuse. Le maître devient l'artiste le plus célèbre d'Italie, étudie l'architecture et la sculpture, se tourne vers les fresques et les peintures d'autel.

Tous les projets grandioses de Léonard, y compris les projets architecturaux, n’ont pas pu être réalisés. La statue équestre de Francesco Sforza, père de Ludovico Moro, a duré plus de dix ans, mais n'a jamais été coulée en bronze. Une maquette en argile grandeur nature du monument, installée dans l'une des cours du château ducal, a été détruite par les troupes françaises qui ont pris Milan. Francesco Sforza Ludovico Moro

En 1977, Charles Dent entreprend la reconstruction de la sculpture. En septembre 1999, il a été installé à l'hippodrome de San Siro à Milan. Statue équestre (San Siro, Milan) Cheval de Léonard, croquis de sculpture

Les peintures de Léonard de la période milanaise ont survécu jusqu'à nos jours. La première composition d'autel de la Haute Renaissance fut « La Vierge à la grotte » (1483-1494). Le peintre s'écarta des traditions du XVe siècle, dans lesquelles prévalait la contrainte solennelle dans les peintures religieuses. Il y a peu de personnages dans le retable de Léonard : la Marie féminine, l'Enfant Christ bénissant le petit Jean-Baptiste et un ange agenouillé qui semble regarder hors du tableau. Les images sont idéalement belles, naturellement liées à leur environnement. C'est une sorte de grotte parmi des roches de basalte sombres avec une brèche dans les profondeurs - un paysage typique de Léonard dans son ensemble, incroyablement mystérieux. Les personnages et les visages sont enveloppés d'une brume aérienne, leur conférant une douceur particulière. Les Italiens appelaient cette technique de Léonard sfumato.

"Vierge à l'Enfant" À Milan, apparemment, le maître a créé le tableau "Vierge à l'Enfant" ("Madonna Litta"). Ici, contrairement à « La Madone à la fleur », il s'efforce d'obtenir une plus grande généralisation et une plus grande idéalité de l'image. Ce qui est représenté n'est pas un moment précis, mais un certain état de paix, de joie à long terme, dans lequel est immergée une belle jeune femme. Une lumière froide et claire illumine son visage fin et doux au regard à moitié baissé et au sourire léger à peine perceptible. Le tableau est peint à la détrempe, ce qui ajoute de la sonorité aux tons du manteau bleu et de la robe rouge de Marie. Les cheveux bouclés dorés et moelleux du bébé sont étonnamment écrits et son regard attentif dirigé vers le spectateur n’est pas d’une gravité enfantine.

Lorsque Milan fut prise par les troupes françaises en 1499, Léonard quitta la ville. Le temps de ses pérégrinations a commencé. Pendant quelque temps, il a travaillé à Florence. Là, l’œuvre de Léonard semble éclairée par un éclair lumineux : il peint un portrait de Mona Lisa, l’épouse du riche florentin Francesco di Giocondo (vers 1503). Le portrait est connu sous le nom de « La Gioconda » ; il est devenu l'une des œuvres les plus célèbres de la peinture mondiale. "Mona Lisa" (La Joconde)

Autoportrait Au cours des dernières années de sa vie, Léonard de Vinci a peu travaillé en tant qu'artiste. Ayant reçu une invitation du roi de France François Ier, il part en France en 1517 et devient peintre de cour. Léonard mourut bientôt. Dans un autoportrait (1510-1515), le patriarche à la barbe grise, au regard profond et triste, paraissait beaucoup plus âgé que son âge.

Clos Lucé, lieu de la mort de Léonard

L’ampleur et le caractère unique du talent de Léonard peuvent être jugés par ses dessins, qui occupent l’une des places honorables de l’histoire de l’art. Non seulement les manuscrits consacrés aux sciences exactes, mais aussi les travaux sur la théorie de l'art sont inextricablement liés aux dessins, croquis, esquisses et diagrammes de Léonard de Vinci. Une grande place est accordée aux problèmes de clair-obscur, de modélisation volumétrique, de perspective linéaire et aérienne. Léonard de Vinci est responsable de nombreuses découvertes, projets et études expérimentales en mathématiques, mécanique et autres sciences naturelles.

