Este movimiento no se considera extremadamente importante para la formación del diseño moderno, ya que muchos trabajos de esta tendencia no están relacionados con la funcionalidad y la simplicidad de la forma, las características fundamentales del diseño moderno. Fue un período de empaque elegante, escenarios cinematográficos extravagantes, fuentes de filigrana y cómics. Era difícil separar lo que era bueno de lo que era malo, porque a menudo era demasiado.

Su contribución provino del buen uso de espacios en blanco y líneas de composición ampliamente entrelazadas, en contraste con los encabezados pesados \u200b\u200by audaces. Su fundador y teórico fue el arquitecto Theo van Leesburg, y el movimiento fue compuesto por el artista Pete Mondrian, Bart van der Lecc, el arquitecto J.

Se eliminaron las curvas y se prefirieron los tipos sans-serif; los tipos se compusieron en bloques rectangulares. El rojo era el color preferido en contraste con el negro porque era una revolución. Se esforzaron por lograr la ley universal del equilibrio y la armonía del arte, la estructura matemática del universo. Siempre estaban preocupados por la atmósfera intelectual y espiritual de su tiempo y querían expresar la conciencia general de ese tiempo.

Crearon el término neoplasticidad para denotar su concepto de pintura bidimensional, que finalmente se convirtió en sinónimo del estilo del grupo. La asimetría de la arquitectura de Frank Lloyd Wright tuvo una fuerte influencia en los primeros diseños de De Style. Van Dieburg y Mondrian utilizaron este concepto formal en sus pinturas. Cuando las aplicaciones tipográficas regresaron, abrieron oportunidades para el desarrollo creativo del diseño gráfico.

Ha desarrollado ideologías y tendencias innovadoras para el estudio del diseño. La escuela propuso restaurar los contactos entre el arte y la producción industrial, unir a artesanos, ingenieros, diseñadores, arquitectos, artistas y artistas, para investigar y ensamblar prototipos que se producirán a escala industrial.

Los proyectos estaban dirigidos al principio de racionalidad, simplificación y unidad entre forma y función, con el fin de promover la producción industrial, satisfaciendo las necesidades de la sociedad alemana. En diseño gráfico, el constructivista húngaro más influyente Laszlo Moholi-Nagy hizo una declaración importante sobre la imprenta, describiéndola como una herramienta de comunicación que debería comunicarse de la manera más intensa. La comunicación con las habilidades mentales nunca debe estar sesgada debido a la prioridad de la estética.

Las letras nunca deben ser forzadas a una estructura sesgada. En su diseño, lideró el uso ilimitado de todas las direcciones lineales. Utilizamos todo tipo de fuentes, todos los tamaños, formas geométricas, colores, etc. queremos crear un nuevo lenguaje tipográfico, cuya elasticidad, variabilidad y actualización de la composición tipográfica está determinada por la expresión interna y el efecto óptico.

La adicción de Moholi Nagi a la tipografía y la fotografía inspiró la atención de Bauhaus a la comunicación visual, lo que condujo a importantes experimentos que combinaban las dos artes. Vio el diseño gráfico, especialmente un póster, que se desarrollaba hacia la tipografía. Llamó a esta integración objetiva de la palabra y la imagen para transmitir un mensaje a la nueva literatura visual.

Los cables se convirtieron en un objeto vibrante de estilo Bauhaus, usado en diferentes tamaños y grosores para etiquetar, organizar o subrayar información junto con la imprenta Bauhaus, que siguió un patrón de serif llamativo y grandes números.

Otro recurso importante estudiado por los maestros de la Bauhaus fue el fotomontaje. Con el advenimiento de este nuevo medio de comunicación, cortaron y unieron fotografías para componer páginas de narración más dramáticas. Su contribución a la implementación de varias ideas y conceptos nuevos ha llevado al movimiento Bauhaus a ser un movimiento.

El término "pop" es una abreviatura de lo popular, que indica la raíz cultural y estética de este movimiento, inspirado en las imágenes de la sociedad de consumo y la cultura de masas. Los artistas pop están tratando de crear algo que exprese el verdadero espíritu del mundo actual, utilizando algunos objetos comunes relacionados con el arte en un contexto cotidiano. Por lo tanto, el contacto de la obra con el espectador es directo y su objetivo es más formal que conceptual. Se caracteriza por un lenguaje abstracto que aprecia las imágenes.

En algunas imágenes que expresan el materialismo de la sociedad, incluso se pueden percibir las intenciones de la crítica y la sátira social. Además de la aparente influencia de los dadaístas y la madame Marcel Duchamp, el movimiento adquirió un carácter único y rompió con los estilos tradicionales, adquiriendo un significado fundamental para el arte contemporáneo. Nombres como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Jones, Klaus Oldenburg se encuentran entre los responsables de este proceso. La influencia de este movimiento pop se mantiene hasta nuestros días y une a artistas de interés común para gráficos, imágenes comerciales, tecnologías de reproducción y símbolos que representan la cultura de masas.