Travaux de Léonard de Vinci sur l'anatomie humaine L'Homme de Vitruve Description et croquis de l'embryon humain

Voiture parachute de Leonardo's Inventions

Dessin d'avion de machine de guerre

Tambour de guerre Spotlight

Dessin d'une arbalète de machine volante

Monument à Léonard à Amboise L'art de Léonard de Vinci, ses recherches scientifiques et théoriques, le caractère unique de sa personnalité ont traversé toute l'histoire de la culture et de la science mondiale et ont eu une énorme influence sur celle-ci.

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Présentation sur le sujet : Peintures de Léonard de Vinci

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Peintre, sculpteur, architecte, scientifique et ingénieur italien. Le fondateur de la culture artistique de la Haute Renaissance. Léonard de Vinci est né en 1452 dans le village d'Anchiano près de la ville de Vinci, non loin de Florence. Il était le fils illégitime d'un riche notaire florentin, Piero da Vinci, sa mère était une simple paysanne. Les capacités artistiques de Léonard se manifestent très tôt et lorsque lui et sa famille s'installent à Florence en 1469, son père l'envoie étudier avec Andrea Verrocchio. Outre la peinture, la sculpture et les bijoux, l'architecture et la construction ont été étudiées ici. Selon une coutume de longue date, les étudiants aidaient le maître à exécuter ses commandes, ce qui rend notamment très difficile la détermination de la paternité ou de l'étendue de la participation de Léonard aux œuvres de cette période. Léonard de Vinci (1452-1519)

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Léonard de Vinci, développant les traditions de l'art de la première Renaissance, a souligné le volume lisse des formes avec un clair-obscur doux, animant parfois les visages avec un sourire subtil, essayant de transmettre avec son aide des états émotionnels subtils. L'artiste a réussi, en recourant parfois à un grotesque presque caricatural, à la netteté dans la transmission des expressions faciales et a mis les traits physiques et les mouvements du corps humain des jeunes hommes et femmes en parfaite harmonie avec l'atmosphère spirituelle de la composition. En 1481 ou 1482, Léonard de Vinci entra au service du souverain de Milan, Ludovico Moro, et servit comme ingénieur militaire, ingénieur hydraulique et organisateur des vacances à la cour. Pendant ses études d'architecture, Léonard de Vinci a développé diverses versions de la ville « idéale » et des projets de temple à dôme central, qui ont eu une grande influence sur l'architecture contemporaine de l'Italie.

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Après la chute de Milan, la vie de Léonard de Vinci s'est déroulée dans des voyages constants : Florence-Venise-Milan-Rome-France. Léonard de Vinci a donné la première place à la peinture, la considérant comme un langage universel capable d'incarner toutes les diverses manifestations de l'intelligence dans la nature. Son apparence serait perçue de manière unilatérale, sans tenir compte du fait que son activité artistique s'est avérée inextricablement liée à l'activité scientifique. En substance, Léonard de Vinci représente le seul exemple de son espèce de grand artiste pour qui l'art n'était pas l'activité principale de la vie.

Diapositive n°6

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Madone aux Rochers 1483-1494. Musée du Louvre, Paris. Haute Renaissance. Léonard de Vinci a commencé à peindre « La Vierge aux Rochers » en 1483, après avoir reçu une commande pour une peinture d'autel de l'une des confréries religieuses. Des désaccords avec les clients concernant le paiement ont conduit Léonard de Vinci à conserver le tableau et à le terminer entre 1490 et 1494.

Diapositive n°7

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Madone à la Grotte 1495-1508. Galerie nationale, Londres. Renaissance. N'ayant pas reçu le tableau promis « Madone à la grotte » de Léonard de Vinci, les clients ont intenté contre lui un procès qui a duré une vingtaine d'années. Ce n'est qu'entre 1505 et 1508 que l'élève de Léonard, Ambrogio de Predis, sous la supervision directe du maître lui-même, acheva (avec quelques modifications dans les détails) une répétition du tableau "Madonna in the Grotto", qui fut transféré aux clients.

Diapositive n°8

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Madone Benois 1478. Ermitage, Saint-Pétersbourg. Haute Renaissance. Vers 1480, l'artiste Léonard de Vinci a peint l'Ermitage « La Vierge à la fleur » (dite « Madone Benois ») - une œuvre qui porte un nouveau concept holistique et représente la première étape importante dans le chemin créatif de Léonard. L'artiste n'a pas encore atteint la pleine maturité de son talent - cela se reflète dans la figure pas tout à fait réussie - trop grande et d'apparence quelque peu conventionnelle - d'un bébé. Et pourtant, le tableau « Benois Madonna » se démarque nettement parmi les compositions quattrocentristes similaires à son thème, dans lesquelles l'image de la Madone semble statique, figée.

Diapositive n°9

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Mona Lisa ou Gioconda 1503-1505. Musée du Louvre, Paris. Renaissance. Vers 1503, Léonard commença à travailler sur un portrait de Mona Lisa, l'épouse du riche florentin Francesco Giocondo. Le sentiment de force émanant de l'image est une combinaison organique de calme intérieur et d'un sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne, basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire lui-même n'exprime aucune supériorité ou dédain ; elle est perçue comme le résultat d’une confiance en soi sereine et d’une maîtrise de soi totale.

Diapositive n°11

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Dame à l'hermine 1485-1490. Musée National, Cracovie. Renaissance. Le tableau « La Dame à l’hermine » a été peint par l’artiste vers 1490. Dans ce tableau, l'artiste a introduit quelque chose de nouveau dans la technique de modelage volumétrique d'une figure. Les maîtres florentins, pour qui les éléments linéaires-volumétriques ont joué un rôle de premier plan dans leur langage visuel, sont depuis longtemps célèbres pour la plasticité claire, parfois même nette, de leurs images. Léonard de Vinci n'aimait pas l'éclairage direct et puissant, qui produisait des ombres et des reflets trop durs. La lumière contribue au modelé doux et nuancé du visage et de la silhouette, mais confère également à l’image une aura de poésie romantique unique.

Diapositive n°12

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Portrait d'un musicien, années 1490. Pinacothèque Ambrosienne, Milan. Renaissance. Le tableau « Portrait d'un musicien » a été commencé par l'artiste Léonard de Vinci au tournant des années 90 du XVe siècle. La paternité de Léonard de Vinci est contestée ; on suppose que le grand peintre a commencé à travailler, mais plus tard son élève Ambrogio de Predis a travaillé sur le portrait, cependant, le tableau « Portrait d'un musicien » est resté inachevé.

Diapositive n°13

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Diapositive n°14

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Portrait de Béatrice d'Este Années 1490. Pinacothèque Ambrosienne, Milan Renaissance Le tableau a été commencé par le grand peintre dans les années 90 du XVe siècle et complété par la suite par son élève Giovanni Ambrogio de Predis. les princesses les plus belles et les plus éclairées de la Renaissance italienne, fille d'Ercole I d'Este et sœur cadette d'Isabelle d'Este et d'Alphonse I d'Este. La jeune fille était bien éduquée et était entourée d'artistes célèbres de la Renaissance, comme le peintre Léonard de Vinci et le sculpteur Donato Bramante. Elle fut fiancée à l'âge de quinze ans à Lodovico Sforza. La vie de Béatrice d'Este s'est terminée très tôt, le 3 janvier 1497 à l'âge de 22 ans, la cause du décès étant une naissance ratée.

Diapositive n°15

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Madone Litta 1490-1491. Ermitage, Saint-Pétersbourg. Renaissance. L'artiste Léonard de Vinci a peint le tableau « Madonna Litta » au début des années 90 du XVe siècle. Le sentiment de joie de la maternité dans le tableau « Madonna Litta » s'est approfondi grâce au contenu de l'image même de Marie - le type de beauté féminine léonardienne y a trouvé son expression mature. Les yeux mi-clos et un sourire subtil confèrent au visage mince et beau de la Madone une spiritualité particulière - il semble qu'elle sourit à ses rêves. Le tableau «Madonna Litta» a été peint par l'artiste non pas à l'huile, mais à la détrempe.