Muy Gatsby el Magnífico

El estilo Art Deco está de vuelta en el escenario. La moda y las joyas caen nuevamente bajo el hechizo de este símbolo de los locos años veinte, cuando las ciudades se visten con una arquitectura elegante y geométrica, interiores de muebles, exquisitos en sus formas y materiales.


Hace unos meses, en pantallas grandes, el mundo entero se enamoró de la bella Gatsby el Magnífico. Los héroes del periódico simbólico de los locos años veinte y su decadencia.

Famoso estilo francés en el extranjero

Pero no solo los hermosos ojos de Gatsby sedujeron al público en ese momento, sino que fue una atmósfera festiva, glamorosa y elegante que lo llenó. Este movimiento artístico nació después de la Primera Guerra Mundial en la capital francesa bajo el impulso de los creadores que buscaban responder al art nouveau.

Art Deco, en diseño de interiores y arquitectura, será la solución en una era que debería evolucionar hacia un lujo elegante. El período de la gran liberación, en estos años de la posguerra, todo se desarrolló a gran velocidad. El estilo Art Deco, por supuesto, fue el primero en ser industrializado masivamente. Muy pronto conquistará el mundo.

Materiales ricos Fuerte presencia de patrones geométricos, formas estrictas y dinámicas. Formas en constante movimiento. La ubicuidad del negro y el rojo. Lugar reservado para platos en la decoración.


Combinando bronce, oro y mármol, esta consola finamente diseñada es un gran ejemplo del estilo Art Deco.

Un sofisticado uniforme, todo vestido con materiales brillantes, en un entorno corto y lujoso. Esta impresionante silla color crema podría haber estado perfectamente ubicada en el salón de Gatsby. Con su estructura de haya y su carácter lujoso, encarna perfectamente la riqueza dominada a lo largo de los años.

Contiene un resumen de obras cubistas de la época y materiales nobles que son consistentes con este estilo. Está muy de moda y es muy útil para recibir, el trolebús fue lo más destacado de los interiores Art Deco. Líneas limpias y pinturas barnizadas, ofrece rejuvenecimiento, pero está inspirado en su ancestro muy elegante.

Colecciona bronce, hierro y dorado y geometría perfecta. Esta pequeña lámpara de bronce, cubierta con collares de perlas, parece haber venido directamente del cabaret de los años. ¡Pon una pequeña mesa en la sala de estar para un ambiente coqueto! La cristalería jugó un papel fundamental en el estilo Art Deco, especialmente con un énfasis en joyas en jarrones, tazas, candelabros y botellas de horno.

Por lo tanto, el lujo y la estética pueden calificar este corte dorado. Y por una buena razón, cumple totalmente con las reglas de la época: elegantemente con estos espejos, tallados y biselados. Una verdadera pequeña obra de arte! Art Deco no tiene miedo de poner platos en los grandes. ¡También platos de vasos, si la gracia es la base, el negro también! ¡Con estas rayas en el aspecto negro general solo tendrás ojos para este plato!

El origen del Art Nouveau Aunque la datación del movimiento estético siempre es algo aproximada, generalmente es la aparición del estilo Art Nouveau en Francia alrededor o incluso antes de que esta corriente se hiciera un nombre. Por lo tanto, el modernismo surgió debido a la necesidad de reorientar el arte decorativo, de la necesidad de ciertos creadores progresivos de restaurar el significado y la coherencia allí. Paradójicamente, el movimiento también está en la línea del antihistorismo, lo que lo convierte en uno de los primeros movimientos modernos.

Atractivo de geografía variable Inspirado en el movimiento británico, el Art Nouveau no es exclusivamente una tendencia francesa. Por el contrario, este es el primer movimiento del estilo contemporáneo de nivel internacional. Pero, ¿a qué se refiere exactamente esta expresión? Solo para algún tipo de arabesco, cuya línea, inmediatamente líquida y sofisticada, imita lo que se escucha en el aire. Durante un período en el estilo Art Nouveau, un látigo es adecuado en madera o metal, en puertas, puertas, barandas de escaleras o productos de hierro, muebles, etc.

Art Nouveau y naturalismo. Todas estas formas sinuosas y altamente ornamentales que encontramos en el estilo Art Nouveau provienen del deseo de volver a conectar con motivos con la naturaleza y el naturalismo. Esto se expresa de una manera algo abstracta, pero orgánica y muy sensible, en adornos inspirados en la forma de plantas, flores, insectos y animales.