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Dernière Cène 1495-1498. Monastère de Santa Maria delle Grazie, Milan. La relance. Fresque de Léonard de Vinci « La Cène » (fragment central). En 1495, Léonard commença à créer son œuvre centrale, la fresque « La Cène » dans le réfectoire du monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan. Après près de trois ans de travail acharné, le tableau a été ouvert au public, glorifiant le nom de Léonard en tant que plus grand artiste de son temps. Mais le sort de cette œuvre s'est avéré véritablement tragique. Le travail expérimental habituel de Léonard sur les peintures et les apprêts n'a pas abouti - la couche de peinture n'était pas assez résistante et déjà au XVIe siècle la destruction de la fresque a commencé, qui s'est intensifiée au fil du temps et a été complétée par des restaurations grossières et ineptes. En 1954, la fresque a été débarrassée des couches ultérieures et les restes de la peinture originale ont été identifiés et réparés, grâce auxquels on peut se faire une idée générale de la composition et du dessin coloré du chef-d'œuvre de Léonard de Vinci. Pour juger plus précisément de ses caractéristiques, il faut recourir à des copies et gravures anciennes, ainsi qu’aux propres croquis de Léonard et à ses dessins préparatoires. La dimension de la fresque est de 460 x 880 cm, technique mixte. La fresque « La Cène » de l'artiste Léonard de Vinci est une immense composition qui occupe tout le mur transversal de la grande salle du réfectoire du monastère. Dans la peinture du Quattrocento, certaines traditions se sont déjà développées à propos de ce thème - il suffit de citer les œuvres d'Andrea del Castagno et de Ghirlandaio, qui, malgré toutes leurs incontestables aspirations réalistes, conservent encore quelques signes de contrainte dogmatique - en particulier, elles séparent Judas des apôtres, le plaçant seul de l'autre côté de la table. Comme ses prédécesseurs, Léonard de Vinci a représenté le Christ et les apôtres autour d'une table dressée pour un repas. L'action se déroule dans une grande salle présentée en perspective frontale, dont les murs sont tendus de tapis. Le Christ est placé au centre ; sa silhouette est dessinée sur fond de porte dans les profondeurs de la composition, à travers laquelle s'ouvre une vue sur un paysage aux douces pentes montagneuses. Léonard de Vinci a choisi de représenter le moment qui s'est produit après que le Christ ait prononcé les paroles fatidiques : « L'un de vous me trahira ». Ces paroles, si inattendues pour ses élèves, frappent chacun en plein cœur. Préfigurant la mort imminente de leur professeur, ils portent en même temps un coup dur à leur sentiment de confiance et de solidarité mutuelle, car il y a un traître dans leurs rangs. Ainsi, au lieu d'un sacrement religieux, Léonard de Vinci a incarné dans sa fresque le drame des sentiments humains. Le choix judicieux du moment décisif de ce drame a permis à l'artiste de montrer chacun des personnages dans l'expression la plus vivante de son caractère individuel. Le jeune Jean rêveur, placé à la droite du Christ, semblait s'affaisser impuissant sous le coup qu'il recevait ; au contraire, le déterminé Peter, assis à côté de lui, saisit un couteau avec la main pour punir un éventuel traître. Jacob l'Ancien, qui est à la gauche du Christ, écarta les bras sur les côtés avec un geste éloquent de perplexité, et le jeune Philippe, qui se leva de sa place à côté de lui - image d'une haute beauté spirituelle - s'incline devant le Christ en un accès d'abnégation. Et en contraste avec eux se trouve l’apparence basse de Judas. Contrairement à ses prédécesseurs, Léonard le plaça parmi les apôtres, ne faisant que souligner son visage par une ombre tombant sur lui. Mais dans cette fresque, non seulement les visages sont expressifs, mais les personnages des participants à l'événement se manifestent tout aussi clairement dans leurs mouvements et leurs gestes. Les mouvements des mains expriment à eux seuls toutes les nuances des sentiments, depuis la main du Christ posée impuissante sur la table, paume vers le haut - ce geste transmet le sentiment de soumission stoïque au sort qui l'attend - jusqu'aux mains terriblement jointes de l'apôtre André.

Diapositive n°17

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Copie de la fresque La Cène, fin du XVIe siècle. Musée Léonard de Vinci, Tongerlo. Renaissance. Une copie de la fresque de Léonard de Vinci « La Cène » (fragment central). Plusieurs artistes ont participé à la réalisation de la version restauration-copie de la fresque. Dimensions du tableau 418 x 794 cm, huile sur toile. La profondeur particulière et l'ambiguïté émotionnelle du contenu de la fresque sont associées à la dynamique interne de sa construction dramatique. Cette image ne représente pas une fixation figée d’un moment donné, arraché au flux temporel général. Au contraire, il semble que l'action se déroule sous nos yeux, car cette tragédie contient simultanément à la fois le point culminant (c'est-à-dire le moment de la plus haute impulsion dramatique), exprimé dans les images des apôtres, et sa résolution, qui représente l'image du Christ, remplie d'une conscience calme de l'inévitabilité du sort qui l'attend . Mais, ayant donné toute la mesure de l'expressivité à chacun des personnages, Léonard de Vinci a conservé un sentiment d'intégrité et d'unité étonnants dans son immense fresque à plusieurs figures « La Cène ». Cette unité est réalisée principalement par la primauté inconditionnelle de l'image centrale - le Christ. Il est la cause du conflit qui se déroule devant nous ; tous les sentiments de ses élèves sont dirigés vers lui. Visuellement, son rôle principal est souligné par le fait que le Christ est placé au centre même de la composition, sur fond d'une porte lumineuse, et, de plus, comme s'il était seul - sa figure est séparée des apôtres par des intervalles spatiaux, tandis que eux-mêmes sont unis par trois dans divers groupes des deux côtés du Christ. Il représente également le centre de la construction spatiale de la fresque : si l'on poursuit mentalement les lignes des murs et des tapis qui y sont accrochés en les mettant en perspective, alors ils convergeront directement au-dessus du Christ annuel. Cette centralisation s'exprime enfin coloristiquement. La combinaison dominante de bleu et de rouge dans la palette de couleurs de la fresque se retrouve dans son son le plus intense dans le manteau bleu et la tunique rouge du Christ ; sous une forme affaiblie, il varie en différentes nuances dans les vêtements des apôtres. Il est nécessaire de signaler de nouvelles méthodes permettant de relier la fresque de la Cène au complexe architectural et spatial dans lequel elle est placée. Au XVe siècle, le maître des fresques, utilisant le mur qui lui est fourni, cherche rarement à influencer activement son œuvre sur l'ensemble architectural et artistique. Léonard, plaçant la fresque sur le mur du fond d'une salle allongée, a pris en compte les possibilités les plus avantageuses pour sa perception dans la construction en perspective de sa composition, dans son échelle, dans la disposition du tableau et des personnages. Sans recourir à des techniques illusionnistes pour la transition de l'espace réel vers l'espace représenté, Léonard de Vinci a obtenu, grâce à une puissante centralisation de la construction figurative et compositionnelle, un tel effet lorsque l'immense salle du réfectoire s'est avérée subordonnée à la fresque elle-même, augmentant la monumentalité. de ses images et la puissance de son impact. La peinture murale du XVe siècle ne connaissait pas une domination aussi confiante sur les grands espaces, et Léonard de Vinci à cet égard a ouvert la voie aux ensembles de fresques de grands maîtres de la Haute Renaissance italienne comme Michel-Ange et Raphaël.

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Madone au rouet années 1510. Collection privée du duc de Baclelew, château de Drumlanrig, Écosse. Haute Renaissance. Le tableau représente la Madone assise sur fond de chaîne de montagnes. Elle a l'enfant Jésus sur ses genoux. Selon l'un des évangiles apocryphes, la Vierge Marie travaillait dans la maison de Joseph pour fabriquer du fil violet pour le rideau du temple. Léonard de Vinci a utilisé cette intrigue dans sa peinture. L'Enfant Jésus tient dans ses mains un rouet en forme de croix, symbolisant son acceptation de son destin. Madonna, selon l'intrigue de l'image, ne peut pas encore accepter cela avec son cœur et sa main est donc levée dans un geste protecteur.

Diapositive n°20

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Jean-Baptiste 1513-1516. Musée du Louvre, Paris. Haute Renaissance. Dans le tableau, l'artiste représente un jeune homme efféminé aux cheveux longs qui tient une croix dans une main et montre le ciel de l'autre ; par son idée même, par la nature de l'image, il est en conflit avec l'esprit ; de l'art antérieur de Léonard de Vinci. Les caractéristiques de ce tableau sont difficiles à considérer uniquement en raison du déclin créatif de l'artiste lui-même - des qualités y émergent déjà, liées intérieurement aux phénomènes de crise qui ont émergé dans toute sa force dans l'art de la Renaissance italienne après un an et un une demi à deux décennies.

Diapositive n°23

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Annonciation 1472-1475. Galerie des Offices, Florence. Haute Renaissance. Le tableau « L'Annonciation » a été peint par l'artiste Léonard de Vinci à l'âge d'un peu plus de 20 ans. Format peinture 98 x 217 cm, bois, détrempe. Le tableau «L'Annonciation» est une composition assez grande, allongée horizontalement, à l'échelle du XVe siècle, dont la longueur dépasse deux mètres et demi, représentant la Vierge Marie assise devant un pupitre de lecture à l'entrée du bâtiment, dont la monumentalité est illustrée par la grande rustication des angles et des plateaux du portail. Devant elle se trouve un ange agenouillé sur une pelouse parsemée de fleurs. L’arrière-plan de l’image forme un magnifique paysage avec de élancés cyprès. Les détails quelque peu obsessionnels de l'esprit Quattrocento, avec lesquels sont peints les plis des vêtements, les fleurs et les décorations ornementales du pupitre, ne peuvent occulter la noble beauté de l'apparence et le calme des mouvements de Marie et de l'ange. En combinaison avec la structure colorée adoucie du tableau, ces qualités, inaccessibles à Andrea Verrocchio, plus anguleuse et rigide, témoignent de la main d'un jeune artiste se tenant au seuil d'une vision différente du monde. Ceci est également soutenu par l'ordre clair de la structure de composition, qui s'exprime plus clairement que ce n'était l'habitude au XVe siècle, créant une impression d'espace calme - on peut y discerner une prémonition de ces méthodes d'organisation artistique qui deviendraient caractéristiques de les maîtres de la Haute Renaissance.

Diapositive n°24

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Portrait de Ginevra de Benci Vers 1476. Galerie nationale d'art, Washington. Haute Renaissance. Dans cette représentation en buste d'une jeune femme, dont le visage est marqué par une expression de concentration réfléchie, on peut détecter une combinaison similaire de traits traditionnels avec un signe avant-coureur du nouveau. Le style pictural de l'artiste Léonard de Vinci se distingue encore ici par des détails quelque peu fractionnaires, mais l'image du modèle Lady Ginevra de Benci est déjà entourée d'une atmosphère poétique particulière, facilitée par le fond paysager, inhabituel dans sa interprétation.

Diapositive n°25

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En tant que scientifique et ingénieur, il a enrichi presque tous les domaines scientifiques de son époque. Léonard de Vinci accorda une attention particulière à la mécanique, y voyant la clé principale des secrets de l'univers ; ses brillantes suppositions constructives étaient très en avance sur son époque contemporaine (projets de laminoirs, automobiles, sous-marins, avions). En étudiant la structure de l’œil, Léonard de Vinci a fait des suppositions correctes sur la nature de la vision binoculaire. Il a également étudié la botanique et la biologie. Et à cette activité créatrice pleine de la plus haute tension s'oppose le sort de Léonard, ses errances sans fin associées à l'impossibilité de trouver des conditions favorables pour travailler en Italie à cette époque. Ainsi, lorsque le roi de France François Ier lui proposa un poste de peintre de cour, Léonard de Vinci accepta l'invitation. En France, qui à cette époque était particulièrement impliquée dans la culture de la Renaissance italienne, l'artiste était entouré d'une vénération universelle à la cour, mais de nature plutôt extérieure. Ses forces s'épuisaient et deux ans plus tard, le 2 mai 1519, il mourut au château de Cloux en France. Scientifique expérimental infatigable et artiste brillant, Léonard de Vinci est devenu un symbole universellement reconnu de la Renaissance.

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Léonard de Vinci « De même qu'une journée bien passée donne un sommeil paisible, une vie bien vécue donne une mort paisible » Léonard de Vinci

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Léonard de Vinci est un grand artiste, peintre, sculpteur, architecte, scientifique, inventeur, écrivain italien, l'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance. Léonard n'avait pas de nom de famille ; « Da Vinci » signifie simplement « de la ville de Vinci ». Son nom complet est Leonardo di ser Piero da Vinci, c'est-à-dire « Leonardo, fils de M. Piero de Vinci ».

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Enfance La maison où Léonard a vécu enfant. Né le 15 avril 1452 dans la ville de Vinci, près de Florence. Léonard de Vinci était le fils illégitime d'un notaire florentin et d'une paysanne ; a été élevé dans la maison de son père et, étant le fils d'un homme instruit, il a fait ses études primaires à la maison : il a appris à lire, à écrire et à maîtriser les bases des mathématiques et du latin. Son écriture est étonnante, il écrit de droite à gauche, les lettres sont inversées pour que le texte soit plus facile à lire à l'aide d'un miroir.

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La jeunesse de Léonard a eu de bons professeurs, mais il a surtout appris de lui-même. L'extraordinaire polyvalence de sa nature s'est révélée dès sa prime jeunesse. Depuis son enfance, il dessinait, écrivait et calculait en plaisantant. En plus des sciences et des arts, dans sa jeunesse, il faisait beaucoup d'exercice physique, montait parfaitement à cheval et excellait dans la tonte et la coupe du bois. Excellent ami parmi les jeunes, Léonard avait de nombreux amis, mais plus encore, il aimait la compagnie des belles Florentines, avec lesquelles il connut un grand succès.

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Léonard en tant qu'artiste Déjà ses premières toiles - « L'Annonciation », « La Madone Benois », « L'Adoration des Mages » - montraient clairement qu'un grand artiste était apparu en Italie. Parallèlement, il étudie en profondeur et en profondeur l'anatomie des humains et des animaux. Le créateur de « La Cène » et de « La Joconde » s'est également montré écrivain, réalisant très tôt la nécessité d'une justification théorique de la pratique artistique. "Annonciation" "Madone Benois"

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Mona Lisa (La Joconde) Le tableau le plus célèbre au monde, « Mona Lisa » (1510), création de Léonard de Vinci, se trouve au Louvre. On ne sait toujours pas exactement qui a posé pour le grand maître. L’artiste a reçu une commande pour le tableau de Francesco del Giocondo, un marchand de soie florentin, et la plupart des historiens sont enclins à croire que le portrait représente Lisa Gherardini, l’épouse de Giocondo. Le seul inconvénient du tableau est que la Joconde n'a pas de sourcils. C'est peut-être le résultat du zèle excessif avec lequel le tableau a été nettoyé au cours des siècles suivants, et il est également possible que le modèle ait pu les arracher entièrement elle-même, car c'était à la mode à cette époque.

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Certains chercheurs affirment que le tableau est un autoportrait de Léonard lui-même, qui a donné à son apparence des traits féminins. En effet, si vous enlevez les cheveux de l'image de la Joconde, vous obtiendrez un étrange visage asexué. Cette hypothèse a été confirmée par des travaux réalisés par des chercheurs indépendants, qui ont confirmé l'hypothèse selon laquelle Léonard pourrait se représenter à l'image de la Joconde. À l'aide de programmes informatiques spéciaux, les chercheurs ont comparé la Joconde et un autoportrait de Léonard, pris alors qu'il était déjà à un âge avancé. Le résultat était incroyable. "Mona Lisa" s'est avérée être presque une image miroir du visage du grand maître. Presque tous les traits du visage correspondaient parfaitement, y compris le bout du nez, les lèvres et les yeux.

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La Cène « La Cène » est une fresque peinte sur le mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie à Milan. Même à l’époque de Léonard lui-même, cette œuvre était considérée comme sa meilleure et sa plus célèbre. La fresque a été réalisée entre 1495 et 1497, mais déjà au cours des vingt premières années de son existence, elle a commencé à se détériorer. Le thème du tableau est le moment où Jésus-Christ annonce à ses disciples que l'un d'eux va le trahir.

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Léonard en tant qu'inventeur Le plus grand scientifique de son temps, Léonard de Vinci a enrichi presque tous les domaines de la connaissance de suppositions et d'observations. Mais quelle surprise un génie serait-il s’il découvrait que nombre de ses inventions sont utilisées même plusieurs années après sa naissance. Il a créé le design d'une combinaison de plongée, d'un équipement de plongée, d'un appareil capable de comprimer l'air et de le faire passer à travers des tuyaux, une bouée de sauvetage et des gants palmés, qui, au fil du temps, se sont transformés en palmes bien connues. L'un des dessins les plus célèbres de Léonard représente le développement ancien de l'automobile. Les chercheurs ont prouvé que c'était Léonard de Vinci qui détenait les « droits d'auteur » sur un parachute, un hélicoptère, une mitrailleuse et une foule d'autres mécanismes, sans lesquels il est impossible d'imaginer la civilisation moderne.

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Mort d'un génie Le 23 avril 1519, Léonard de Vinci fait son testament et le 2 mai il meurt entouré de ses élèves et de ses chefs-d'œuvre. Léonard de Vinci a été enterré au château d'Amboise. L'inscription était gravée sur la pierre tombale : « Dans les murs de ce monastère reposent les cendres de Léonard de Vinci, le plus grand artiste, ingénieur et architecte du royaume de France. » Léonard a laissé derrière lui un grand nombre de dessins, de dessins et de notes de journal. Il a légué l'intégralité des archives à son élève bien-aimé Francesco Melzi. Melzi a passé toute sa vie à préparer des documents à publier, mais sa mort prématurée a empêché ses projets. Les archives du génie se sont effondrées et le sens des archives a été perdu. Environ sept mille pages écrites de la main de Léonard ont survécu. On pense qu'un tiers des archives n'a pas survécu à ce jour. La perte de Léonard a attristé au-delà de toute mesure tous ceux qui l'ont connu, car jamais un homme n'a fait autant d'honneur à l'art de la peinture. C'est un maître qui a vraiment vécu toute sa vie avec un grand bénéfice pour l'humanité. Oui, toute son œuvre est pleine de questions auxquelles on peut répondre tout au long de sa vie et qui le resteront pour les générations futures.

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La pertinence de la recherche

Léonard de Vinci (Leonardoda Vinci) (1452-1519), peintre, sculpteur, scientifique, ingénieur et architecte italien de la Renaissance. Presque tous les domaines scientifiques sont étayés par ses observations.

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But de l'étude

Montrez la vie et l'œuvre de L. Da Vinci Vie de L. Da Vinci. L. Da Vinci en tant que sculpteur. L. Da Vinci en tant qu'architecte, ingénieur et scientifique La peinture dans la vie de Léonard Méthodes de recherche : Collecte et analyse d'informations

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Avancement de l'étude

1. Vie de L. Da Vinci 1452 Le 15 avril, dans le village de Vinci près de Florence, naît Léonard, fils illégitime du notaire Piero da Vinci (né en 1426) et de la paysanne Caterina, également née hors mariage. . Le père de Léonard était notaire et issu d'une famille installée à Vinci au XIIIe siècle. Quatre générations de ses ancêtres étaient également notaires et faisaient partie des riches citadins qui portaient le titre de « senior », déjà hérité par le père de Léonard.

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2. L. Da Vinci en tant que sculpteur.

Lodovico Sforza, l'usurpateur, souverain de la ville la plus riche de Milan, lui commanda une statue géante représentant un cavalier, qu'il voulait placer sur la place centrale à la mémoire de son père, Francesco Sforza. 70 tonnes de bronze ont été préparées pour le monument. Leonardo a travaillé sur le projet pendant plus de 10 ans, mais seules des esquisses préparatoires nous sont parvenues. Le fait est que tout le bronze stocké était utilisé pour des armes, car en 1495 les Français hostiles se sont approchés de Milan. En 1498, ils s'emparèrent de la ville. Le modèle en argile pour mouler un cheval, mesurant 8 mètres de haut, était utilisé par les Français comme cible pour l'entraînement au tir, et Leonardo, son apprenti Gian et son ami Luca Pacioli (l'inventeur de la comptabilité en partie double) s'installèrent à Florence.

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3 L. Da Vinci en tant qu'architecte, ingénieur et scientifique.

Arbalètes géantes. Dessins du Codex Atlantique Dans le film Flesh and Blood (1985) de Paul Verhoeven, le fils du baron Arnolfini a conçu et construit une super-tour similaire pour prendre d'assaut le château. Dessin d'un scaphandre (à droite) et sa reconstruction (à gauche). Hybride d'une tondeuse et d'un char. "Code Arundel", 1487.